Francofonia

2011-09-19T11:11:00.002-03:00

Dino e Gita trocam de mãos

Eu estava sentado num daqueles bancos azuis de plástico, a mochila no colo, e olhava para os ônibus que chegavam e partiam. Sem vontade de ler ou de escrever, apenas observava as habituais gostosinhas que circulam pelas rodoviárias catarinenses. Entre uma observação e outra, flashes dos dias que passei na Schnapsfest espocavam na minha cabeça. Após uma espera de 25 minutos, eu ainda ria sozinho quando entrei no ônibus e sentei na minha poltrona, no corredor.

Eu estava solteiro e desesperado na época e torcia para que, pelo menos nessa viagem de volta a Curitiba, a minha sorte melhorasse. Mas assim que vi entrar no ônibus um homem corpulento, de uns quarenta anos, vestido com um casacão preto de inverno, tive a estranha certeza de que seria ele, e não uma gostosinha, que se sentaria ao meu lado.

Eu já o tinha observado involuntariamente minutos atrás. Vi caminhando, apoiado em muletas. Uma má formação nos seus dois pés, calçados em havaianas, impedia que ele pudesse andar normalmente. Nas mãos, tal como nos pés, ele tinha os dedos colados, dois a dois, tendo livre apenas os polegares. Esse homem também tinha um aspecto desleixado como o meu, seja pela situação da calça jeans que vestia e das suas havaianas, como pela jaqueta barata de nylon. Para completar, usava um boné marrom ensebado, que amassava uma cabeleira crespa e revolta.

Ao caminhar na minha direção, ele resmungava alguma coisa, e quando se aproximou e conferiu o número 22, me perguntou se eu não gostaria de trocar de lugar com ele, para que ficasse no corredor.

“Melhor pra eu esticar minhas pernas. Tudo bem pra você?”

“Claro”, respondi.

O ônibus começou a andar e, pela janela, ao mesmo tempo em que via o seu reflexo, eu olhava para os funcionários encarregados de entregar e guardar as malas dentro dos ônibus... Eu não queria ficar olhando diretamente pra ele e para suas mãos e pés, e eu também percebia que as pessoas em volta olhavam pra ele atentas, ao mesmo tempo em que desviavam o olhar e fingiam não olhar.

Então, do nada, após olhar para o seu bilhete e dar mais um resmungo, ele começou a falar comigo, me contando que as empresas de ônibus eram obrigadas por lei a dar uma cota de passagens para deficientes e idosos, e que algumas malandramente se negavam a fazer isso.

“Mas eu conheço meus direitos, e meto a boca neles. Comigo não tem essa não.”

Depois disso, foi minha vez de tentar uma conversa.

“E então, estava na Schnapsfest?”

“Não. Vim para o Stammtisch em Indaial. Adoro comer marreco com batata e chucrute, e hoje almocei com uns amigos do Clube de Caça e Tiro... E você? Estava na Schnapsfest?”

“Sim, e fiquei uns dias aqui na casa do meu primo.”

“Hummm”.

Era engraçado pra mim. Pela minha visão preconceituosa, eu achava que ele não tinha muito a ver com o Stammtisch e com Indaial e todo aquele universo.

Em seguida, perguntei o nome dele e depois disse o meu, e assim nos apresentamos. Então eu não sei como o papo engrenou, mas acho que começou mesmo por causa de música.

Vi que ele tinha fones de ouvido pendurados no pescoço e logo ele estava manuseando o seu discman, e procurando pilhas, enfim. Perguntei pra ele que tipo de som ele gostava e, a partir disso, a gente começou a falar em um monte de bandas que cada um curtia. Era impressionante como tínhamos muito em comum. Sá & Guarabira, Crosby Stills and Nash, Picassos Falsos, Violeta de Outono, e lembro que ele era um cara que gostava especialmente de rock. E rock argentino.

“Gosta de Fito Paez?”

“Putz, cara, não manjo muito dele.”

“Ele já gravou com o Paralamas e tudo.”

“Sim, eu sei, mas nunca ouvi nenhum disco dele.”

“E Sui Generis, conhece?”

“Não, nunca ouvi falar”

“Nunca ouviu falar no Charly Garcia? Cara, você tem que ouvir esse som”, disse, incrédulo. “É muito bom”.

“E é tipo o quê?”

“Você tem que ouvir, tem piano, flauta...”

“Tipo Jethro Tull?”

“Hummm, mais ou menos. É outra coisa... Peraí que eu te mostro”.

Ele levantou, pegou a mochila e procurou um CD num estojo de plástico. Então achou o disquinho que procurava e meteu no discman.

“Ouve aí”, e me passou um dos fones.

“É legal!”, eu disse, e depois já ia passando o fone pra ele.

“Escuta mais!”

E assim, por mais alguns minutos, conversamos e ouvimos música ao mesmo tempo.

Eu não sei bem como foi, mas de repente ele começou a falar um pouco sobre a sua vida. Antes contou que não ficaria em Curitiba. Assim que chegasse na cidade, ele seguiria viagem rumo ao norte, acho que para o Mato Grosso ou Goiás. No meio disso, devo ter perguntado onde ele tinha nascido, mas já não me lembro o que ele respondeu. O que guardo bem, porque me surpreendeu, foi quando ele disse que morou durante parte da infância e juventude em Paranaguá, minha cidade.

“Conheço bem o Porto, a Vila Oboite...”

Foi em Paranaguá, aliás, que ele descobriu que adorava ler e desde então estava sempre com um livro debaixo do braço.

“Está indo pra igreja?, perguntavam. Só porque eu estava com um livro grosso e eles achavam que era a Bíblia. Era Tolstoi! Dostoievski, cara. Já leu esses?”

“Algumas coisas...”

“Mas os caras não achavam que era isso, achavam que era a Bíblia. A maior parte das pessoas não lê porra nenhuma. São como essas toupeiras aqui do nosso lado, só ouvindo a nossa conversa. Devem estar anotando os autores e as coisas que a gente fala!”, e então gargalhou alto.

Ele ainda me contou que, a partir de uma certa idade, escolheu, isso mesmo, escolheu ganhar a vida como mendigo. Não sei se a leitura de gente como Henry Miller ou Tolstoi ou Henry Thoreau o influenciou, mas a questão era que, para ele, era normal sentar na rua e esmolar. Outra coisa que me surpreendeu era que ele tinha família, irmãos, acho que no Mato Grosso ou em Brasília, que tinham grana, e ele mesmo também tinha alguma. Afinal, lá estava ele, voltando da folia no Stammtisch, então ele não era um miserável, como eu achava que a maioria dos mendigos era. Não. Ele tinha dinheiro para comprar pilhas duracell para seu discman, assim como tinha dinheiro para comprar discos e livros, enfim. Ele, como mendigo, devia ter mais renda do que eu, que vivia com meus pais e fazia textos como freelancer aqui e ali.

E quando ele então me perguntou o que eu fazia eu fiquei um pouco desconcertado. Justamente por ter tão pouco a dizer. Então respondi que era jornalista, que morava com meus pais...

“Jornalista? Poxa! Daqueles que desvendam maracutaias e denunciam criminosos! Seu pai deve ficar orgulhoso de você!”, disse ele, que antes me revelou fazer parte de algum partido como PTB ou PC do B...

Ri constrangido e expliquei em seguida qual era a minha real situação.

“Na verdade estou me formando ainda em jornalismo e trabalho fazendo assessoria de imprensa para uma escola de dança...”

E para não desapontá-lo mais e tentar causar alguma impressão acrescentei: “Também estou terminando de escrever um livro, uma biografia sobre um escritor...”

“Um livro? Você sabe que eu também estou escrevendo? É um romance meio biográfico... Você quer ver?”.

Ele se levantou, pegou a bolsa novamente e tirou dessa vez um caderno. Havia folhas e folhas preenchidas à caneta. E então leu, com uma voz baixa e macia, alguns trechos pra mim. É uma pena não lembrar nada deles, mas acho que talvez eles falavam sobre uma mulher e luz de velas, mas talvez seja invenção minha agora. O fato é que essa parte da leitura foi muito rápida e, quando percebi, estávamos em São José dos Pinhais e algumas pessoas já se levantavam para pegar as suas bolsas, tumultuando tudo ao nosso redor.

Pouco antes de o ônibus parar eu pensava, puxa, preciso dar algum presente pra esse cara! E lembrei que eu tinha na bolsa um Deserto dos Tártaros que eu havia comprado, ao acaso, em um sebo perto de casa. Então assim que desembarquei fiquei esperando ele em frente ao ônibus. Eu não sabia bem como dizer o que eu queria dizer, mas disse:

“Olha, cara, foi um prazer te conhecer, e eu queria te dar um presente aqui, um livro que eu comecei a ler, e que é bacana...”

“E por que não terminou?

“Cara, ainda não deu tempo e nessa viagem não sobrou muito tempo pra leitura...”

“Mas e é bom? Como é?”

“É muito louco. É sobre um soldado que vai servir em um quartel no meio do deserto, onde eles temem que os tártaros possam atacá-los. Mas nada acontece e daí eles ficam na maior paranóia com isso”, resumi, rapidamente e gesticulando muito, como é do meu feitio.

“Cara, esse italiano, o Dino Buzati, tem gente que compara ele ao Kafka e tal, tem uma coisa de absurdo, enfim, eu acho que você pode gostar”, completei.

Antes que eu terminasse a frase ele começou a revirar as coisas na sua bolsa, dizendo: “Peraí que eu tenho uma coisa pra você também”, e tirou um livrinho branco e gordinho, que tinha uma capa em papel manteiga, com detalhes em dourado.

“Eu comprei esses dias num sebo. É muito bom, você vai gostar!”, disse, me estendendo O Monge Endinheirado, a Mulher do Bandido e Outras Histórias de Um Rio Indiano, da Gita Mehta.

Depois de trocarmos os livros, apertamos nossas mãos e trocamos palavras como “um dia desses a gente se vê”, antes de cada um tomar o seu rumo e nunca mais se ver novamente.

2011-08-14T19:04:00.001-03:00

2011-06-14T21:54:00.008-03:00

::Pisar num quadro assim seria duplamente terrível::::: Uma mão segurando uma xícara de café. Um ovo cozido pousado num porta-ovo. Um sol, eu acho, e algo que não sei se é um punhal em formato de cruz ou se é simplesmente um punhal. E a inscrição Velho Fiel. O conjunto de elementos forma um quadro meio redondinho, para o qual olho agora. Um impressionante quadro feito de chiclete mascado. Seu suporte, seu chassi!, é o próprio asfalto de Londres. É, a vida tem dessas coisas. Tem desses artistas como Ben Wilson, que fazem arte com um simples chiclete amassado. Gostaria de ter escrito essa história hoje no NYT. http://www.nytimes.com/2011/06/14/world/europe/14muswell.html?_r=1 Nem precisava ser no NYT. Podia ter sido aqui mesmo. Depois de ter lido esse texto da Sarah Lial, fiquei pensando também em Hélio Leites e no seu minimalismo. http://www.flickr.com/photos/povodobotao/ Em seus universos em caixinhas de fósforos. Pois é. O grande está no pequeno.

2011-04-16T16:32:00.012-03:00

Festival de Curtiba))) Confira essa reportagem para o jornal CORREIO* sobre os grupos baianos que enfrentaram o desafio de participar da mostra Fringe na 20ª edição do Festival de Curitiba.

2011-04-10T22:13:00.018-03:00

UMA FATIA DO MAIOR FESTIVAL DE TEATRO DO BRASIL /// Do que assisti ao longo do 20º Festival de Curitiba, encerrado hoje, a peça Sonhos Para Vestir foi a montagem que mais me encantou, com sua simplicidade sofisticada e macia. Pra quem deseja uma sinopse dessa peça montada no aconchego do Teatro Paiol, resumo do meu jeito. A atriz Sara Antunes se transforma numa mitológica Ariadne. E com suas palavras nos guia entre um labirinto inconsciente, rumo ao encontro de nossos sonhos. Eles podem ser desde uma viagem a Paris – para fazer compras e comer carne, como sugeriu uma espectadora –, ou um reencontro com alguém querido. Como o pai de Sara. Muitas das memórias que a atriz guarda dele compõem esse enredo singelo, tecido também com a participação do público, muito à maneira como ela já fazia na peça Negrinha. Vida e poesia, “uma bordada na outra”, é o que testemunhei nessa sábia montagem dirigida por Vera Holtz, que espero rever, quem sabe, em Salvador.////////// PALAVRAS, CAVALOS SELVAGENS////////// Nesse meu pequeno balanço do festival também destaco outro monólogo: O Livro, interpretado por Eduardo Moscovis, com direção de Cristiane Jatahy. No Barracão do Cietep Moscovis deu vida ao igualmente poético texto de Newton Moreno, fazendo isso com um despojamento semelhante ao que apresenta em Corte Seco, peça dirigida também por Jatahy. Entre suspiros femininos, Moscovis anunciava: ele era um homem que perderia a visão diante de nossos olhos. E assim palavras projetadas num rolo de papel gigante se esvaíram como miragens ao som de Wild Horses. Como sobreviver à perda do referencial visual, que ordena quase tudo e constrói a nossa identidade? A pergunta feita por Moscovis foi ouvida também por um casal de cegos que acompanhava a montagem. A reposta só eles sabiam. ////////////BARTLEBY É PARTITURA/////////// Sobre a experiência de assistir a Prefiro Não?, de Denise Stoklos, digo que foi um tanto estranha pra mim. A expectativa era grande, e quando Denise começou a peça com um monte de tiradinhas engraçadinhas, fiquei desapontado. Me parecia stand up comedy sem graça, mas que provocava frouxos de riso na maioria das pessoas. As mesmas que deliraram, aposto, com Os 39 Degraus. Apesar de me incomodar com isso, aos poucos fui admirando outras coisas. De fato essa adpatação de Denise para a novela Bartleby, de Herman Melville, era bem diversa à que eu tinha assistido antes, numa montagem de Joaquim Goulart. Achei interessante Denise ir para um caminho didático, contextualizando o texto e seu autor ao público e colocando o livro como objeto cênico, já que o nome Bartleby estava impresso em estantes de partitura espalhadas pelo palco. E por mais que eu não tenha curtido certas piadas, gostei de ver Denise potencializar a subersividade do amanuense Bartlebly,mexendo no texto ao seu prazer. Mas, acima de tudo, foi um prazer vê-la também ‘dançar’ a peça. A sombra de Denise, gigantesca, se movendo como um espírito de Michael Jackson (viagem minha!) no fundo do palco, perto do fim do espetáculo, dava bem a dimensão da consagrada atriz iratiense, em grande forma aos 60 anos.///////////NEUROSE E SEXO///////// Eu ouvia Perry Farrell cantar na minha cabeça: “Conheci uma garota/ que nunca teve/ orgasmo...”, tão logo começou a peça Inverno da Luz Vermelha e sua história começou a se desenrolar. Diante da neurose e da impotência do escritor Mateus (Rafael Primot), eu fiquei pensando nisso, na força libertadora do orgasmo. Mais tarde voltei a pensar sobre o assunto sob o prisma do livro Medo da Vida, de Alexander Lowen... Mas voltando à peça, enquanto o músico Davi (André Frateschi) é o absoluto dionisíaco, o escritor Matheus é um socrático neurótico, incapaz de fazer amor livremente. Cada um a seu modo, os dois amigos lidam com o sexo de maneira extrema, da mesma forma que a prostituta e cantora Christina (Marjorie Estiano). No fim, todos pagam caro por isso. O texto de Adam Rapp tem uma pegada forte mesmo, com a ameaça inesperada do HIV, e aborda questões delicadas que todos conhecem em alguma medida. Na direção do espetáculo, Monique Gardenberg fez um belo trabalho conduzindo essa história com humor na medida, bom gosto e sem exageros. ////////// AMIZADE DESTRUTIVA /////////// Quanto à relação de amizade parasitária dos amigos, foi interessante ver uma variante disso na peça Um Coração Fraco, através dos personagens Vassia (Caio Blat) e Arkadi (Cadu Fávero). Enquanto Vassia é um amanuense que não consegue dizer não ao trabalho - bem diferente de Bartleby -, e é consumido por ele, Arkadi é um folgazão, prestes a entrar no vácuo da relação de Vassia com Lisanka (Isabel Guéron). Isso se a relação não pifasse com o esgotamento mental de Vassia. A ideia presente na peça, de que a felicidade pode ser insuportável para certas pessoas, é de fato provocadora. Porém o formato da montagem, muito certinha e convencional, não foi capaz de me sacudir muito não. Mesmo assim, fiquei contente de ver a Priscila Rozenbaum lá na saída do Guairinha, na posição de diretora, materializando aquela velha adaptação de Dostoievski de que ela já falava como personagem do filme Separações, do maridão Domingos de Oliveira.

2011-03-09T11:17:00.008-03:00

Carnaval)))

MUITAS

FE-LI-CI-DA-DES

E MUITOS

BEIJOS

NA BOCA

Que Parabéns pra Você, que nada. Eu estava lá em cima do trio e vi. Ao completar 82 anos ontem, em pleno dia das mulheres, a apresentadora Hebe Camargo se empolgou mesmo ao cantar o hit Beijar na Boca, ao lado de Claudia Leitte, diante de uma multidão que assistia ao desfile carnavalesco das duas no circuito Barra-Ondina.

Vestida com um figurino semelhante ao de Claudia, num traje inspirado na planta helicônia, Hebe cantou, dançou, mandou muitos beijinhos e até tascou selinhos, tanto em Claudia quanto no repórter Vesgo, que também estava no trio.

“A primeira vez a gente nunca esquece. Esse é o mais lindo Carnaval do mundo. Viva a Bahia!,” disse Hebe, sobre a sua primeira experiência no Carnaval baiano. “Gente, e olha que ela desfilou nessa madrugada na Beija-Flor, lá no Rio!”, destacou Claudia Leitte. “Hebe, aqui é sua casa!”, completou a cantora, cujo rebolado deixava Hebe com um olhar surpreso e travesso.

Com energia de adolescente, a apresentadora permaneceu por mais da metade do percurso no maior pique, quase sem descansar na poltrona confeccionada especialmente para a rainha da televisão brasileira. “Eu quero muito mais!”, puxava ela o refrão da música Famosa, de Claudia, com muita propriedade.

Tudo isso para o encanto de foliões como a professora paulistana Mônica Bertanello, 43. “A Hebe é uma inspiração, ela mostra como alegria não tem idade”. “Esse encontro do novo com o maduro só acontece na Bahia! É fantástico ver a Hebe aí, depois de tudo que ela passou”, lembrou a empresária Luana Arbex, 29, referindo-se à vitória de Hebe contra um câncer, no ano passado.

Encontros

No percurso, Hebe fez questão de elogiar as cantoras Ivete Sangalo e Daniela Mercury, recebendo ainda um Parabéns pra Você coletivo, em ritmo de axé, diante do camarote de Daniela. Em seguida, a própria Hebe emendou a clássica Como é Grande o Meu amor por Você, do Roberto Carlos, mostrando o seu talento como cantora e a sua paixão pelo Rei, que foi homenageado pela Beija-Flor de Nilópolis no Rio.

E depois de dançar Tchubirabirom e Liga da Justiça – recebendo uma camiseta do Superman do grupo LevaNóiz -, Hebe se emocionou ao cantar a música Palco, com Claudia e Gilberto Gil, que surgiu no camarote 2222.

Depois disso, foi a vez de Margareth Menezes se juntar a Claudia, Hebe e Gil, ao som de Faraó, do Olodum, num momento de arrepiar.

Reconhecimento

Hebe ainda recebeu um troféu de Dama do Rádio ao passar pelo camarote da Itapoan FM, ao que Claudia levou um prêmio como Destaque do Carnaval. “Esse troféu vai ficar na minha sala de visitas, pra todo mundo ver como a gente é recebida na Bahia”.

Mas um dos maiores presentes para a apresentadora foi dar um abraço no filho Marcelo Camargo, 45, no meio da festa. “Esse encontro com a Claudia é maravilhoso pra minha mãe. Ela comemora a vida, e essa festa é um retrato da vida. Por isso não havia lugar melhor para ela vir, ela tinha que estar aqui!”, resumiu.

2011-02-19T17:20:00.014-02:00

Literatura)))
Uma seleção de reportagens sobre literatura, publicadas no jornal CORREIO*:

João Ubaldo, 70tão. Leia por aqui também

Anjos da Desolação vale a leitura... Ontem à noite, sonhei que era Jack Kerouac... E no box sobre os filmes beats, dicas do Mário Bortolotto

Bora ler o Caderno Manchado de Vinho, do Buk, que também não tem erro.

João do Rio. Biografia de João Carlos Rodrigues conta tudo sobre a vida desse mestre do jornalismo literário.

2011-02-19T17:01:00.011-02:00

Perfis)))
Confira alguns perfis de figuras importantes para a cultura baiana, publicados no jornal CORREIO*.

Um perfil de Gal, aquela, do saudoso beco na Vasco da Gama, figura imortalizada também na Melô do Chaco...

***

Perfil do grande mestre Lourimbau, quando ele lançou seu primeiro disco, A Arte de Mestre Lourimbau. Em 2010, esse disco, junto com Sinfonia de Arame, de Dinho Nascimento e Capoeira de Besouro, de Paulo César Pinheiro, tocou muito aqui em casa. Os três continuam tocando em 2011.

2011-02-19T15:51:00.013-02:00

Artes Visuais)))

Seleta de reportagens sobre artes visuais publicadas no jornal CORREIO*

O paraíso para os artistas existe. E fica na Ilha de Itaparica. Chama-se Instituto Sacatar. Entenda só na matéria.

Matéria sobre a Residência Universitária da Ufba, no Corredor da Vítória, onde já moraram diversos artistas conhecidos como Joãozito e Baldomiro Costa. Reportagem mostra quem são os jovens artistas que moram lá hoje, como os artistas plásticos Fernando Bernardes e Cenildo Silva e o diretor teatral Eduardo Machado.

2011-02-15T14:36:00.023-02:00

TEATRO)))
Uma seleção de reportagens sobre teatro que saíram no jornal CORREIO*:

Reportagem sobre a peça Pólvora e Poesia, dirigida por Fernando Guerreiro.

Perfil sobre Márcio Meirelles.

2010-04-03T21:31:00.010-03:00

Dança)))
Dentro de nós, o samba
Foto: site www.andreajabor.com.br

Na batucada, as meninas do grupo Arquitetura do Movimento também botam pra quebrar

Uma viagem pelo universo do samba e uma prova de que esse ritmo é parte indissociável da identidade de qualquer brasileiro – excluindo-se, é claro, os que são ruins da cabeça e doentes do pés. Eis a peça Ao Samba, a cruz, o xis e o esplendor, da bailarina e coreógrafa Andrea Jabor. Até ontem a montagem da artista carioca esteve em cartaz no Teatro Vila Velha, dentro da programação do 4°Festival Internacional Viva Dança.

Participando da apresentação também como uma narradora, Andrea explicou um pouco sobre o processo de criação de Ao Samba..., que dá continuidade a uma pesquisa iniciada em seu trabalho anterior, intitulado As cinco peles do samba (2008). Segundo a coreógrafa, um de seus objetivos era investigar o modo particular como as pessoas se relacionavam com a cultura do samba, que no fim une a todos nós.

Nesse processo, Andrea não deixou de investigar a si própria. Compartilhando suas memórias com o público, ela lembrou como sua mãe adorava carnaval, e como isso lhe influenciou completamente. Foi inclusive com a ajuda da mãe que Andrea, ainda criança e vivendo em Londres, criou a sua primeira coreografia na escola. Fez suas colegas inglesas se vestirem de baianas e assim elas requebraram ao som de Aquarela do Brasil.

Depoimentos como esse são usados para compor uma dramaturgia leve e poética. A narração de Andrea dá coesão ao verdadeiro show das cinco bailarinas presentes na montagem. Além de dançar, as meninas ainda cantam e fazem batucada na maior malandragem.

A fluidez com que elas passeiam por inúmeras vertentes do samba impressiona. Suas coreografias fundem samba no pé, gafieira e partido-alto com drum and bass, rap e contato-improvisação. Até o pagodear baiano, marcado por “rebolations” e “tchans” ganha o palco, acompanhado do legítimo samba do recôncavo e de outras regiões nordestinas.

2010-03-31T23:02:00.012-03:00

Teatro)))
Pra pensar o negro
Algumas reflexões sobre Negrinha e Cabaré da Raça, peças que vi, não faz muito tempo, aqui em Salvador

Buscar entender o que foi a escravidão, assim como refletir sobre o racismo não eram coisas que eu fazia muito em Curitiba. É certo que a imbecilidade da discriminação sempre me incomodou. Mas vivendo em um ambiente não tão negro assim, confesso que não me sentia muito estimulado a pensar nisso.

Morando em Salvador é diferente. Na capital que possui a maior população negra do Brasil, as discussões sobre esse universo são constantes. E fica bem mais difícil se abster de pensar nesse assunto sério, mesmo para um branquelo como eu. Nesse sentido, recentemente foi muito bom ter assistido a peças de teatro como Negrinha e Cabaré da Raça.

No caso de Negrinha, nem é um produção soteropolitana, como muitos sabem. Mas foi em Salvador, no dia 5 de março, mais especificamente no casarão do Instituto Feminino de Cultura, que puder ver esse monólogo. Basicamente, ele resgata o período da escravidão através dos relatos de uma criança negra que passou a vida levando croques dos senhores na casa grande e vendo gente ser torturada na senzala.

Quem faz o papel da Negrinha é a atriz Sara Antunes – uma das fundadoras do Grupo XIX de Teatro, companhia radicada na capital paulista. Com sua personagem, criada a partir de um conto homônimo de Monteiro Lobato, Sara nos lembra o tanto que o povo negro foi vilipendiado ao longo do período oficial de escravidão, e como ele se manteve cativo e marginalizado mesmo após o 13 de maio.

E se em Negrinha o passado foi vislumbrado criticamente, em Cabaré da Raça, peça dirigida por Márcio Meirelles, era a situação atual do negro que se colocava em pauta. “O negro hoje até aparece mais na televisão mas, quando isso acontece, são as questões do negro que são colocadas na tela?”, questionava um personagem desse cabaré composto por atores que assumiam diversos estereótipos: o negão fodido, o modelo bem sucedido, o malandro, o militante intelectual, só para citar alguns.

Gostei da forma direta com que o Bando de Teatro Olodum questiona o comportamento do negro e vai de encontro aos tabus. Que religião deve o negro adotar? Todo mundo tem que ser de candomblé? Será que o mito do negro "sex-machine" não cria uma imagem reducionista, ofuscando outras de suas potencialidades? Será que o negro não discrimina os seus semelhantes, agindo tal e qual um branco racista? Eis algumas das muitas perguntas que invandiam o palco do Teatro Vila Velha, sendo que muitas respostas foram dadas pela própria plateia, que era convidada a interagir.

Algumas impressões
Apresar de sentir falta de uma complexidade maior na dramaturgia de Negrinha, gostei bastante da desenvoltura da atriz Sara Antunes – que está há três anos excursionando com essa peça. Achei também muito boa a escolha de usar recursos cênicos simples, explorando, por exemplo, a escuridão, luz de velas e objetos domésticos como um pilão ou uma bacia. Tudo isso, bem manejado, prendeu a atenção do público até o fim.

Quanto ao Cabaré da Raça, mais uma vez vi que uma peça educativa pode ser sim muito boa. Isso porque os atores e atrizes do Bando de Teatro Olodum são porretas mesmo, e a peça acerta a mão quando quer ser cômica ou incisiva. Descambar para piadas sem graça ou cair em ofensas gratuitas seria um risco nesse cabaré, mas não foi assim, pelo menos na montagem que vi no último sábado.

2010-03-24T23:56:00.012-03:00

Teatro)))
Ariane Mnouchkine, no Vila
Inédito no Brasil, novo documentário sobre Ariane Mnouchkine e seu Théâtre du Soleil estreou na terça-feira, em Salvador, no Teatro Vila Velha

Ariane Mnouchkine l'aventure du Théâtre du Soleil (2009)

Ariane Mnouchkine passando um sabão num ator cambojano que se recusa a aprender a ler... Ariane mandando atores afegãos vestirem burcas para experimentar como é bom ser uma mulher no Afeganistão... Ariane a revelar, na China, que suas forças podem acabar, mas que o Théâtre du Soleil continua mesmo sem ela...

Cenas como essas, retratando uma das mais importantes encenadoras do teatro contemporâneo, hoje com 71 anos, foram vistas na terça-feira (23) no Teatro Vila Velha. Inédito no Brasil, o documentário Ariane Mnouchkine l'aventure du Théâtre du Soleil (2009), dirigido por Catherine Vilpoux, estreou em Salvador para um público de aproximadamente 30 pessoas.

Apesar de não ser um documentário muito aprofundado, em 75 minutos ele apresenta um bom panorama sobre a trajetória de Ariane e sua companhia. E quem esteve presente no Cabaré Café pôde conhecer ainda um pouco mais sobre o universo do lendário grupo francês em um bate-papo com a jornalista, pesquisadora e produtora teatral Deolinda Vilhena.

Estudando o Théâtre du Soleil há uma década, Deolinda tinha histórias de sobra para contar. Ainda mais que conviveu com a trupe de Ariane por cinco anos, em Paris, para apresentar, em 2007, uma tese de doutorado na Sorbonne sobre os modos de produção do Soleil.

Importância
“O teatro francês pode ser dividido em antes e depois de 1789 [peça sobre a Revolução Francesa, apresentada em 1970]”. Com essa afirmação sobre um dos mais celebrados espetáculos do Théâtre du Soleil, Deolinda não esconde a sua paixão pelo grupo. “É nesse tipo de teatro que eu acredito.” Independente de as pessoas gostarem ou não dos espetáculos dirigidos por Ariane – como uma senhora na platéia, que disse não achar nada demais neles –, Deolinda afirma que o posicionamento ético da diretora é exemplar. “Pode-se discutir uma porção de escolhas que ela faz, mas é fato: há 46 anos Ariane se mantém fiel a seus ideais, mostrando que é possível fazer teatro de um outro jeito.”

E para quem também é fã de Ariane, Deolinda traz boas notícias. De acordo com ela, há uma grande chance de o Théâtre du Soleil vir ao Brasil em 2011, com o novo espetáculo Les Naufragés du Fol Espoir. Seria a segunda visita ao país, depois da apresentação de Les Éphémèrs em São Paulo e Porto Alegre, em 2007.

Algumas curiosidades sobre o Théâtre du Soleil

Controle total
Segundo Deolinda Vilhena, Ariane Mnouchkine supervisiona absolutamente tudo na Cartoucherie de Vincennes, sede do Théâtre du Soleil, em Paris. "Ela recebe o público na entrada do teatro, certifica-se de que a comida servida antes da peça está boa e, se algo sair errado, seja na apresentação ou na recepção das pessoas, ela faz questão de devolver o dinheiro dos espectadores na mesma hora."

Turnês
O Théâtre du Soleil só deixa Paris se conseguir levar toda a estrutura da Cartoucherie de Vincennes para outros países. Das arquibancadas à louça usada pela trupe, ou vai tudo com eles, ou nada feito.

Admissão
Para se candidatar a uma vaga no Théâtre du Soleil, o primeiro passo é escrever uma carta, apresentando um bom motivo para fazer parte do grupo. Currículos ou indicações pouco importam. O que vale é o bom motivo. A partir disso, uma multidão de pessoas pré-selecionadas são convidadas a participar de um workshop que funciona como um processo seletivo. “De 800 pessoas que fazem o teste, só umas 10 ficam”, conta Deolinda. “Lá o critério de seleção é o mais subjetivo do mundo. Conquistar a simpatia do grupo é um dos critérios mais importantes para se entrar no Soleil.” Segundo Deolina, na torre de babel da Cartoucherie, os brasileiros representam uma grande fatia de uma equipe de cerca de 80 pessoas, perdendo em número apenas para os italianos.

Subvenção e grana curta
O Théâtre du Soleil não aceita nenhum patrocínio de empresas privadas. “Ariane lembra assim ao Estado que ele tem a obrigação de investir na cultura”, aponta Deolinda. Entretanto, o Soleil tem apenas 30% de seus custos bancados pelo governo – recebendo uma subvenção de um milhão de euros por ano. Setenta por cento dos custos restantes é pago com a bilheteria dos espetáculos. “Por isso o Soleil depende do sucesso. Se uma peça não dá certo, quem assume o prejuízo são os próprios integrantes do grupo. Eles chegam a ficar sem receber o salário pleno deles, e entram numa espécie de seguro desemprego. ” Deolinda explica que, desde a fundação do grupo em 1964, todo mundo no Théâtre du Soleil recebe o mesmo salário, que é apenas 30% maior do que o salário mínimo francês.

2010-03-23T15:04:00.008-03:00

Teatro)))

Um pesadelo de violência

Em Curitiba, estreia nesta quarta-feira (24) A Língua da Montanha, peça do dramaturgo inglês Harold Pinter, encenada pelo GRUTA

Baseada na obra do dramaturgo inglês Harold Pinter (1930-2008), vencedor do prêmio Nobel de Literatura e um dos principais nomes do teatro contemporâneo, estreia nesta quarta-feira (24) a peça A Língua da Montanha, encenada pelo Grupo de Teatro Amador (GRUTA) do Colégio Estadual do Paraná (CEP). “Off Festival de Curitiba”, a montagem fica em cartaz até sábado (27), no Salão Nobre do CEP, sempre às 20 horas. A entrada é gratuita.

Sem apresentar um enredo claro – com começo, meio e fim ou personagens bem definidos –, a peça aborda questões sobre dominação e violência, mostrando, por exemplo, o tratamento dado por soldados a mulheres e prisioneiros que falam uma língua proibida: a "língua da montanha".

Um esboço dessa obra foi escrito por Pinter em 1985, logo após ele ter visitado a Turquia, onde presenciou a repressão sofrida pelos Curdos naquele país. Finalizando a peça em 1988, o dramaturgo afirmou que ela não aludia exclusivamente à situação dos Curdos, mas sim a de todos os povos que já foram ou continuavam reprimidos.

Pioneira em Curitiba, a montagem do GRUTA tem a coordenação do diretor e ator Hermisson Nogueira, que como de praxe valoriza sobretudo o trabalho corporal de seus pupilos. Truques como fumaça, projeções ou figurinos especiais são dispensados. A participação de um coral regido pelo maestro Alvaro Naldony também contribui para instaurar no Salão Nobre do CEP uma atmosfera de pesadelo.

2010-03-18T18:40:00.006-03:00

Memória)))

O guardião da história do rádio
Perfilino Neto conta a história do rádio e celebra 50 anos de carreira

Usado na Segunda Guerra Mundial (1939-1945) pelas tropas americanas, um rádio de ondas curtas Hammarlund repousa intacto na “casa- museu” do radialista e jornalista Perfilino Neto, na Ladeira do Pepino, no Engenho Velho de Brotas. Assim como o precioso aparelho, Perfilino, 69 anos, até hoje se mantém em sintonia com as ondas radiofônicas da Bahia, do Brasil e do mundo. Completando meio século de carreira, ele continua apresentando programas na Educadora FM - Memória do Rádio e Encontro com o Chorinho - e segue firme como uma espécie de guardião baiano da história do rádio.

Aliás, invento que Perfilino defende ter sido criado pelo padre brasileiro Roberto Landell de Moura (1861-1928), e não pelo italiano Marconi (1874- 1937). O lançamento do livro Memória do Rádio (R$ 40/ 240 páginas) é mais um esforço para passar a história do rádio a limpo. Nesta quinta-feira (18), às 18 horas, o autor promove uma noite de autógrafos na loja de discos Pérola Negra, no Canela, com a presença esperada de músicos amigos como Luiz Caldas, Xangai e Roberto Mendes.

Predadores
O livro é o primeiro de outros volumes que virão, narrando passagens do rádio soteropolitano e também denunciando o descaso que a memória do rádio local tem sofrido. “Demorei um ano para escrever o material. Nele, revelo como a maioria dos diretores de emissoras foi e ainda é predadora do rádio”, afirma. Ele lembra, por exemplo, como uma série de entrevistas feitas pelo respeitável historiador Cid Teixeira foi para a lata do lixo. “Imagine... entrevistas de valor histórico feitas com Jorge Amado, mãe Menininha do Gantois, Glauber Rocha e outras personalidades. Tudo jogado fora, graças a um capricho de José Wilson, o coordenador da rádio na época, que achava esse material obsoleto. No Brasil, a memória vai para o lixo.”

Acervo rico
Perfilino, desde o início da carreira, fez questão de guardar todo o material que achava importante, montando um rico acervo próprio. Pelos seus cálculos, ele tem cerca de 18 mil LPs, 14 mil CDs, seis mil compactos de vinil e três mil fitas K-7. “A chegada do homem à Lua, Juscelino Kubitschek cantando serestas, Pelé dedicando o milésimo gol às crianças, o que você quiser de música ou documento radiofônico eu tenho”, garante.

Ele conta ainda que desenvolve um trabalho contínuo de digitalização de discos raros, transformando-os em mp3 e CDs: “Uso a tecnologia de softwares como o Sound Forge em prol da memória”. Perfilino é vidrado em rádio desde pequeno, quando seu pai trouxe para casa o primeiro Philips valvulado. “Meu pai era um radiomaníaco que não dispensava nem a Voz do Brasil. Como ele, logo fiquei fascinado pelo rádio. Aos 12 anos já sabia que seria radialista.”

Imbatível
O início na profissão foi aos 19, levado por um amigo locutor à Radio Cultura, onde ficou por 43 anos. “Comecei como operador, mas aos poucos estava fazendo de tudo: locução, reportagem e edição”. Na época, exigia- se muito dos futuros radialistas. Era preciso ter cultura geral, saber escrever e ter noções de vários idiomas. Bem diferente de hoje, quando as emissoras investem pouco na formação dos profissionais e muitas apelam para programas popularescos.

O pesquisador acha que, por mais que outros veículos ganhem espaço, o rádio vai se manter imbatível. “Afinal, a TV ou outra mídia visual cobra a presença das pessoas, e o rádio não. Você pode ouvi-lo enquanto está fazendo outras coisas. Lavando louça ou dirigindo, por exemplo.” Na opinião de Perfilino Neto, o rádio também aproveita a modernidade para mudar suas ferramentas, usando o celular e a internet como aliados. Mas, em essência, continua o mesmo.

Encontros com Gonzagão e o papa
Estar em contato com uma porção de artistas e personalidades é para Perfilino Neto uma das melhores coisas de ser radialista e jornalista. “Ao longo de 50 anos de carreira, pude conhecer vários ídolos meus, como Cartola, Moreira da Silva e Jackson do Pandeiro”, lembra o radialista, que também é pesquisador da MPB.

As lendárias rainhas do rádio Emilinha Borba e Marlene também foram entrevistadas por ele: “Impressionante como elas eram simples e acessíveis, bem diferente das estrelas de agora. Os artistas de hoje são muito vaidosos e é uma tremenda dificuldade para falar com eles. Há sempre um empresário ou um segurança no meio”, afirma. Mas, de todas as personalidades, ele destaca o seu encontro com Luiz Gonzaga, em 1974, e com o papa João Paulo II, em 1980.

“Luiz Gonzaga era o ídolo da minha infância, que eu tanto ouvia em Juazeiro. E, quando o entrevistei, fiquei deslumbrado. Já no início da conversa ele começou a brincar comigo. Tirou até sarro do meu nome: ‘Oxe, Perfilino, que nome esquisito! Vou te chamar só pelo teu sobrenome Ferreira Neto’, disse”. A empolgação com o papo foi tão grande que Perfilino conversou com o rei do baião por quatro horas. “Até que ele parou e me disse: ‘Ferreira Neto, seu cabra da peste...’ Aí senti que já era hora de parar.”

Já o encontro com o papa João Paulo II quase lhe rendeu uns safanões.“Na inauguração da Igreja de Nossa Senhora dos Alagados, ao me aproximar do papa para fazer uma pergunta, um segurança de repente me ergueu pelo colarinho. A sorte é que o papa viu aquilo e intercedeu por mim. Nesse meio-tempo, ainda consegui fazer uma pergunta sobre o que ele achava da reforma agrária na América Latina.”

Serviço:
Livro: Memória do Rádio. Autor Perfilino Neto. Editora Couto Coelho. Preço R$ 40 (240 págs.)
Lançamento: Hoje, às 18 horas, na loja Pérola Negra. Rua Marechal Floriano, 28, Canela

Publicado no jornal CORREIO, em 18/03/10

2010-03-17T16:11:00.007-03:00

Artes)))
A OUTRA FACE DO PAISAGISTA
Mais conhecido por seus projetos paisagísticos, Roberto Burle Marx (1909 - 1994) também foi um artista plástico de mão cheia. Na mostra que estréia hoje, na Caixa Cultural Salvador, é possível conferir litografias, gravuras em metal e desenhos do artista

A litografia Itaituba é uma das obras da mostra O Gravador Roberto Burle Marx-Atelier Ymagos

Considerado o inventor do jardim moderno brasileiro, o arquiteto Roberto Burle Marx (1909 - 1994) ainda é mais conhecido por seu trabalho como paisagista. São de sua autoria, por exemplo, os jardins do Aterro do Flamengo, no Rio de Janeiro; do Eixo Monumental de Brasília; e do Centro Administrativo da Bahia, em Salvador. Poucos lembram, porém, como este paulistano - que passou grande parte de sua vida no Rio de Janeiro - foi um artista múltiplo, atuando também como pintor, escultor, ceramista, tapeceiro e gravador.

É esta última faceta do artista que o público poderá conferir na exposição O gravador Roberto Burle Marx - atelier Ymagos, aberta para visitação gratuita a partir de quarta-feira, na Caixa Cultural Salvador. Inédita na cidade, a mostra reúne 84 obras produzidas por Burle Marx ao longo de nove anos no atelier paulistano Ymagos. “Em São Paulo e Brasília, por onde passou anteriormente, a exposição fez bastante sucesso por mostrar um lado do Burle Marx que muitos desconheciam”, conta o curador da exposição Sérgio Pizoli.

Ele esclarece que a maioria das peças que serão vistas na Caixa Cultural até o dia abril são feitas em litografia - técnica em que o artista primeiro desenha em tons de preto sobre uma pedra porosa, e só aplica cores na hora de imprimir o desenho em papel -, mas há também gravuras em metal e desenhos em bico de pena.

Grande parte dos trabalhos são imagens abstratas, e apenas três são figurativas. “Como muitos artistas, Burle Marx começou fazendo imagens que representavam objetos ou lugares reais, mas aos poucos foi sentindo a necessidade de ultrapassar a realidade comum, avançando para o abstracionismo", explica Pizoli. Dos trabalhos figurativos, o visitantes irão encontrar apenas três litografias baseadas em paisagens florestais - “verdadeiras obras primas”, na opinião do curador.

Obra aberta
As demais obras da exposição são marcadas por um "abstracionismo lírico” - nas palavras de Pizoli -, em que formas geométricas também apresentam traços figurativos. "Na litografia Luzes da Noite, por exemplo. É uma abstração. Mas você realmente tem uma visão de uma paisagem noturna. Na verdade, o bacana desses trabalhos é que são obras abertas, e no fim cada um vai enxergar uma coisa diferente, de acordo com a sua vivência."

Pizoli ressalta ainda que há obras presentes na mostra que guardam semelhança até mesmo com projetos de jardins de Burle Marx. "É como se tivéssemos plantas baixas, isto é, visões aéreas daquelas paisagens que ele projetava."

Cores e tons
O intenso jogo de cores é outra das principais marcas da mostra. "Utilizando uma técnica difícil como a litografia, é impressionante como ele extraía uma infinidade de efeitos visuais. Quem for à exposição verá então uma grande trama de cores e tons", adianta Patrícia Motta, uma das proprietárias do atelier Ymagos, e que inclusive conviveu com Burle Marx ao longo dos anos 80.

Energia de garoto

“Burle Marx transformava o nosso atelier em uma festa”, lembra Patrícia. “Ele estava sempre cantando, era amigo de todos os impressores e trazia flores exóticas do Rio de Janeiro, só para decorar o ambiente", diz ela, que destaca ainda a inteligência e vitalidade do artista. "Na última fase da vida dele, com mais de 80 anos, ele trabalhava com a energia de um garoto. E ainda fazia expedições com os amigos, para colher plantas e levar mudas para o seu sítio no Rio de Janeiro.”

A paixão pela natureza, que se veria refletida na maioria das obras de Roberto Burle Marx, surgiu cedo na vida do artista e paisagista. Quando criança, foi com a mãe Cecília Burle, uma pernambucana de origem francesa, que Roberto aprendeu a gostar da flora brasileira, acompanhando Cecília no cultivo dos jardins de casa.

Ecologista
Durante o período em que morou com a família na Alemanha - país de origem de seu pai Wilhelm Marx -, entre 1928 e 1929, o interesse pela botânica se intensificou ainda mais. “Foi visitando um jardim botânico na Alemanha, que continha vários exemplares da vegetação brasileira, que ele se descobriu como paisagista e como pesquisador da botânica", diz Sérgio Pizoli.

Daí em diante, esta área da biologia seria alvo constante de seus estudos ao longo da vida - a ponto de Burle Marx descobrir e batizar novas espécies de plantas, como Anthurium burle-marxii e a Begonia burle-marxii.

De acordo com o curador Sérgio Pizoli, graças à paixão pela natureza, Burle Marx se colocou como um dos primeiros artistas brasileiros a levantar sua voz e erigir uma obra contra a devastação do meio ambiente. "Onde está o homem está a destruição", chegou a escrever ele em uma carta de protesto contra a devastação da Amazônia em 1983.

A força exuberante do "verde" propagada por Burle Marx em seus projetos viraria até motivo de brincadeiras do escritor Nelson Rodrigues, que reclamava do "verde obsessivo, apavorante, alucinatório", do paisagista. "Os jardins de Burle Marx não têm flores. Têm grama e não flores. Mas, para que grama, se não somos cabras?", galhofava Nelson.

Modernismo
Ao lado de arquitetos como Lúcio Costa (1902-1998) e Oscar Niemeyer (foi amigo de ambos, e inclusive estudou com Niemeyer na Escola Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro), Roberto Burle Marx também esteve à frente da arquitetura moderna no país.

Dentre seus principais feitos, criou o primeiro Parque Ecológico do Recife (em 1937), assim como foi responsável pelo projeto paisagístico do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1955) e do jardim do Aeroporto da Pampulha, em Belo Horizonte (1953).

PROJETOS DE BURLE MARX EM SALVADOR

Projeto da praça Terreiro de Jesus, no Centro Histórico

Também em Salvador, Roberto Burle Marx desenvolveu diversos projetos paisagísticos entre as décadas de 50 e 80. Dentre os mais importantes estão o projeto da praça Terreiro de Jesus, diante da Catedral Basílica, no Centro Histórico, e os jardins do Centro Administrativo e da avenida Luís Viana Filho, mais conhecida como Paralela.

Quem informa é o arquiteto Haruyoshi Ono, que trabalhou com Burle Marx por quase 30 anos. Ono diz que o escritório do paisagista também desenvolveu projetos para condomínios e hotéis da cidade, a exemplo do Othon Palace. Ele lamenta, porém, que a maioria dos projetos criados por Burle Marx esteja descaracterizada. "As estruturas dos espaços muitas vezes até permanecem, mas a vegetação original normalmente é alterada." Segundo Ono, a situação se repete em muitas outras cidades. "Até mesmo no Rio, onde Burle Marx passou a maior parte da vida, os projetos originais dele não são respeitados."

Publicado no jornal CORREIO em 16/03/10

2010-03-11T09:06:00.012-03:00

Poesia)))
Geraldo Pereira, o "poeta pescador",
lança livros na capital baiana

Passando uma semana de férias em Salvador, o poeta Geraldo Pereira aproveita para lançar na capital baiana dois livros: o infantil A Formiguinha Ledora, e a coletânea de poemas em homenagem a poetas goianos intitulada Pescando Versos Graúdos em Terras Goianas. O lançamento acontece nessa quinta-feira (11), às 15 horas, na biblioteca central da Universidade Federal da Bahia (Ufba), em Ondina.

Para quem não conhece este autor nascido em Correntina, na Bahia, e radicado em Goiânia, vale dizer que os nomes dos livros lançados já dizem muito sobre a sua temática dominante. A metalinguagem e a intertextualidade são marcas constantes de Pereira, que se posiciona, em seus versos livres, como um "pescador de poetas e poemas".

2010-03-07T23:39:00.011-03:00

Luiz Caldas)))
Deboches e fricotes do lado de fora do TCA

Na manhã de domingo, faltaram poltronas no Teatro Castro Alves para acomodar toda a legião de fãs de Luiz Caldas. Tietes que ficaram de fora do show protestaram com bom humor

Enquanto do lado de dentro do Teatro Castro Alves (TCA) o músico Luiz Caldas mostrava a sua versatilidade, no show “Toda Música de Luiz Caldas”, mesclando música erudita, rock e axé, do lado de fora do teatro o público que não conseguiu entrar no recinto mostrava toda a sua indignação.

Por volta das 10h30 de domingo, com o fim dos ingressos (que custavam R$ 1, dentro do projeto Domingo no TCA), os portões do teatro foram fechados – meia hora antes de o show começar. “Eu vou quebrar a cara do sujeito que trabalha aí e que disse que ainda haveria ingresso às dez horas”, bradava, diante do portão, um homem exaltado, que tentava negociar com uma atendente a sua entrada no teatro. “Vim aqui às 9 horas e não me deixaram pegar o ingresso e voltar para casa para tomar um banho. E agora quando eu volto não tem mais como comprar”, explicava. Segundo os atendentes do TCA, a prática de só vender ingressos para quem permanece dentro do teatro é adotada para impedir a ação de cambistas.

Bem menos raivosas, mas ainda sim bastante decepcionadas, estavam as irmãs Evanildes e Maria da Graça Silva. “Estamos frustradas. Foi meia hora de carro para chegar aqui e nada”, conta a pedagoga aposentada Maria da Graça, 60 anos. “Eu, minha irmã e minhas amigas somos todas fã antigas, do tempo de dançar o ti, ti, ti [diz ela, fazendo os passos de dança]. E do tempo em que o Luiz não gostava de andar de sapato”, lembra a enfermeira aposentada, Evanildes, 64. “Agora ele só anda calçado. Coitado, também ficou velho, juntou calo, não aguenta mais as agruras do solo”, brinca a enfermeira. “Se bem que, para a idade, ele ainda está bem sexy. Ainda dá algum caldo”, opina Maria da Graça.

Corpo a corpo com os seguranças
“Pega ela aí... Pra quê? Pra passar batom... Que cor?...” Na entrada lateral do TCA, batendo palmas, cantando e dançando, outras fãs tentavam persuadir os seguranças, para que eles liberassem a entrada. Na linha de frente, puxando o protesto, as “luiz caldetes” Margareth Lunna e Maria Lúcia se destacavam literalmente no maior “deboche” (nome como também era conhecido o estilo de música de Caldas). “Olha, sou empresária da costura, poderosa, estou solteira... Deixa eu entrar, segurança!”, dizia Maria, de 59 anos, que chegou ao TCA após as 10h30. “E pensar que fui vizinha do Luiz, em Vitória da Conquista. Meu irmão José Bonfim era amigão dele, e eu não posso ver o show”, contava ela, triste.

“Eu bem que poderia dar um carteiraço para entrar aqui, mas preferi apenas protestar”, disse a artista plástica Margareth, de 46 anos, indignada. “Poxa, sou artista reconhecida na Itália, meu ex-marido já tocou percussão com o Luiz, e eu ainda vim vestida especialmente para o show!”, argumentava, mostrando a sua saia “fricote”, tirada do fundo do baú. “Essa saia eu usava nos antigos shows dele. Deve ter uns 24 anos. E veja só, ainda cabe direitinho!”, contava, requebrando em frente ao TCA.

Meia hora depois de o show ter começado, os gritos de “Luiz Caldas, cadê você, eu vim aqui só pra te ver”, emitidos por Margareth e demais fãs ainda ecoavam perdidos pelo Campo Grande. Mas em vão. A organização do TCA se manteve irredutível em sua resolução de não colocar nenhuma pessoa no teatro além do número de poltronas disponíveis.

Já quem chegou cedo e pôde conferir o artista não teve do que reclamar. “Showzaço”, “maravilhoso” e “muito bom” foram alguns dos adjetivos ouvidos pela reportagem sobre a apresentação.

***

Luiz Caldas, meu parente

Em Curitiba, já perdi a conta das vezes em que ouvi esta pergunta: “E esse sobrenome Caldas? Você é parente do Luiz Caldas? Aquele da Tieta... que dançava descalço...?” Mesmo duvidando muito dessa possibilidade, sempre gostei de responder com um absoluto “sim”. Ainda mais que meu bisavô Aristides Caldas era baiano...

Pois bem. Para acabar de vez com esse dilema, levei a questão à pessoa certa. No fim do show de Luiz Caldas, lá estou eu, no camarim do Teatro Castro Alves, aguardando a minha vez para trocar uma ideia com ele. O acesso ao camarim, vale dizer, foi graças à Margareth Lunna, que literalmente me empurrou para dentro do teatro ao fim da apresentação, e graças à compositora Juliana Ribeiro, que conhece o Luiz e também estava por lá.

Depois de uns vinte minutos de espera, chega a hora de eu conhecer pessoalmente o “pai da axé music”, que daquele visual antigo, de quando cantava “Tieta” ou “Fricote” nos anos 80, hoje, não carregada quase nada. Com um piercing no nariz, e todo vestido de preto – do all star, passando pela calça jeans, a camiseta e as unhas – o estilo de Luiz é o de um roqueiro moderno. E é esse sujeito completamente repaginado que me recebe com um caloroso aperto de mão.

Em poucos minutos então resumo para ele o meu dilema: “Sou jornalista, de Curitiba, e lá todo mundo me pergunta se somos parentes. O que você acha?” Ao que ele responde, rindo: “Ora, quem sabe? O ramo da família é muito grande. Por que não?”, diz Luiz, que depois pacientemente ainda dá um autógrafo ao “Franco Caldas, amigo e parente!” – palavras dele.

Publicado no Jornal TiraGosto em 09/03/10

2010-02-28T23:58:00.051-03:00

Especial)))
W.Rio Apa
85 anos, em plena atividade
O escritor Wilson Rio Apa, aos 85 anos, continua na companhia do mar e das letras, duas de suas maiores paixões. O ex-guru de Cristovão Tezza trabalha agora em um ensaio sobre os mitos culturais

Aos 85 anos, completos no dia 5 de fevereiro, o homem que colocou o litoral paranaense no mapa da literatura universal continua escrevendo. Diariamente em sua casa, na praia da Pinheira, em Florianópolis, o escritor Wilson Rio Apa se dedica a compor novas páginas de um livro de ensaios intitulado Mitos Culturais. “Nesse livro eu desvendo o cérebro, o imaginário e o próprio eu. Tanto que o livro ia se chamar inicialmente: ‘Eu? Eu quem?’ ”, explicou Rio Apa, em uma entrevista concedida a este repórter por telefone, no finalzinho de 2009.

Concluindo que o primeiro nome do livro não era dos melhores, Rio Apa resolveu então batizá-lo de Mitos Culturais, visto que nessa obra ele também fala sobre as funções da mitologia para a humanidade. Nietszche, Schoppenhauer, Jung e Eduard Osborne são alguns autores que Apa utilizou como referência para o desenvolvimento de seu ensaio. “Provavelmente vai ser o meu último livro”, anuncia ele, que já escreveu mais de 30 obras, entre romances, contos, peças de teatro e ensaios.

No momento, o escritor também procura uma editora para publicar o trabalho. E não precisa ser das grandes, diz Rio Apa. Basta que a edição fique boa e que a capa e o projeto gráfico fiquem a cargo do pintor e amigo Cláudio Kambé. “A preocupação de ser editado por editoras grandes já passou faz tempo”, lembra ele, que já foi editado pela José Olympio e pela Brasiliense. “As grandes queriam que eu me curvasse à vontade delas, queriam que eu fizesse literatura infantil. Além disso, o autor para elas precisa estar em evidencia, na mídia, para ser visto e lembrado, e eu nunca estive disposto a isso.”

A gênese de um escritor mítico
O homem que passou a maior parte da sua vida próximo ao mar, em meio a pescadores e gente simples, nasceu longe da água salgada, na capital São Paulo, vindo de uma família abastada e tradicional, que depois se instalaria em Curitiba. “Meu pais eram burgueses e mal me topavam. Mas é verdade que me ajudaram economicamente”, conta ele hoje. Se dependesse dos desígnios do pai, o desembargador Arthur Galvão do Rio Apa (que por sua vez descendia do Barão do Rio Apa, ministro de guerra no governo de Floriano Peixoto), o escritor manteria um vida burguesa padrão, assumindo também uma carreira jurídica.

Por algum tempo, o escritor até tentou agradar a família nesse sentido, bacharelando-se em direito, em 1949, pela Universidade Federal do Paraná. Mas, depois de formado, decidiu fazer o que realmente queria: correr o mundo como marinheiro. Wilson Rio Apa passaria então dois anos seguindo rotas do oriente e do ocidente a bordo de um navio. Na volta ao Brasil, retomou uma carreira jornalística já iniciada nos tempos de estudante. Nessa época, porém, seus textos se transformaram em relatos de experiências no mar, que prosseguiram pela costa brasileira, em embarcações capitaneadas pelo próprio escritor.

As aventuras seriam muitas, dignas de um Joseph Conrad. Rio Apa chegou a ficar um mês sozinho em uma ilha deserta no litoral do Paraná, vivência que seria transposta em uma série de textos sob o título de Experiências com a Solidão. Mais tarde continuaria navegando e passando temporadas em ilhas como a dos Jererês, e a ilha das Cobras. Uma de suas experiências mais intensas foi o naufrágio de seu barco em Abrolhos, o que quase lhe custou a vida.

Na sequência, Rio Apa se tornaria líder, tanto de uma cooperativa de pescadores e agricultores, como de uma comunidade artística em Antonina. Como teatrólogo, no final dos anos 60, passa a organizar uma série de peças em Curitiba e no litoral, a exemplo das montagens de o Templo das 7 Confissões, As Fúrias, e da Paixão segundo todos os homens, a qual foi encenada primeiramente em Alexandra, município vizinho a Paranaguá, e depois e em Florianópolis.

Paralelamente, nesse período Apa começa a escrever algumas de suas principais obras: o livro de contos No Mar das Vítimas, e o primeiro volume de uma tetralogia ficcional, intitulada Os Vivos e os Mortos. Nessas obras, o escritor produziu literatura da melhor qualidade, utilizando como base todo o universo do povo caiçara, algo sem precedentes na história da literatura paranaense.

Já no fim da década de 70, Apa se muda para Florianópolis. Desde então, muitos de seus pensamentos ganham a forma de ensaios, assim como ele também passa a editar contos em formato de jornal. Por volta do ano 2000, torna-se editor de um fanzine anarquista chamado Clã-destino, recebendo colaborações de jovens de todo o Brasil. Apa seguiu viajando pelo país em contato com comunidades alternativas - em eventos do Enca (Encontro Nacional das Comunidades Alternativas) - até alguns anos atrás. Mas parou com as viagens, segundo ele, um tanto desiludido com o que andava encontrando. “Pensei que essa juventude estaria mais adequada aos tempos atuais. Buscar a natureza é algo válido, mas ficar nisso não basta. Para transformar a sociedade é preciso ir além, e isso não estava acontecendo.” Agora, Apa confessa que anda mais caseiro, passando seus dias a caminhar pela Pinheira, entretido com cachorros e sabiás, e escrevendo.

*
Por que W. Rio Apa é importante, na opinião do professor de literatura brasileira da Universidade Federal do Paraná Édison Costa.

Francofonia - O que você destaca na produção literária de Wilson Rio Apa?
Édison Costa - O grande trabalho dele na área da ficção foi a tetralogia Os vivos e os mortos. Rio Apa desenvolve nesses quatro volumes uma narrativa fundadora: a saga mítica da luta do povo pela vida em terras do litoral paranaense. Os episódios e os personagens compõem um universo de experiências despojado mas vital, autenticamente popular. O tempo se estende desde o momento inicial de perfeita e completa integração à natureza até os anúncios cada vez mas insistentes de agressão ao meio ambiente chegados do exterior. Muito antes da atual onda de movimentos ecológicos Rio Apa estava atento para a importância desse tema.

Qual é o lugar de Os Vivos e os Mortos no quadro da literatura brasileira?
Rio Apa desenvolve a história de uma comunidade ainda não contaminada pela arficialidade da vida moderna. Retoma em espaço paranaense mitos universais recorrentes, por exemplo, na tradição judaico-cristã. Seu narrador é voz que soa, em ritmo e visão de mundo, como a do ancião que guarda a memória do passado na comunidade primitiva. É possível então aproximar Os vivos e os mortos de narrativas fundadoras como a Odisséia e Antigo Testamento. Seu livro propõe-se como narrativa de fundação em espaço e tempo paranaenses.

Qual é a importância da obra de Rio Apa?
O envolvimento ficcional com os povoadores primitivos do litoral paranaense e a ousada experiência que Rio Apa realiza no plano da linguagem definem uma visão de arte que, pelo menos neste Estado, nenhum outro autor parece ter abraçado posteriormente. Ele inscreve sua narrativa em território literário afim ao de Macunaíma e Viva o povo brasileiro, pois a reflexão que desenvolve sobre os fundamentos vitais da experiência humana não é estranha, em última análise, à reflexão sobre a identidade cultural brasileira presente nos livros de Mário de Andrade e João Ubaldo Ribeiro. De outro lado, em tempos de aquecimento global e de artificialização do viver, sua leitura faz-se cada vez mais indispensável.

Por que hoje em dia ele é um autor pouco conhecido?
Possivelmente porque nunca foi de seu interesse escrever best-sellers ou entrar para academias de letras. Entregando-se apaixonadamente ao seu projeto de criação literária e teatral, atraiu de imediato, porém, a atenção e o respeito do que havia de mais vivo e palpitante entre os jovens dos anos 70 e 80 do século passado, que dele também recebiam, reciprocamente, respeito e atenção.

*

TEATRÓLOGO SINGULAR

A professora de literatura da UFPR e estudiosa do teatro Marta Morais da Costa também destaca a relevância da obra de Wilson Rio Apa para as artes cênicas. Marta é autora do livro O teatro de Wilson Rio Apa, em que analisa todas as peças de Apa produzidas nos anos 60 e 70. Escrita no fim dos anos 80, a obra permanece inédita, mas Marta afirma que pretende publicá-la no futuro.

Segundo a professora, Apa desenvolveu um teatro completamente diferente do que era feito na maior parte do país nos anos 60. “Enquanto a maioria dos artistas fazia um teatro realista ou político, ele explorava mais o lado simbólico, mítico e existencial, tentando esclarecer o papel do homem no universo.” A professora vê pontos de contato entre a obra de Rio Apa e autores como Eugène Ionesco e Jean Paul Sartre.

O fato de trabalhar com mitos e arquétipos e de propor encenações que estivessem muito próximas do público, fazendo peças em espaços alternativos, também aproxima Rio Apa de teatrólogos como Jerzy Grotowski e Eugênio Barba, diz Marta. “Nas suas montagens ao ar livre de A paixão segundo todos os homens ele movimentava toda uma comunidade. Era algo impressionante”, afirma ela, que esteve presente em algumas das encenações.

2010-02-28T23:58:00.050-03:00

Na labuta do Verão

Algumas das reportagens mais divertidas de fazer, durante a cobertura da temporada de verão, no litoral paranaense, pela Gazeta do Povo:

Uma matéria sobre cotidiano repleto de surpresas dos pescadores de Matinhos. Conheça a história dos primos que ficaram 24 horas boiando no mar, descubra como pescador também é bacharel e confira as belas fotos do Daniel Castellano feitas ao raiar da alvorada
http://www.gazetadopovo.com.br/verao/lazereaventura/conteudo.phtml?tl=1&id=975512&tit=Um-verdadeiro-mar-de-historias

Em busca do uísque caiçara. Na Barra do Arapira, fui com o fotógrafo Antônio Costa "Socó" ver onde é que nasce a Cataia, planta que transforma pinga em johnny walker...
http://www.gazetadopovo.com.br/verao/conteudo.phtml?id=968950

Tradição, prosa e peixe fresco: um retrato sobre os mercados de peixe do litoral
http://www.gazetadopovo.com.br/verao/conteudo.phtml?id=961836

Lange de Morretes: um perfil sobre esse artista e cientista fantástico, que adorava caracóis, conversava com árvores e que chegou a descobrir (ou inventar) uma fórmula ideal para se desenhar um pinhão
http://www.gazetadopovo.com.br/verao/conteudo.phtml?id=975593

"Engenho de dentro, quem não saltar agora, só, no próximo baile em Realengo..." Saltei de banda num show do Jorge Ben Jor, descolando resenhas e um autógrafo para a Chiquita
http://www.gazetadopovo.com.br/blog/curtindooverao/?id=958714
http://www.gazetadopovo.com.br/blog/blogdoverao/?id=958737

Dando um tempo na muvuca, o fotógrafo Jonathan Campos e eu fomos conferir três praias secretas no Litoral do Paraná
http://www.gazetadopovo.com.br/verao/lazereaventura/conteudo.phtml?id=961722

Saiba como foi a vitória das Sa-fadas, no concurso das escandalosas em Antonina
http://www.gazetadopovo.com.br/verao/conteudo.phtml?id=974256

2009-12-04T12:46:00.009-02:00

CULTURA
Nova edição da Cartaz está nas bancas

Com uma bela e extensa reportagem de capa sobre Cristovão Tezza, finalmente saiu a nova revista Cartaz (R$ 9, 90), uma publicação de cultura muito bacana, editada em Florianópolis e que reúne colaboradores do Brasil todo.

Nesta edição n. 30, fui um desses colaboradores, com uma reportagem sobre o Mordida.

Quem quiser adquirir a revista pelo correio pode entrar em contato com a editora Empreendedor.

A seguir, o texto sobre o Mordida, uma das melhores bandas de rock do país.

Uma montanha-russa chamada Mordida
Banda curitibana Mordida faz um rock criativo e empolgante. Na ativa desde 2003 e com seis EPs lançados, grupo prepara agora o seu primeiro long play

Por Franco Caldas Fuchs – Curitiba

Se o rock fosse um parque de diversões, enquanto algumas bandas seriam monótonos carrosséis ou rodas-gigantes, a banda curitibana Mordida seria uma montanha-russa, por conta dos percursos inusitados que trilha e pela força do seu som.

Tirando por base canções como “Sofá Psicobélico”, “Pro Inferno Ninguém” e “Tapete Molhado”, é possível dizer que um passeio típico “de Mordida” se inicia com uma bateria vigorosa e acelerada, somada a riffs instigantes de guitarra, acompanhada de teclado. À medida que avança, letras imprevisíveis, bem humoradas e cantadas em português vão surgindo, assim como insuspeitos mergulhos instrumentais. Uma viagem dessas dura em média três minutos, tempo suficiente para deixar o público dançando, cantando e pedindo bis.

Formado por Paulo Hde Nadal no vocal e guitarra, Ivan Rodrigues na bateria, Marcelo Stammer no baixo* e mais artistas convidados que assumem guitarras e teclados adicionais, o Mordida faz um dos shows mais afiados e empolgantes de Curitiba, atraindo um número crescente de fãs a cada apresentação.

(*Até o fechamento da edição da revista - maio de 2009! - a formação da banda era essa. Hoje mudou um pouco.)

O cara e a cara do Mordida
O conceito e as composições partem dele: Paulo Hde Nadal, o frontman do Mordida que, com um estilão new wave à la Evandro Mesquita, dá o tom descontraído da banda. Fora do palco, porém, Paulo revela-se um sujeito contido e nada falastrão. Pelo menos assim estava, quando falou à revista Cartaz sobre a sua trajetória até a criação do Mordida.
Porto-alegrense nascido em 1974, Nadal passou a adolescência em Chapecó, onde tocou por um bom tempo com a lendária banda Repolho, fundada pelos irmãos Panarotto. “Foi o primeiro grupo que eu participei, que teve uma continuidade e uma proposta”, diz ele. “Era uma banda divertida e ultraperformática. Tocávamos fantasiados de coisas absurdas.”

Em 1993, feito um “kamikaze em busca de aventura”, como canta na música “Garotos do Interior” (presente no Trama Singles, do Mordida), Paulo foi pela primeira vez a Curitiba. Na capital paranaense, com os amigos Marcelo e Eric, logo formou a Emílio & Mauro, uma banda de estilo brega/jovem guarda.
Incompreendida na época e extinta em menos de um ano, a banda se revelaria “cult” tempos depois – em 2008, grupos como Graforréia Xilarmônica, Osmarmotta, The Feitos e o próprio Mordida gravaram um tributo a Emílio & Mauro, lançado pelo site brasiliense Senhor F.

Após mais uma volta a Chapecó, Nadal se mudaria definitivamente para Curitiba em 1999, dando seqüência a um curso de Artes Visuais na Faculdade de Artes do Paraná, e montando, com o parceiro Pedro Solak, uma banda experimental chamada Badulaque, muito influenciada pelo som de Tom Zé.

Sem rumo definido, mas com trabalho pela frente
Em 2003, já encerrado o Badulaque (que apesar da curta duração, entrou em uma coletânea promovida pelo Instituto Itaú Cultural em 2001), Paulo fundou o Mordida, estimulado pelo amigo Assanga José, que queria montar uma banda de rock. Daí em diante, diversos músicos entraram e saíram do grupo, mas Nadal se manteve sempre na dianteira do projeto.

Com seis EPs no currículo, sendo os dois últimos – Eu Amo Vc (2008) e Trama Singles (2008) – gravados de forma completamente caseira (low-fi, mas caprichados, vale destacar), Paulo agora se dedica às composições do primeiro long play do Mordida, trabalhando em cima desse material com os parceiros Ivan Rodrigues e Marcelo Stammer.
Sobre o novo disco, que deve ser lançado até o fim do ano, Paulo prefere não entrar em detalhes, mas garante que “novas sonoridades serão incorporadas”, o que de praxe se observa a cada álbum do grupo. Questionado se considera necessário ou não migrar com a banda para São Paulo, a fim de obter uma exposição nacional maior, Paulo não descarta a possibilidade, mas diz que não é preciso idealizar um caminho como esse. “Sou entusiasta da internet, um meio democrático que nos dá voz e nos permite levar a nossa música a várias pessoas, independente de estarmos ali ou acolá.”

Para Nadal, importante é que o Mordida continue tocando e consolidando o seu espaço. “Quem busca desenvolver uma carreira sabe que o único caminho para isso é trabalhando muito. E trabalho nós temos.” De resto, é “seguir a trilha sem rumo de um infinito universo paralelo”, diz ele, citando uma frase do músico e chapa porto-alegrense Marcelo Birck.

Discografia

Mordida (2005)
Ao Vivo na Grande Garagem que Grava (2005)
Tokyo (2007)
Festa Jovem (2007)
Eu Amo Vc (2008)
Trama Singles (2008)

Ouça músicas e assista a clipes do Mordida

www.mordida.art.br www.tramavirtual.com.br/mordida www.myspace.com/mordidarock

*
Tão só no carango o moço bom
No dinossauro móvel com a fama de mau
Dirige firme o papo em disparada
De mansinho ele manda pro inferno
De mansinho ele manda pro inferno
Pro inferno
Trecho de Pro Inferno Ninguém
*
Me perco na sua mente colorida
Que me amarra por ondas cerebrais
Eu fico tingindo as minhas roupas
Já que eu não posso tingir o meu astral
Trecho de Sofá Psicobélico
*
Meia de nylon
Tapete molhado
Foge da felicidade
O amor é porra louca
Agora em cápsula
O amor não acabou
Trecho de Tapete Molhado

2009-11-29T21:27:00.032-02:00

Teatro
Língua da Montanha poderá ser ouvida novamente
Em 2010, Grupo de Teatro Amador (Gruta) do Colégio Estadual do Paraná pretende dar sequência à montagem de Língua da Montanha. Escrita pelo dramaturgo inglês Harold Pinter (1930-2008), a peça foi encenada pela primeira vez em Curitiba no início de novembro

Acabo de bater um papo com o diretor de teatro Hermison Nogueira e ele me diz que tem planos de continuar apresentando a Língua da Montanha (Mountain Language, 1988), de Harold Pinter, em alguns eventos e festivais no ano que vem.

Sorte do público se isso acontecer. Apresentada bem na semana do apagão, no início do mês (de 9 a 13 de novembro), em cinco sessões concorridas no salão nobre do Colégio Estadual do Paraná, essa ótima montagem foi vista, praticamente, apenas pelos alunos e a comunidade do colégio.

Caso seja apresentada mais vezes, a peça fugirá um pouco da triste sina que acompanha os trabalhos do Grupo de Teatro Amador (Gruta) do Colégio Estadual, coordenados por Nogueira desde 2006.

Todo início de ano o diretor pega um punhado de jovens inexperientes, mas cheios de vontade, e os transforma em verdadeiros atores, que dão um banho em vários profissionais por aí. O único porém é que, após desenvolver um treinamento de até nove meses – adotando preceitos e técnicas de mestres como Jerzy Grotowski, Eugênio Barba, Kazuo Ohno, Luis Otávio Burnier e Denise Stoklos –, Nogueira enfrenta uma grande dificuldade para promover um número amplo de apresentações e para manter o Gruta unido.

Como o grupo é amador, faltam verbas para locar espaços fora do colégio e é difícil conciliar o tempo dos atores, que são adolescentes em fase de transição. Logo após as apresentações de fim ano, muitos deixam o Gruta para estudar para o vestibular (alguns depois acabam indo para a Faculdade de Artes do Paraná) ou seguem outros caminhos.

Por tudo isso, a cada ano, Hermison precisa formar um grupo novo, e é impressionante como, apesar das mudanças de elenco, o alto nível das montagens se mantém, desde Aurora da Minha Vida (2007), de Naum Alves de Souza, passando por Atentados (2008), de Martin Crimp, e agora Língua da Montanha. (Se não comento sobre Aquele que diz sim e aquele que diz não, de Bertolt Brecht, montado pelo Gruta em 2006, é porque não a assisti à peça.)

Um pesadelo de violência.
Real, universal e atemporal

Em qualquer época e lugar do mundo, por quaisquer motivos, um grupo humano tenta subjugar outro. E dominar a cultura alheia, principalmente calando a sua língua, é uma das principais formas de exercer esse poder de dominação.

Dessa violência trata a peça de Harold Pinter, que mostra o brutal tratamento dado por soldados a mulheres e prisioneiros que falam uma língua proibida, a Língua da Montanha.

Um esboço da obra começou a ser escrito por Pinter em 1985, logo após ele ter visitado a Turquia, onde presenciou a repressão sofrida pelos Curdos naquele país. Finalizando a peça em 1988, Pinter afirmou que ela não aludia exclusivamente à situação dos Curdos, mas sim a de todos os povos que já foram ou continuavam sendo reprimidos.

Prevista pelo autor para ter uma duração de 25 minutos, aproximadamente, na montagem do Gruta a peça se expandiu para cerca de uma hora, decisão coerente com a habitual proposta do grupo de ir muito além das rubricas do texto.

E só dispondo de mais tempo para dar conta de toda uma movimentação complexa dos oito atores em cena. Fugindo de interpretações naturalistas, eles exploravam ao máximo os momentos de silêncio, as pausas e as transformações corporais, muita vezes em um ritmo extremamente lento. "O sofrimento é lento. E parte dessa lentidão tem a ver com algumas coisas que pesquisamos do Butoh", me disse Hermison.

A interação com mais de 20 membros do coral do Colégio Estadual e da Universidade Federal do Paraná, responsáveis por toda a trilha sonora da peça, também exigiu mais tempo. Detalhe importante: as músicas foram compostas especialmente pelo maestro Alvaro Naldony, em uma “língua da montanha” criada por ele.

Combinando um texto de muitas qualidades (apesar de não ser genial, a dramaturgia mexe, provoca e deixa o espectador encucado), com uma encenação ousada, liberta de clichês e truques (nada de fumaça, projeções, iluminação ou figurinos especiais...), o Gruta conseguiu, mais uma vez, despertar a atenção de sua crítica platéia no Colégio Estadual. Transformar, a cada noite, cerca de 100 adolescentes anárquicos e inquietos em espectadores silenciosos e perplexos é coisa de profissional. Mais gente precisa ver isso.

2009-11-23T12:35:00.012-02:00

Uma seleta de Economia

Eis aqui uma seleção de matérias, do período em que estive na editoria de Economia da Gazeta do Povo:

Sobre os desafios da produção de móveis artesanais em Campo Magro
http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/economia/conteudo.phtml?tl=1&id=939775&tit=Polo-moveleiro-a-espera-de-fortalecimento

Sobre a Harmônicas Hering, fábrica blumenauense de gaitas de boca
http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/economia/conteudo.phtml?tl=1&id=935062&tit=Notas-musicais-revividas

Sobre a expansão dos cursos tecnológicos
http://www.gazetadopovo.com.br/posgraduacao/conteudo.phtml?id=918252

Sobre pequenos empreendedores que iniciaram seus negócios com o auxílio da Central Fácil, do Sebrae
http://www.gazetadopovo.com.br/economia/conteudo.phtml?id=937699

Sobre o aumento do IPI cobrado na compra de automóveis, em novembro de 2009
http://www.gazetadopovo.com.br/economia/conteudo.phtml?tl=1&id=939808&tit=IPI-sobe-mais-um-degrau

Sobre como as dívidas vão sugar o 13 salário dos brasileiros
http://www.gazetadopovo.com.br/economia/conteudo.phtml?tl=1&id=942965&tit=Dividas-vao-sugar-13-salario

Sobre como a China mistura papéis de parceiro e vilão com o Brasil
http://www.gazetadopovo.com.br/economia/conteudo.phtml?tl=1&id=946840&tit=China-mistura-papeis-de-parceiro-e-vilao

2009-09-28T03:21:00.009-03:00

A MENSAGEM NA GARRAFA
Foto: Bo Stridsberg

Conheça a história do engenheiro florestal sueco que, com seus “toka trekkos” (mini estufas confecionadas com garrafas PET), desperta a atenção dos curitibanos para a ecologia.

O perfil de Bo Stridsberg foi publicado na Gazeta do Povo e republicado nos jornais O Globo Online e Extra Online:

http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/vidaecidadania/conteudo.phtml?id=926933

http://oglobo.globo.com/cidades/mat/2009/09/23/engenheiro-florestal-ensina-pelas-ruas-de-curitiba-como-reduzir-poluicao-dentro-de-casa-767735153.asp

http://extra.globo.com/pais/materias/2009/09/23/engenheiro-florestal-ensina-pelas-ruas-de-curitiba-como-reduzir-poluicao-dentro-de-casa-767735162.asp

2009-09-28T02:53:00.010-03:00

Vale-tudo)))

Leia a entrevista com o lutador de vale-tudo Wanderlei Silva. Em agosto, a Gazeta do Povo publicou em primeira mão a notícia de que ele esteve em Curitiba, fazendo uma cirurgia de reconstrução do nariz: http://www.gazetadopovo.com.br/esportes/conteudo.phtml?id=913617

A ilustração acima é do grande Benett.

http://www.gazetadopovo.com.br/blog/salmonelas/
http://blogdobenett.blog.uol.com.br/

***

Especial)))
A MAÇONARIA DO APITO
Foto: Assessoria de Imprensa FPF

Vida de árbitro de futebol não é fácil, mas tem suas recompensas. Reunidos em um evento em Curitiba, juízes iniciantes e do quadro da Fifa revelaram os principais desafios e prazeres da carreira

Curitiba virou a capital da arbitragem de futebol entre os dias 12 e 14 de agosto, ao sediar, pela primeira vez, fora do eixo Rio - São Paulo, testes da Fifa para juízes e um curso de aprimoramento promovido pela CBF.

Se fosse com a outra “seleção” seria diferente, mas como não era a dos que jogam bola, e sim a dos que apitam o jogo, não houve furdunço de fãs e jornalistas diante do hotel em que se hospedaram os melhores árbitros do Brasil.
A maçonaria do apito ficou ainda mais completa no dia 14, quando houve também a abertura solene do Curso de Árbitros Profissionais da Federação Paranaense de Futebol (FPF). Assim, jovens árbitros iniciantes que fazem esse curso em Curitiba estiveram lado a lado de árbitros tarimbados.

Diante de quase 100 juízes reunidos no Hotel Master Express, este repórter aproveitou para fazer algumas investigações. Do tipo: o que leva esses indivíduos a enfrentar a fúria das torcidas e os demais percalços da carreira, que nem sequer é reconhecida oficialmente como profissão? Qual seria o grande prazer de se apitar um jogo? E é possível alguém nascer querendo ser árbitro?

Foto: Franco Fuchs

Jovens árbitros, alunos do curso da FPF.

O DESPERTAR DA VOCAÇÃO
Pelos relatos ouvidos, são poucos os que sonham em ser árbitros desde criancinha, tal como a Jassiara Simões, 23 anos, que faz o curso da FPF. No caso dela, como o pai é árbitro, ela conta que o acompanhava nos jogos desde os dois anos de idade, e achava tudo aquilo o máximo. Com o tempo, o interesse pela carreira só aumentou e aos 18 ela já apitava no futebol amador. Hoje seu maior sonho é ingressar na CBF e, quem sabe um dia, fazer parte da Fifa, feito conquistado pela árbitra Maria Eliza Correia, que também circulava pelo hotel.

De resto, a maioria descobre a vocação só ao longo do tempo. Muitos foram “projetos” de jogadores de futebol, que depois perceberam na arbitragem uma forma de finalmente serem bem sucedidos entre as quatro linhas, tal como relatam Carlos Eugênio Simon (“joguei bola até meus 19 anos”) e Roberto Braatz (“fui zagueiro até os 26”), ambos da Fifa.

Há ainda outras situações, como a de Evandro Rogério Roman, também da Fifa, que revela nunca ter tido a ilusão de ser jogador e nem pensava em ser árbitro quando jovem. De início, ele queria conhecer as regras de futebol a fundo para ir bem no seu curso de educação física - hoje ele é doutor na área, pela Unicamp. Mas após fazer cursos, apitar e passar em um teste para árbitro da CBF em 1995, resolveu apostar na carreira. “Sinto que a vida me levou nessa direção e eu abracei isso”, diz Roman.

PAIXÃO PELO FUTEBOL
Os motivos que levam as pessoas à arbitragem variam. Por outro lado não muda muito o perfil psicológico desses indivíduos, que normalmente têm características em comum. O espírito de liderança é uma delas. O árbitro é aquele que organizava os jogos da gurizada no bairro (feito o Rafael Vieira Martins, que faz o curso da FPF) ou era representante de turma na escola (o caso de Paulo César Oliveira, da Fifa).

O apreço pela disciplina é outro sinal marcante e não é à toa que existem árbitros ligados ao Exército (como o Marcos Souza, do curso da FPF) ou à Polícia (a exemplo de Djalma Beltrami, da CBF, Tenente-coronel da Polícia Militar do Rio de Janeiro).Mas entre outras características, a mais importante que os une é o respeito e paixão pelo futebol. “Claro que é sensacional ver a bola rolando. Dá vontade de meter o pé também”, diz Carlos Eugênio Simon, revelando que, por trás da postura fria do árbitro, existe um sujeito tão empolgado quanto os jogadores.

Mas como lembra Robert Gessner, 19 anos, do curso da FPF: “é preciso deixar essa emoção no subconsciente, senão você está frito com a torcida.” Simon, porém, não vê problema de cumprimentar um jogador que faz uma bela jogada. “Você pode fazer isso, desde que mantenha a linha. Eu cumprimentei o Robinho depois das pedaladas que ele deu no jogo contra o Corinthians, em 2002, que o Santos venceu”, lembra.

Mas um árbitro assumir que possui um time do coração ainda é um tabu no futebol. “O nosso time é segredo de estado. A única camisa que você passa a vestir é a da arbitragem”, diz Ricardo Marques, da Fifa. Ele também reconhece que, à medida que um árbitro se depara com os bastidores do esporte, ele perde as ilusões típicas dos torcedores fanáticos. “Você vê que o jogo é mais um negócio e às vezes isso te desanima, principalmente o comportamento de dirigentes que não honram a história dos clubes.”Ainda sobre a impossibilidade de o árbitro assumir publicamente o seu time, Roberto Braatz faz uma crítica. “Por que um jogador de futebol pode dizer que tem um time do coração e um árbitro não pode fazer o mesmo? Ambos são profissionais e sabem separar as coisas. Mas conosco não existe tolerância.”

2009-09-28T02:42:00.005-03:00

Arbitragem)))
PROFISSÃO NÃO RECONHECIDA

Eles são professores, policiais, comerciantes, empresários... A maioria dos árbitros possui outra ocupação. Isso porque a arbitragem não é considerada oficialmente uma profissão e não proporciona renda fixa. (Eles recebem por jogo e a quantidade deles varia no mês. A escalação dos árbitros é feita por sorteio - algo que eles criticam, pois a escolha não favorece os melhores -, e eles ainda podem ficar suspensos caso cometam erros graves em partidas anteriores.)“A própria Fifa não nos aconselha a depender do dinheiro da arbitragem”, lembra Evandro Rogério Roman, que atua paralelamente no ensino de educação física. “Mas se não somos profissionais legalmente, a nossa postura é profissional”, garante Ricardo Marques, que termina um curso de direito e trabalha em um Fórum em Minas Gerais.

Cada um então se vira por conta própria, seja para se manter financeiramente e para estar bem treinado. Quem chega em um nível internacional, precisa fazer no mínimo duas horas e meia de exercícios diários, explica Roman, para manter o condicionamento físico. Em uma partida, relata Simon, um árbitro hoje corre entre 12 e 14 quilômetros - mais do que muitos jogadores. “Eu que tenho 43 anos, estou meio na capa da gaita, então tenho que treinar mais do que os jovens, porque ainda quero estar entre os melhores”, diz Simon.

Todos concordam igualmente que gravar os jogos apitados e estudá-los depois em casa, revendo erros e acertos, é outra prática essencial para o árbitro evoluir tecnicamente. Mas tão importante quanto ter toda essa aplicação, é fundamental para um árbitro contar com o apoio da família. “Senão ninguém aguenta a pressão. Os familiares são os únicos que permanecem contigo independente do que acontecer no jogo”, diz Roman.

O "GOL" DO ÁRBITRO
Para entrar em campo, diante milhões de espectadores na TV, milhares de torcedores no estádio e ainda comandar 22 marmanjos, o sujeito tem que ser “um pouco louco”, diz Roberto Braatz. “Tem que curtir muito esse desafio, porque todos são contra você. O sujeito não pode ser normal.”

O maior prazer do árbitro então é quando todo esse circo termina e ele percebe que saiu ileso. “Você tem uma espécie de orgasmo prolongado depois do jogo, quando sente que foi bem em campo e a comissão de arbitragem confirma isso fazendo uma boa avaliação sua”, diz Evandro Rogério Roman.

Apitar um lance difícil é também como fazer um “gol”. “Quando você aplica bem a lei da vantagem e sai um gol dessa jogada, é um prazer enorme”, confidencia Ricardo Marques.

Outra parte boa da carreira, segundo eles, é a vida cigana. “Já campeei esse mundo todo afora. A Fifa me proporcionou isso. Você conhece o planeta, através da arbitragem”, lembra Carlos Eugênio Simon, que em breve irá para o Egito, apitar no mundial sub 20, junto com o assistente Roberto Braatz.

O FUTURO DA ARBITRAGEM
Com a evolução da tecnologia, muito se discute se o futebol poderia adotar mais equipamentos de ponta que viessem melhorar o jogo e sua arbitragem. Mas diante de sugestões como a utilização de bolas com chips internos, que ajudariam os árbitros a marcar ou anular gols, eles mesmos são contra muitas inovações.Acertadamente, segundo eles, a Fifa já é uma entidade que não costuma alterar tanto o futebol, a fim de que o esporte se mantenha universal. “O uso de câmeras no auxílio da arbitragem, como acontece no futebol americano, por exemplo. É inviável, porque nem todos os lugares do mundo poderiam utilizar isso”, lembra Roberto Braatz.

Na opinião de Paulo César Oliveira, melhor do que se investir em tecnologia, é investir na capacitação do árbitro, que assim pode apitar melhor, sem precisar de apetrechos tecnológicos.Comentando sobre a situação atual da arbitragem brasileira, os árbitros entrevistados também parecem satisfeitos. “O arbitragem no Brasil está mais democrática. Temos bons árbitros de vários estados apitando e não ficamos mais restritos só aos dos grandes centros”, diz Roman.

Tanto Oliveira como Roman lembram que a fiscalização sobre a lisura da arbitragem também aumentou, depois do escândalo da “máfia do apito” em 2005, que revelou a manipulação de jogos feita por Edílson Pereira de Carvalho e Paulo José Danelon. “Pelo bem da arbitragem brasileira esse processo criminal [no momento paralisado na justiça, e a um passo da impunidade] dos envolvidos não pode parar. Isso tudo ainda tem que ser esclarecido”, afirma Roman.

2009-09-28T01:56:00.007-03:00

Perfil)))
O CAMINHO ATÉ O TOPO

Aconselhado pelo pai a desistir da carreira de goleiro, Ricardo Marques enveredou pelo caminho da arbitragem, até chegar este ano à elite da Fifa

Foto: http://www.safesp.org/Noticias/raiox.jpg

"Entrar na Fifa é como, para um jogador, ser convocado para a seleção brasileira." Ricardo Marques, árbitro

Nos tempos de menino, em Belo Horizonte, ele sonhava em ser um goleiro profissional. Defendendo metas de times aqui e ali, o garoto comprido e magrelo então atingiu a glória de vestir a camisa número 1 do Vila Nova Atlético Clube. Tudo ia bem, até que um dia o seu pai lhe chamou de canto e disse a real: "Você até que é um bom goleiro. Mas está longe de ser excelente. Insistir na carreira assim é ilusão..."

A verdade, difícil de engolir, foi aceita pelo jovem de 16 anos. Ao mesmo tempo, um professor o incentivou a fazer um curso de árbitro. Afinal, quando o guri não estava debaixo da trave, ele organizava campeonatos e apitava jogos na escola. Levava jeito pra coisa. "E foi assim que comecei. Meio por acaso, mas logo me descobri na profissão", conta Ricardo Marques, 30 anos, o árbitro que apitou a final da última Copa do Brasil. Depois de fazer seu primeiro curso, ficou no futebol amador por cinco anos. "É ali que você enfrenta as maiores adversidades, o que te dá inteligência e coragem depois no campeonato profissional".

Em 2004, mesmo ano em que se formou como jornalista, Marques ingressou no quadro da CBF. A conquista maior lhe chega em 2009. No dia 5 de janeiro, ele está com o pai, abastecendo o carro em um posto, quando o celular toca. Pelo telefone, um amigo lhe dá os parabéns, contando que acabou de ver o nome dele na internet, admitido na lista de árbitros da Fifa. Marques então abraça o velho e compartilha a boa nova: "Seu filho agora é internacional!"

A vida, porém, não fica mais fácil depois disso. Trazer o brasão da Fifa no peito, por exemplo, não implica estar apenas nos melhores jogos - "você pode apitar até a série C, se for o caso" - e é preciso manter a performance em alto nível para não se perder o posto. "É bom frisar que não 'somos' Fifa. 'Estamos' Fifa." Se por um lado os ganhos duplicam (a CBF paga cerca de R$ 1,5 mil por jogo; pela Fifa são R$ 2,8 mil), a responsabilidade do árbitro quadruplica, opina Marques.

Para o bem e para o mal, ele também viu surgir a fama. Em Belo Horizonte, é reconhecido nas ruas e algumas pessoas até lhe pedem autógrafos. "Hoje represento o meu estado, Minas Gerais, na arbitragem internacional. Isso tem um peso e é importante pra mim. Mas não chego a ser um ídolo. Para o torcedor, sempre somos os carrascos", diz Marques, resignado, mas com bom humor. Como goleiro, ele nunca chegaria tão longe.

*Reportagem publicada na Gazeta do Povo, em 23/08/09

http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/esportes/conteudo.phtml?tl=1&id=917444&tit=Por-vocacao-ou-opcao-a-dura-vida-de-apitadortadmidia-src269872

2009-07-27T23:50:00.017-03:00

SOZINHO NA MADRUGADA Uma reportagem sobre os homens que passam as noites nas estações-tubo de Curitiba, limpando e cuidando desses locais, enquanto o resto da cidade dorme. Leia aqui, na Gazeta do Povo.

2009-07-27T23:25:00.005-03:00

DRAMATURGIA DO FUTURO
A criação de textos para teatro é instigada e discutida na oficina de dramaturgia do SESI Paraná. Até dezembro, uma série de novas peças serão escritas
Fotos: Franco Fuchs

Eles podiam estar em suas casas, meditando solitários se as peças que escrevem estão ou não no caminho certo. Também podiam colher opiniões de amigos, ou dos atores que depois vão interpretar esses textos. Seria mais confortável. Mas não. Em uma terça-feira, quase meia-noite, um bando heterogêneo de dramaturgos (de 20 a 60 anos, alguns iniciantes, outros tarimbados) ocupa o palco do teatro José Maria Santos.

Sentados em cadeiras escolares, ouvem atentos um carioca incansável chamado Roberto Alvim (na foto, em primeiro plano) que, com seus comentários, é capaz de reduzir a pó qualquer projeto de peça genial. Esse grupo faz parte de uma oficina de criação dramatúrgica que integra um projeto maior, intitulado Núcleo de Dramaturgia SESI Paraná. Os encontros da oficina, iniciados em abril, acontecem a cada 15 dias, com duas turmas de 20 pessoas. A ideia é que, até dezembro, cada dramaturgo tenha escrito uma peça nova.

BASE TEÓRICA
A esta altura do ano, as reuniões da oficina estão em uma fase bem prática, mas vale frisar que tudo começou com muita teoria, ministrada pelo dramaturgo, diretor e professor de teatro, Roberto Alvim. “Vocês leram as peças do Pinter que eu passei, né?”, perguntou o carioca já no início de um encontro presenciado pela reportagem.

Harold Pinter (1930-2008), este vencedor do prêmio Nobel e um dos expoentes do teatro do absurdo, é um dos autores contemporâneos mais citados por Alvim, que fala sobre o dramaturgo inglês com a autoridade de um estudioso e de quem encenou no ano passado a peça O Quarto (The Room, 1957).

“As possibilidades da dramaturgia contemporânea se ampliaram muito depois que Pinter aboliu as relações causais em suas peças”, explica Alvim. Ele observa também a seus pupilos como Pinter dosa bastante as informações que fornece sobre seus personagens, diferente de muitos autores que já entregam tudo de bandeja, o que tira o interesse dos espectadores. “E de que maneira a tensão se estabelece nas peças de Pinter?”, interroga, diante da turma silenciosa. “Pinter trabalha com as incertezas. A gente nunca sabe realmente o que está acontecendo nas peças dele.”

Alvim então se empolga e traça esquemas na lousa, expondo as artimanhas utilizadas tanto por obscuros dramaturgos siberianos, feito os Irmãos Presniakov, como pelo roteirista de Sexta-feira 13.

Mas com tanto conteúdo transmitido, faz questão de frisar que ninguém precisa saber de todas as técnicas para escrever uma boa peça. “Se você dominar alguns fundamentos e conseguir dar significados novos a eles, é o suficiente.”

HORA DO CONFRONTO

Cenas recém escritas são lidas e debatidas

Iniciantes ou veteranos, todos os dramaturgos concordam. Não é fácil expor um texto em processo e lidar com as críticas e sugestões inusitadas que surgem na oficina.

“Fico um pouco nervosa antes de ouvir os comentários dos colegas”, conta a dramaturga Pagu Leal, 34 anos, autora de, entre outras peças, Instruções para lavar roupa suja (2007) e Difícil amor (2004). “Ainda mais que não tenho o hábito de conversar muito sobre a minha criação. Sou daquelas que já leva o texto pronto aos atores. Esse diálogo com a turma então tem sido interessante. Um pouco traumático, às vezes, mas interessante.”

Para a dramaturga Giulia Crocetti, 20 anos, a situação é parecida. Mas ela acrescenta que, com o tempo, todos os integrantes da oficina vão ficando mais confortáveis com a ideia de se criticarem mutuamente. “Quando questionaram coisas da peça que estou escrevendo [Rebotalho, a primeira obra que ela pretende concluir], eu adorei. Levei numa boa. Perguntaram, por exemplo, qual era a finalidade de um trem que aparece na minha história [a locomotiva atormenta três personagens chamados A, B e C, que vivem em um futuro apocalíptico, explica a autora]. Percebi então que havia faltado clareza, o que me levou a repensar o que eu tinha feito.”

Também iniciante na dramaturgia, Otavio Linhares, 31 anos, é outro que lida bem com as críticas. “Afinal você não faz arte pra si mesmo, senão você fica em casa”, diz. “Sinto que as pessoas, quando comentam os trabalhos dos outros aqui, fazem com a intenção de ajudar, e não para jogar uma pá de areia.”

Mas quando julgamentos mais duros surgem, e eles sempre surgem, o próprio Alvim deixa claro aos dramaturgos. “Filtrem o que eu disser. Se algo faz sentido pra você, aproveite o conselho. Do contrário, esqueça. Às vezes falo coisas terríveis sobre algum texto, mas o autor insiste na sua ideia e depois me mostra algo surpreendente.”

* LEIA AQUI UMA CENA escrita pelo dramaturgo Otavio Linhares. É a parte final de sua peça (ainda sem título).

2009-07-27T22:45:00.006-03:00

NÚCLEO DE DRAMATURGIA SESI PARANÁ
Foto: Franco Fuchs

Roberto Alvim: estratégias de escrita vão para a lousa.

Inspirado em um projeto que acontece em São Paulo, o Núcleo de Dramaturgia SESI Paraná foi implantado no início do ano em Curitiba, para promover diversas atividades em prol da dramaturgia local.

Desde então, autores como Luís Alberto de Abreu, Marici Salomão e as inglesas Roxana Silbert e Tessa Walker (trazidas por conta da parceria entre o núcleo e o British Council) já deram palestras e workshops na cidade. Até dezembro, a previsão é que o projeto receba outros artistas importantes.

O carro-chefe do núcleo é a oficina de dramaturgia, ministrada pelo dramaturgo e diretor carioca Roberto Alvim. As melhores peças escritas na oficina serão publicadas no site do projeto, e existem planos de se fazer uma mostra desses trabalhos no próximo Festival de Curitiba.

“Nosso objetivo é renovar a dramaturgia local. Se o núcleo tiver continuidade, com certeza, daqui a uns cinco anos, já teremos uma cena teatral bem mais fortalecida em Curitiba”, diz o coordenador do núcleo, Marcos Damaceno.

Para Roberto Alvim, o projeto do SESI é válido principalmente para unir uma comunidade de artistas. “Shakespeare, Ben Johnson e outros dramaturgos do período elisabetano saíam juntos para beber. Essas interações são importantes.” Ele lembra também como quase todas as grandes cidades possuem núcleos de criação de teatro. “Isso acontece em Nova York, Berlim ou São Paulo. Não é por acaso que esses lugares são polos de dramaturgia. As coisas não surgem do nada.”

Segundo Damaceno, a procura do público pelo núcleo superou as expectativas e, para o ano que vem, existe até uma lista de pessoas que já deixaram seus nomes para participar da próxima oficina de dramaturgia.

Serviço
Oficina de dramaturgia. Voltada para dramaturgos iniciantes e profissionais. É anual, com encontros a cada 15 dias, ao custo de R$ 12 por trimestre. As inscrições este ano estão encerradas. Interessados em participar no ano que vem podem entrar em contato com o coordenador Marcos Damaceno, pelo e-mail:
contato@marcosdamacenocia.com.br
Palestras e mesas-redondas gratuitas, abertas ao público. Acompanhe a programação no site
www.sesipr.org.br/nucleodedramaturgia

*Reportagem publicada na Revista Ideias nº 93

2009-07-10T18:52:00.007-03:00

CINEMA 3D

Reportagem sobre o crescimento das salas 3D em Curitiba + infográfico que explica como funciona o efeito tridimensional + cronologia do cinema 3D

Leia aqui
http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/cadernog/conteudo.phtml?tl=1&id=902369&tit=Magia-em-3D

2009-05-06T11:34:00.011-03:00

SOBRE VINHOS E CACHORROS,
CORRIDAS E OVÁRIOS...

Links para algumas de minhas reportagens que saíram de março a junho no jornal Gazeta do Povo. Os temas, como já mencionei no título desse post, são os mais díspares.

http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/animal/conteudo.phtml?tl=1&id=873472&tit=Muito-mais-que-uma-voltinha-na-quadra

http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/bomgourmet/conteudo.phtml?tl=1&id=875754&tit=A-melhor-companhia-para-o-bacalhau

http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/saude/conteudo.phtml?tl=1&id=873046&tit=Corrida-posta-a-prova

http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/saude/conteudo.phtml?tl=1&id=883304&tit=Malhacao-em-ritmo-acelerado

http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/saude/conteudo.phtml?tl=1&id=892717&tit=Adeus-as-roupas-mofadas

http://portal.rpc.com.br/gazetadopovo/saude/conteudo.phtml?tl=1&id=873035&tit=Disfuncao-que-afeta-o-corpo-todo

2009-04-15T11:54:00.004-03:00

Especial)))
Aqui tudo acaba em pizza
Lanches Itália completa quatro décadas alimentando avôs, pais e netos

Hora do rush no centro de Curitiba. O estalar de mil passos na calçada. Buzinas, motores de carros e ônibus. A sinfonia da cidade ressoa alto na rua Cândido Lopes. Sinfonia que se torna mais leve e adquire novos contornos no paraíso gastronômico do Lanches Itália.

Mas nada de tarantela ou sotaques itálicos por aqui. O que se ouve são pedidos famintos de: “Uma fatia de mussarela!”; “Uma fatia e uma vitamina!”; “Mais duas fatias!”; “E uma Laranjinha!”...

O paraíso revela-se um entra-e-sai danado, em que pessoas de todos os tipos dividem espaço nos balcões de alumínio. E assim, calóricas gostosuras são traçadas, por vezes em pé, em meio a paisagens turísticas italianas, que figuram em pôsteres pelas paredes de azulejo.

Dentro desse universo de imagens, aromas e sabores, o tempo não é bem o mesmo do resto da cidade. Aqui ele só pode ser mais lento, afinal, quatro décadas se passaram desde a inauguração da lanchonete, e ela continua praticamente a mesma.

Em compensação, entre uma fatia de mussarela e outra, não são poucos os que vêem os reflexos do tempo em si mesmos, diante dos espelhos do Lanches Itália.

“A gente vê pessoas que vinham aqui quando crianças, de calças curtas. Mal alcançavam o balcão. Hoje são adultos”, lembra Eliane Moro, funcionária do “Itália” há trinta anos. A própria Eliane viu seus quatro filhos crescerem na lanchonete. Agora também os seus netos vão comer pizza e visitar a avó no trabalho.

Freguesia fiel
Ao longo de 40 anos, o Lanches Itália conquistou uma legião de clientes fiéis. Feito a consultora de cosméticos Rosângela Barbosa, que até faz parte da comunidade da lanchonete no Orkut. Segundo ela, suas idas ao “Itália” começaram há uns 30 anos, época em que trabalhava por aquelas redondezas e ia lá com os amigos “comer uma pizza e tomar uma Wimi”.

O pecuarista Edson Amazonas é outro cliente de longa data, que vai à lanchonete quase toda semana, há mais de duas décadas. Desse hábito também partilhou o seu pai, “que até aos 90 anos, lanchou aqui”, conta Edson.

E como revela Antônio Simões, atual responsável pelo “Itália”, a lanchonete tem como freqüentadores assíduos uma série de pessoas influentes e políticos. “João Cláudio Derosso, Tito Zeglin e o Algaci Túlio são alguns que vêm aqui”. Outra figura ilustre que apreciou muito as delícias do “Itália” foi José Carlos Gomes de Carvalho, o “Carvalhinho” (empresário e político falecido em 2003). “Ele sabia até quando eu mudava o meu queijo mussarela”, diz Antônio.

2009-04-15T11:46:00.005-03:00

De Lucca para Curitiba

Inauguração do Lanches Itália em 1969. Ao lado da máquina de café, Bruno Birindelli é o primeiro à esquerda. Desatando o laço inaugural, o cônsul da Itália Gottardo Bottarelli

Falar em Lanches Itália é falar no italiano Bruno Birindelli, que depois da Segunda Guerra, assim como muitos de seus conterrâneos, deixou a cidade de Lucca, na Toscana, e migrou para o Brasil em busca de melhores oportunidades.

Bruno se instalou primeiro em São Paulo, onde chegou a montar um restaurante, mas logo desceu para Curitiba. Aqui, em meados da década de 50, teve a lanchonete Acrópolis e a cafeteria Sorriso do Paraná, trazendo para esses estabelecimentos máquinas de sorvete italiano e de café expresso, então novidades.

O Lanches Itália seria criado por Bruno em novembro de 1969, sob o edifício Brasilino Moura – chamado por alguns de “Tomara-que-caia”, pela sua arquitetura inclinada em direção à rua. Bruno só deixou o comando da lanchonete em 2000, aos 77 anos, quando passou a administração do negócio para seu genro Antônio Simões.

Desde então, pequenas reformas foram feitas na casa e alguns quitutes saíram do cardápio, mas a essência do Lanches Itália permanece a mesma. Para o bem de todos os seus freqüentadores, tudo ali ainda termina em boa pizza.

Serviço

Lanches Itália. Rua Cândido Lopes, 229. Aberto das 8 às 20h. Sábado até às 17h. Tel.: 3232-5175.

2009-04-15T11:23:00.004-03:00

Especialidades da casa

Pizza de mussarela
Como uma pizza de massa grossa, pouco molho, e que nem é assada em forno a lenha, pode ser tão gostosa? É um mistério. “Bruno dizia que essa receita era a que a mãe dele fazia para os filhos. O Bruno conta isso, mas eu digo a ele que não acredito”, diz o genro Antônio Simões, lembrando que na Itália não se fazem pizzas como essa, de massa grossa. “Eu brinco com o Bruno dizendo que, na verdade, quando ele foi fazer a primeira pizza, ele errou a mão, mas o povo gostou e acabou dando certo”. E como deu. A lanchonete chega a vender 100 pizzas de mussarela ao dia.

Vitamina de frutas
Pura delícia, a vitamina é a bebida campeã para se acompanhar uma fatia de mussarela. Leva mamão, abacate, morango e sorvete de creme.

*Reportagem publicada na Revista Ideias n. 88

2009-02-14T15:51:00.017-02:00

Comportamento)))
Suspensão corporal
Foto: Addiction Arts

Leia no Jornal TiraGosto a entrevista que fiz com Rafael de Lima, o precursor da arte dos ganchos em Curitiba:

http://www.jornaltiragosto.com/?tag=especial-suspensao-corporal

*
Aproveita e saca essa seleção de matérias especiais no Jornal TiraGosto:

Edmar Freitas bate recorde mundial de abdominais no meio da praça Rui Barbosa
http://www.jornaltiragosto.com/blog/?p=308
http://www.jornaltiragosto.com/blog/?p=310

Nas trilhas de Buffalo Bill. Curitibanos praticam enduro equestre em São Luiz do Purunã
http://www.jornaltiragosto.com/blog/?tag=enduro-equestre

Jornal TiraGosto visita o museu do IML em Curitiba
http://www.jornaltiragosto.com/blog/?p=11

Boca do Palhaço. Amarildo e sua saga para obter um prato de comida no Restaurante Popular de Curitiba http://www.jornaltiragosto.com/blog/?p=119
http://www.jornaltiragosto.com/blog/?p=35

O break no Itália
http://www.jornaltiragosto.com/?tag=especial-break

Bundas na Biblioteca. Uma exposição Tabu, de Bel Corrêa
http://www.jornaltiragosto.com/blog/?tag=bel-correa

2009-01-19T00:34:00.010-02:00

Artes plásticas)))
Pinturas de “B Boom”
João Osorio Brzezinski transforma seus drinks em quadros
Foto Maranhão

"Cerca Vó" (cerveja + meia dose de suco de caju + uma dose de vodka)

João Osorio Brzezinski é um homem de múltiplos talentos. Além de ser desenhista e pintor premiado, João já cantou e atuou (fez parte da primeira turma do Curso Permanente de Teatro do Guaíra). Também foi, na juventude, montanhista, quiromante e inventor do “antibigode” (certa época, deixou crescer um bigode sob o lábio inferior, “para mostrar como bigode era ridículo de qualquer jeito”). Durante anos, pilotou asa-delta (esteve entre os primeiros a praticar esse esporte no país), paraglider, ultraleve, monomotor e planador. Por último, aposentou-se como funcionário do Tribunal de Justiça do Paraná.

Recentemente, João mostrou mais uma de suas habilidades, ao expor, em drinks e telas, seu talento como barman, antes apenas conhecido por amigos. De outubro a novembro, o bar Cafezau recebeu a exposição intitulada “Osorio B Boom!”. Nela figuraram doze quadros cujos temas eram os drinks que o próprio pintor havia criado. Na estréia, o público também pôde experimentar todas essas bebidas que foram transformadas em quadros, como a “Cerca Vó” (cerveja acrescida de meia dose de suco de caju e uma dose de vodka) e o “Cura Saudade” (curaçau red, suco de meio limão, soda limonada e mel).

“É uma forma de imortalizar e difundir minhas receitas”, diz João sobre seus quadros. Em comum, todas as obras apresentam as “fórmulas” dos drinks escritas na tela e possuem alguma colagem com toalha de mesa ou estopa – marcas registradas do artista. (No passado, o uso freqüente do último material até lhe valeu o apelido de “Estopinski”, dado pelo amigo Jamil Snege).

Segundo Brzezinski, a paixão pela coquetelaria vem de longe. Desde os anos 60, na famosa Velha Adega, do polaco Victor Sieczko (que foi pioneiro na criação de estabelecimentos de estilo rústico na cidade, como a pizzaria Baviera e a casa de sopas Acrótona), João já experimentava coisas como a “Caipirinha de Steinhaeger”. De lá para cá, ele calcula ter bolado cerca de 20 drinks. “Misturar bebidas é como misturar tintas”, diz. “Quem tem esse senso de mistura, é capaz de combinar qualquer coisa: bebida, tintas, sabores e até sons.”

No bar do João
Foto Franco Caldas Fuchs

O visitante que entra no apartamento de João Osorio Brzezinski, ao mesmo tempo em que nota seus quadros pendurados em paredes coloridas, logo nota o portentoso barzinho que ele possui num canto da sala, fornido com toda a sorte de beberagens.

Prontamente, João apresenta algumas de suas preciosidades e inclusive oferece alguns tragos a este repórter. Dentre os uísques que mais se destacam em sua coleção, ele exibe um single malte Cardhu, edição limitada, de 27 anos e com 60% de álcool, e um Famous Grouse, de três décadas. “Esse eu comprei mais por causa da embalagem, que parece um caixão de vampiro”, diz.

Em seguida, João mostra um poire (destilado de pêra), o qual contém, para meu espanto, uma fruta grande e inteira dentro da garrafa. “Como a pêra passou por esse gargalo?”, pergunto a ele. “Para fazer isso”, explica João, “se amarra a garrafa nos galhos das pereiras. O broto da pêra então cresce ali dentro. Quem gostava muito de poire era o Ulysses Guimarães.”

Depois de mostrar uma dezena de bebidas curiosas, entre elas um destilado paraguaio chamado Aristócrata, vodka preta e absinto francês – sem esquecer do Fogo Paulista, que ele comprou para sua empregada –, por fim, João apresenta uma garrafa de tequila com uma larva podre boiando em seu interior. “Isso tem um gosto muito vagabundo”, diz ele sobre o Mezcal. “Guardo mais por curiosidade.” Quando questiono se a bebida com a larva não pode fazer mal à saúde, ele responde: “Bem, os mexicanos tomam. Eu tomei e não morri até hoje”.

Nos bares da cidade
Foto Franco Caldas Fuchs

A maioria das pessoas que gostam de beber preferem fazer isso fora de casa. Com João, não é diferente. Mesmo possuindo um arsenal de bebidas em seu lar, é comum encontrá-lo em diversos bares da cidade, como o Meninas dos Olhos, Plano B, Dom Max, Jacobina... “São tantos”, reconhece ele, “ainda mais que quase todo amigo meu tem um bar. É até difícil ir a todos”.

Mas mesmo prestigiando tantos estabelecimentos, João não deixa de criticá-los. Segundo ele, é difícil encontrar todas as bebidas que se quer, como certas cervejas importadas, por exemplo. Sem falar nos muitos drinks mal feitos e na venda de bebidas falsificadas. “Uma vez, peguei uma garrafa de Johnny Walker Black que estavam servindo. Mostrei os sinais de que ele era falso para o dono do bar”.

João então pega uma garrafa de uísque original e outra vazia do falsificado para me ensinar, uma a uma, as diferenças entre elas, até a mais gritante: o “Joãozinho Andador” indo da esquerda para direita na original, e fazendo o contrário na falsificada.

“Quer dizer que você também já caiu nesse conto-do-vigário?”, o provoco, apontando para a garrafa falsa que ele tem nas mãos. Não, ele responde, explicando que a ganhou de presente de um amigo. “E você disse a ele que era falsa?”, pergunto. “Disse, mas não teve problema”, lembra João. “Imagine que eu ia fazer desfeita. Tomamos tudo do mesmo jeito.”

Sobre João Osorio Bueno de Brzezinski
Foto Alice Varajão

Nasceu em Castro, PR, em 1941. Em 1962, formou-se em pintura pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná, onde depois atuaria como professor por 28 anos. Na década de 70, foi diretor do Museu Alfredo Andersen e orientador no Centro de Criatividade de Curitiba.

Venceu 30 prêmios ao longo de sua carreira, em salões realizados em Curitiba, Porto Alegre, Belo Horizonte, Campinas e São Paulo. Participou de inúmeras exposições pelo país, com destaque para a sua presença nas Bienais de São Paulo e da Bahia. No exterior, expôs trabalhos na Argentina, Paraguai, Estados Unidos e Japão. É citado em diversas publicações como o Dicionário de Pintura Brasileira, História da Arte no Brasil e o International Guide of Arts.

* Reportagem publicada na Revista Idéias n° 86

2008-12-12T00:31:00.006-02:00

Literatura)))

A poesia da vida em um livro de contos
Em Para que as árvores não tombem de pé, Maria Célia Martirani apresenta uma prosa burilada e carregada de sentimento

Quinze anos depois de lançar seu primeiro livro de contos, o pouco divulgado Recontando (editora Edicon), Maria Célia Martirani, escritora paulistana, radicada em Curitiba, retorna ao cenário literário com a publicação de Para que as árvores não tombem de pé/ Affinché gli alberi non cadano in piedi, pela Travessa dos Editores.

O livro surge com 41 textos curtos e já nasce internacional em sua edição bilíngüe, português – italiano. A tradução ficou a cargo do professor Carlo Baldessari e da própria Maria Célia, que é também professora de italiano.

Em Para que as árvores não tombem de pé, Maria reafirma o domínio de sua arte. Como em Recontando, mais do que apresentar enredos mirabolantes, ela prioriza um trabalho de linguagem e explora ao máximo a sua capacidade de descrever os estados da alma de seus personagens.

Dessa forma, consegue criar textos que, mesmo sem grandes peripécias, apresentam elementos de tensão. Como o conto “Laranjas e Metal”. Externamente, nele nada acontece. Tem-se apenas um velho solitário diante de uma fruteira vazia. Porém, quando um narrador passa a revelar o que existe no íntimo desse ancião, eis que brotam conflitos que em um primeiro momento estavam invisíveis:

A vida toda, inteira e só a ela dedicara as chamas vívidas do sentimento “que arde sem doer”. Que acabou doendo, doeu muito e ainda doía, já que inevitável a partida. Que o deixassem, então estar quieto, remoendo sossegado seus silêncios... Urgia fechar-se à trepidação ruidosa dos veículos lá fora, para compenetrado, sentir a pulsação compassada e larga dos trens de dentro, estendendo-se roucos e lentos pelas infindáveis curvas de seu lembrar.

Outro exemplo é o “conto-parábola” que dá nome ao livro. Este narra simplesmente a trajetória de um pinheiro que, por sua rigidez excessiva, acaba tombando um dia. Mesmo com este enredo exíguo, ao seu modo, o conto oferece suspense, que é construído através de uma seqüência precisa de palavras, vírgulas e sinais de reticências empregados por Maria Célia.

A queda, sempre fatal. Nada que amenizasse o desalinho das copas verdíssimas, caindo em abandono. Susto, estremecimento... E aquele ruído surdo, compacto, fulminante... Assim caíam todas as nobres madeiras de lei, as de hirtos troncos, envergadura encorpada. Nelas havia uma beleza triste, até mesmo no tombo...

Ao leitor de primeira viagem que esteja muito apegado a textos secos e velozes, é bom avisar: quando ler Para que as árvores não tombem de pé, deixe a ansiedade de lado e embarque no ritmo de cada história. A prosa de Maria Célia Martirani é calma e tão certeira quanto a anaconda que deglute o malvado, no conto “O índio que estourou”.

Não conseguiu nem gritar, quando, abruptamente, uma jibóia viscosa e gigante lhe enroscou as pernas, derrubando-o na água. Estrangulou-o, numa tortura lenta e úmida. Triturou-lhe os ossos e passou a engoli-lo inteiro, devagar. Ainda era cedo e tinha todo tempo para ingerir suas carnes...

2008-12-12T00:26:00.008-02:00

Sobre a autora

Maria Célia Martirani nasceu a 21 de agosto de 1959, em São Paulo. Descendente de italianos, iniciou os estudos na língua de seus avós logo cedo, no tradicional Colégio Dante Alighieri. Hoje é doutora pela USP e dedica-se a pesquisas na área de literatura italiana e literatura comparada. No Brasil, é uma das maiores conhecedoras da obra do escritor Alessandro Baricco.

Morou por sete anos em São Miguel do Oeste (SC), onde atuou como professora de escola pública. Tal experiência, em meio rural, foi particularmente enriquecedora para a autora e se veria refletida em alguns contos de seu primeiro livro. Em 1989, Maria Célia se mudou para Curitiba, cidade em que reside até o momento.

Sua estréia na literatura se deu com Recontando, publicado em 1993 pela Edicon. Em 2008, lança nova reunião de histórias, intitulada Para que as árvores não tombem de pé, pela Travessa dos Editores. A edição sai em formato bilíngüe, português-italiano.

*
Entrevista: Maria Célia Martirani

Francofonia – Você sente que há muita diferença entre a escrita de Recontando e Para que as árvores não tombem de pé? Quais são as diferenças e as afinidades desses dois livros?
Maria Célia Martirani – Acho que tanto meu primeiro livro, Recontando, como este segundo, Para que as árvores não tombem de pé, surgiram de minha necessidade de expressão, especialmente do que eu intuía ou lia, a partir dos seres e das coisas ao meu redor.

Nos dois casos, posso afirmar que sempre quis fazer prevalecer em mim o ouvido atento e o olhar aguçado para “recontar”, transfigurar a meu modo, as histórias que germinam o tempo todo em torno a nós (e pelas quais me deixo tocar).

Então, o que aproxima os dois livros é a idéia de um eixo ficcional, valorizando a dimensão narrativa inerente às coisas, aos seres, às situações. Porém, o segundo me trouxe uma liberdade maior, talvez uma soltura, quanto aos modos de narrar que eu não conhecia anteriormente, não só do ponto de vista temático, como também formal. Por exemplo, dei-me ao prazer de investir mais em narrativas, ora concisas (como “Esquina”), ora muito longas (como “Pro-Vocação”), de me deixar levar pela idéia da relativização do contar, a ponto de criar contos duplos ou triplos, que dialogam e se espelham (como “O Rosto da Página” e “Página sem Rosto”).

Francofonia – Por que você demorou tanto para publicar seu segundo livro?
Maria Célia Martirani – Porque não me sentia madura, nem forte o suficiente para fazê-lo. Gosto muito de citar uma frase de Guimarães Rosa, na qual acredito. Algo assim: a de que “os livros nascem quando as pessoas pensam... É necessário dedicar muito tempo a um pensamento. Daí seriam escritos livros melhores...” Acho que cada um precisa de um tempo interior (muito subjetivo e extremamente variável de indivíduo a indivíduo) de elaboração, para depois conseguir ter o fôlego necessário para a exposição, a publicação.

Francofonia – Em que período foram escritos os contos de Para que as árvores não tombem de pé?
Maria Célia Martirani – Comecei a esboçar alguns dos contos ainda em 2000, 2001, ou seja, há sete anos. Mas eu diria que o livro começou a “tomar corpo” mais efetivamente, a partir de 2004, quando comecei a viajar a São Paulo, semanalmente, devido ao curso de Pós Graduação na USP e me lembro que, naquela época, quase não conseguia ficar um só dia sem escrever.

Francofonia – Como surgem as suas histórias? Como costuma ser o seu processo criativo?
Maria Célia Martirani – Acredito que minhas histórias germinam, brotam da vida. Como já afirmei anteriormente, acho que tudo possui uma dimensão narrativa muito forte. O mundo fala conosco o tempo todo. É só parar para ouvir... E, depois, recontar... Minhas histórias surgem de situações muito simples, comuns, corriqueiras até... Mas o que conta, às vezes, é como isso tudo consegue “me provocar”, como isso se processa em mim.

Reconheço ser extremamente prazeroso, no árduo processo criativo, o imaginar, viajar, sem limites, por onde as rédeas da imaginação me conduzirem. Mas, o tempo todo, como uma espécie de professor exigente, há o trabalho disciplinar, o do quotidiano hábito de escrever e de colocar as tais rédeas soltas no papel, numa incessante carpintaria do texto.

Francofonia – Como surgiu a idéia de escrever contos duplos, como “O Rosto da Página” e “Página sem Rosto”, que se completam?
Maria Célia Martirani – A idéia dos “contos duplos” surgiram, porque eu sempre achei muito instigante, em arte, a idéia de criar variações em torno de um mesmo tema. Lembro, por exemplo, de alguns estudos de Volpi, aqueles famosos de várias possibilidades sobre o tema das bandeirinhas juninas ou de alguns exercícios para piano de Czerni, em que se mantem o eixo melódico, com pequenas nuances que dão um novo tom à composição final. No limite, ao escrever “O Rosto da Página” e “Página sem Rosto”, quis, num exercício lúdico, brincar com essas variações, com a relativização de dois pontos de vista sobre o mesmo tema: o drama de ser ou não ser personagem.

Francofonia – Certos contos seus podem ser visto como poemas? Você se considera poeta também?
Maria Célia Martirani – Muitos de meus leitores percebem, no que crio, traços do que se poderia chamar de “prosa poética”. Sinceramente não me considero poeta, mas apenas alguém que, como aconselha Drummond, gosta de se atrever a “mergulhar surdamente no reino das palavras” e que, roseanamente, mantém uma certa reverência para com o “canto e a plumagem das palavras”...

2008-11-29T02:04:00.009-02:00

Teatro)))
O obscuro que fascina
Com ousadia e competência, GRUTA encenou Atentados, peça do dramaturgo inglês Martin Crimp

Sem figurinos especiais, maquiagem ou cenário: GRUTA é adepto de um teatro essencial, que extrai do trabalho do ator a sua maior força.

Quem viu, viu. Em uma temporada meteórica (de 24 a 27 de novembro, três vezes ao dia, no auditório Bento Mossurunga), o grupo de teatro amador do Colégio Estadual, mais conhecido como GRUTA, encenou, pela primeira vez na cidade, a peça Atentados (Attempts On Her Life, 1997), do dramaturgo Martin Crimp.

Como no ano passado, com a excelente montagem de Aurora da Minha Vida, de Naum Alves de Souza, mais uma vez o GRUTA apresentou um trabalho ousado e de alto nível, feito que merece ser aplaudido de pé diante da complexidade do texto de Crimp, este inglês nascido em 1956 e que é representante de um teatro dito “pós-dramático” (vertente teatral contemporânea, influenciada diretamente pelo Teatro do Absurdo).

Diferente de uma peça clássica, dividida em cenas e atos, Atentados é composta por 17 quadros independentes, os quais, em comum, mencionam sempre o nome de uma tal “Anne”, figura que, como o “Godot”, de Samuel Beckett, nunca aparece realmente em cena. É apenas evocada através de narrações.

Entidade feminina e fluídica, Anne é descrita de várias maneiras ao longo da peça. Em um quadro ela é uma terrorista, em outro é uma artista. Em certo momento é uma mulher que teve os filhos mortos na guerra e, num ponto extremo, vira o nome de um novo modelo de carro. Anne, portanto, é “qualquer” (“any”, em inglês) mulher ou coisa, o que fica claro até por esse jogo de palavras.

Desafios
Se em termos de conteúdo, a peça é complicada, formalmente, é também um deus-nos-acuda, como lembra Hermison Nogueira, professor de teatro do Estadual que coordenou essa criação coletiva do GRUTA. “No texto de Crimp não há rubricas, nem demarcações de personagens. São usados apenas travessões, o que significa que alguém, que não sabemos quem, começou a falar”, diz Hermison.

“O texto então nos permite fazer qualquer coisa. O próprio autor diz que não é preciso montar os 17 quadros [nessa montagem foram escolhidos seis deles] e que eles podem ser ordenados livremente. Essa liberdade é boa por um lado, mas também gera dor de cabeça. Como distribuir entre os atores um texto que não possui personagens?”

De acordo com Hermison, a forma que o grupo encontrou para lidar com a peça foi, primeiro, trabalhar bem o corpo, com exercícios e experiências cênicas, para só depois “pôr o texto no corpo”. “Encenadores mais naturalistas, que priorizam o texto e trabalham primeiro com ele, até podem achar que fizemos uma blasfêmia, mas eu não me importo. No GRUTA temos liberdade para experimentar”.

De fato, experimentações não faltaram. O grupo se manteve longe de caminhos fáceis e buscou sempre o risco. A começar pela opção de dispor o público no palco, interagindo com os atores. Mais emblemático ainda é lembrar da cena em que uma atriz declama sua fala em cima de uma mesa que é balançada o tempo todo, ou quando um ator suspende uma bola de boliche sobre a cabeça de colegas deitados no chão.

Esse constante pôr-se em risco, somado a uma estética sombria adotada pelo grupo (também com recursos simples como black-outs constantes, uso de lanternas, som ao vivo etc.), casou perfeitamente com o texto sinistro de Martin Crimp, o qual, vale ressaltar, também possui fartas doses de humor. Esse humor, bastante irônico, foi igualmente bem contemplado pela montagem do GRUTA, em especial na cena em que um dos atores declama o soturno quadro “A Garota ao Lado”, na forma de um blues provocante.

Para quem pensa que um texto fragmentado e repleto de referências (inacessíveis para muitos) só provoca enfado e repulsa no público, o GRUTA mostrou como a obscuridade pode ser instigante.

*Publicada no Espaço 2 do Jornal do Estado (2/12/2008)

2008-11-29T01:41:00.006-02:00

Idioma)))
O homem-show da língua alemã
Bastian Sick, o colunista de gramática que se transformou em fenômeno da mídia, faz turnê pela América do Sul

Autor é best-seller em países germânicos com livros que tratam sobre gramática de forma bem-humorada.

Imagine se o professor Pasquale Cipro Neto realizasse uma turnê por países da Europa, em hipotéticos institutos Machado de Assis. Eis uma comparação fantasiosa, mas que talvez dê uma idéia do que representa a vinda do jornalista e escritor alemão Bastian Sick para o Brasil e outros países da América do Sul.

No dia 30 de outubro, Bastian lotou o auditório do Instituto Goethe em Curitiba, onde apresentou uma de suas palestras-show sobre questões espinhosas do idioma alemão.

Bastian Sick é hoje o comentarista da língua alemã mais famoso no mundo. Fenômeno da mídia, ele assina uma coluna sobre gramática na revista Spiegel e apresenta shows em teatros e na televisão. Entre seus livros publicados, que já venderam mais de quatro milhões de exemplares, o mais conhecido é O dativo é a morte do genitivo (Der Dativ ist dem Genitiv sein Tod), dividido em três volumes. Bastian também lançou CDs, um DVD e até um jogo educativo, tendo o idioma como mote.

Trajetória
Na palestra em Curitiba, além de transformar em comédia uma conversa sobre erros freqüentes da língua, Bastian contou ao público um pouco sobre sua vida. Nascido em 1965, no norte da Alemanha, em Lübeck, Bastian disse que desde pequeno já gostava de escrever. Foi ator nos tempos de colégio e inclusive escreveu algumas peças teatrais, cujos papéis principais acabavam sendo, invariavelmente, representados por ele.

Filho de professores, quando jovem pensava em seguir a mesma profissão dos pais. Porém, depois que se formou em História e Romanística, acabou trabalhando como revisor e tradutor de revistas em quadrinhos, até ingressar, em 1995, na revista Spiegel, um dos semanários mais importantes da Europa, na função de arquivista.

Tempos depois, promovido a revisor da Spiegel online, surgiria por acaso a oportunidade que mudaria a sua carreira. Naquela época, Bastian enviava, por conta e risco, e-mails bem-humorados aos colegas, aplicando neles sutilmente alguns puxões de orelhas gramaticais.

Tais e-mails chegariam ao conhecimento do editor da revista, que gostou do que leu e o convidou para escrever uma coluna sobre dúvidas da língua. Bastian topou o desafio e em maio de 2003 estreava a coluna Zwiebelfisch (literalmente “Peixe-cebola”, é uma expressão usada em gráficas para dizer que há erro de tipologia em uma palavra; com esse nome, na verdade, Bastian alude a palavras que são usadas de forma incorreta). Foi o início do fenômeno Bastian Sick, que em 2006 chegou a reunir 15 mil pessoas em um ginásio para a “maior aula de alemão do mundo”, devidamente registrada pelo Guinness Book.

O segredo da popularidade
Mais do que passar lições sobre a língua, os textos e as apresentações de Bastian são verdadeiras crônicas humorísticas, repletas de reflexões e provocações.

“O que Bastian faz é mostrar que todos cometem erros com o idioma, mas ele não fica só criticando. Ele faz tudo com humor, com alegria. Ele não é um professor, é mais um entertainer”, diz o austríaco Rüdiger Wetzl, professor de alemão e inglês.

“O objetivo maior dele é que as pessoas tenham mais consciência sobre o que lêem e escrevem. A mensagem que ele deixa é que não se deve ter medo da língua. Língua é alegria”, afirma Rüdiger, que assistiu à palestra de Bastian em Curitiba.

Mas com todo o sucesso e os fãs que conquistou, Bastian viu surgir também uma série de críticos ao seu trabalho. Artigos buscando apontar onde o corretor de alemão havia escorregado pulularam na mídia e neste ano até um livro foi publicado para rebatê-lo: Doente com o Sick? Um passeio pela língua como resposta à coluna Zwiebelfisch (Sick of Sick? Ein Streifzug durch die Sprache als Antwort auf den Zwiebelfisch), do professor André Meinunger, da Universidade de Leipzig.

Diante disso, pergunto a Bastian como ele se sente quando é corrigido. Naturalmente ele responde que também tem dificuldades para ouvir uma crítica, mas afirma que sempre tenta refletir sobre o que dizem dele. Sobre os acadêmicos que policiam os seus passos, ele reconhece que muitos estudam profundamente a língua e sabem do que falam. “Mas não conseguem fazer o que eu faço”, diz. “Eles não são engraçados. Eles são cientistas e cientistas são chatos.”

*Reportagem publicada na Revista Idéias n°85

2008-11-29T01:20:00.007-02:00

Entrevista)))
Língua se aprende por paixão
Foto: Franco Caldas Fuchs

Depois de passar pela Colômbia, Equador, Bolívia, Brasil e Chile, a turnê do jornalista, escritor e entertainer da língua alemã Bastian Sick (foto) terminou na Argentina, no dia 11 de novembro. No dia 30 de outubro, falando pela primeira vez à imprensa na América do Sul, Bastian concedeu uma entrevista momentos antes de sua apresentação em Curitiba. Leia a seguir os principais trechos da conversa.

Existe a possibilidade de os seus livros serem traduzidos para outros idiomas?
Infelizmente a tradução dos meus livros não dá muito certo, o que deixa meus editores um pouco tristes. Afinal eu trato de aspectos específicos e engraçados da língua alemã – regras, ortografia etc. – que não existem em outros idiomas e não ficam bem traduzidos. Além de perderem a graça.

Os shows dessa sua turnê são muito diferentes dos que você faz na Alemanha?
O que venho fazendo aqui são leituras mescladas com algumas projeções de imagens. Na Alemanha é mais um one-man show, com leituras também, porém com mais elementos, como filmes e músicas. Lá as minhas apresentações acontecem em um palco.

Como avalia a qualidade do ensino de alemão na Alemanha?
As conclusões que tiro, a partir do que leio e observo, é que o conhecimento geral da população está diminuindo e o tempo para se dedicar aos idiomas é cada vez mais reduzido.

Há escolas que nem ensinam mais gramática. Então quando alguém vai aprender português, por exemplo, e o professor passa a diferença entre adjetivo e advérbio, aí já é tarde demais porque o aluno já deveria ter aprendido isso na sua própria aula de alemão.

Você teve bons professores de alemão na sua infância e juventude?
Sim, tive bons professores que hoje estão orgulhosos e felizes comigo, especialmente a minha professora do primário que me ensinou a ler e a escrever.

Você se considera um professor de alemão?
Na verdade não. Apesar de que muitas vezes as pessoas me declaram como tal. Na universidade eu até estudei pedagogia, para poder dar aulas, mas depois me dediquei a outras matérias.

Alemão é uma língua fácil ou difícil? Que conselho você daria para quem está começando a estudar esse ou qualquer outro idioma?
Nós alemães também temos dificuldades para aprender russo, mas mesmo assim há quem o aprenda, assim como finlandês, que é também um idioma muito complicado. Não é uma questão do que é fácil ou difícil. As pessoas aprendem uma língua porque têm uma paixão. Seja pela língua mesmo, por um país ou por uma pessoa que more nele.

2008-09-02T13:39:00.009-03:00

Dança)))
Portas abertas ao inesperado
Casa Hoffmann reúne público e artistas em improvisações de dança e música
Fotos: Franco Fuchs

Público da feira é atraído pelo projeto Dança de Portas Abertas.

Domingo de sol em Curitiba. Feira do Largo da Ordem lotada. De repente, parte do povo que saracoteia entre barraquinhas de artesanato começa a se aglomerar diante da Casa Hoffmann. Através de suas portas escancaradas é possível ver lá dentro um grupo de pessoas mexendo o corpo de diversas maneiras possíveis, dando pulos, se arrastando pelo chão...

Tudo isso embalado por uma orquestra do barulho, composta por instrumentos como guitarra, tambores, reco-reco, flauta, sax, berimbau e até didgeridoo (instrumento dos aborígines australianos).

Mais de dez pessoas executam uma espécie de música tribal, feita de improviso, e o detalhe é que muitos desses músicos estão longe de serem considerados profissionais. E isso pouco importa, pois muitos que estão dançando (sim, o que eles fazem é uma dança!) também não são bailarinos profissionais e mesmo assim essa manifestação espontânea não deixa de impressionar.

Tanto que não demora muito e os espectadores mais curiosos vão se sentando no chão da casa. Alguns, inclusive, ante o convite de quem está dançando ou tocando, tomam coragem e embarcam nessa performance coletiva.

E para quem ainda não entendeu o que se passa na Casa Hoffmann (muita gente não sabe que ali funciona o Centro de Estudos do Movimento), um banner postado num canto do salão dá uma pista. Nele se lê: “Dança de Portas Abertas. Entre que a casa é sua. Último domingo de cada mês, das 12 às 14h”.

Tocando didgeridoo, o músico Marco Rangel, do grupo Gaia Piá.

Encontros para o improviso
Implementado desde 2006 na Casa Hoffmann, o projeto Dança de Portas Abertas reúne artistas de diversas áreas e também pessoas que não são ligadas diretamente à arte para a realização de improvisações coletivas – as chamadas jam sessions – envolvendo principalmente a dança e também a música.

Numa jam, tudo pode acontecer, e é isso que leva o ator Lyncoln Diniz a elas. “Sem ter combinado nada, pessoas que nunca se viram acabam se encontrando e se dispondo a interagir. Isso é muito interessante”, diz ele. “No caso do teatro, a gente está acostumado a marcar ensaios em que já levamos idéias prontas. Aqui não. Você entra desarmado”, compara. De acordo com Lyncoln, a sua movimentação surge a partir do “jogo” com quem está no salão. “Eu tento embarcar no que está acontecendo e também propor coisas novas. O importante é esse jogo. Você influencia e é influenciado pelos outros”, explica.

Cena de uma jam session na Casa Hoffmann.

A bailarina e jornalista Bel Nejur também expõe o seu processo de improvisação. “O movimento pode surgir a partir de vários meios”, diz ela. “Tanto a música como a visualização dos outros que dançam podem ser estímulos para a criação”. Mas nem por isso os movimentos que Bel executa são completamente aleatórios. Pela sua formação como bailarina, ela afirma estar ligada com tudo o que acontece ao seu redor e que a dança lhe surge de modo consciente em seu corpo.

Situação que pode ser diversa, por exemplo, de alguém que não é da área de dança e que começa a desenvolver movimentos sem se preocupar com o que está fazendo. “Mas tudo é válido”, ressalta Bel. “Cada um vem para cá com um objetivo diferente. Alguns vêm simplesmente para se divertir e relaxar”.

Popularizando a Casa Hoffmann
Além de estimular a criatividade, de promover reflexões e encontros inesperados entre as pessoas, o Dança de Portas Abertas também serve para aproximar a Casa Hoffmann do público em geral, visto que muita gente acaba entrando nesse espaço pela primeira vez durante o evento.

Administrada pela Fundação Cultural de Curitiba desde 2003, a Casa Hoffmann é sede do Centro de Estudos do Movimento, onde são desenvolvidos uma série de cursos, palestras e apresentações voltadas para a dança.

Serviço
Dança de Portas Abertas. Domingo (31), das 12h às 14h. Entrada livre. Casa Hoffmann - Centro de Estudos do Movimento. Rua Claudino dos Santos, 58, Largo da Ordem. Tel.: 3321-3228.

*Publicado no Espaço 2 do Jornal do Estado (30 e 31/8/8)

2008-09-02T13:24:00.010-03:00

Entrevista)))

“Você pode experimentar
a sensação de ser artista”

Coordenadora de dança da Fundação Cultural de Curitiba e responsável pelo projeto Dança de Portas Abertas, Marila Velloso fala mais sobre as jam sessions que acontecem na Casa Hoffmann. Confira os principais trechos da entrevista.

Francofonia - Quais são os objetivos do Dança de Portas Abertas?
Marila Velloso - Criar um trânsito entre as pessoas que já estão na feira, e uma dança que se faz num equipamento público, a Casa Hoffmann. Além disso, ser espaço de compartilhamento, de fluxo de informação, e também gerar um ambiente para a possível emergência de uma cultura de reconhecer o outro por meio da dança.

Francofonia - Quem normalmente participa da atividade?
Velloso - Depois de dois anos, temos crianças, filhos de feirantes, pessoas que se acostumaram e vêm fotografar, turistas, passantes que param por algum tempo nas portas, bolsistas e estagiários da Casa Hoffmann, alunos da Faculdade de Artes do Paraná, artistas que passam por Curitiba e, cada vez mais, músicos.

Francofonia - O que é feito durante o projeto Dança de Portas Abertas é arte? O público leigo, quando participa da atividade, pode ser considerado artista?
Velloso - Você pode experimentar a sensação de ser artista ao se pôr em relação com esse ambiente contaminado pela música e pela dança. Acredito que a arte faz parte de cada um de nós em diferentes níveis perceptivos e de vivência. Faz parte da humanidade. Porém, ser um artista realmente diz respeito a um investimento de vida que envolve dedicação, pesquisa, criatividade, entre tantos outros fatores.

Francofonia - Quais são as origens dessas jam sessions?
Velloso - Essas sessões de improviso, as jam sessions, surgiram com os músicos de Jazz. Mas muitos artistas da dança, incluindo Merce Cunningham, nos anos 60, também desenvolveram linhas de improvisação, as quais foram se diferenciando entre si. Uma linha que naturalmente é utilizada no Dança de Portas Abertas emerge do “contato-improvisação”, técnica desenvolvida e liderada por Steve Paxton.

2008-08-28T15:25:00.012-03:00

Teatro)))
Thomas Bernhard com espírito curitibano
Na peça Árvores Abatidas, dirigida por Marcos Damaceno, a Viena do escritor Thomas Bernhard parece tal e qual Curitiba

Rosana Stavis encarna o narrador de Árvores Abatidas.

Embora nascido na Holanda e radicado na Áustria, o escritor Thomas Bernhard (1931 – 1989) parecia um curitibano. É o que pudemos constatar em Árvores Abatidas, romance de Bernhard que foi adaptado pela primeira vez para o teatro pelo diretor Marcos Damaceno. A montagem ficou em cartaz durante o mês de julho e início de agosto no galpão que Damaceno utiliza como teatro nos fundos de sua casa, na rua 13 de maio.

“Os vienenses não podem ver uma pessoa boa, importante, e um dia derrubam-na como a um monumento que não lembram que eles próprios ergueram ali.” O que dizer de uma frase como essa, presente em Árvores Abatidas?

Impossível não comparar a autofagia vienense, que é escancarada nessa obra, com a conhecida autofagia curitibana, já descrita por Jamil Snege na crônica Como tornar-se invisível em Curitiba. “Cada vez que alguém, lá fora, reconhecer com isenção de ânimo que você está produzindo obra ou feito significativo – o seu grau de invisibilidade aumenta em Curitiba”, escreveu ele.

Além de tratar do ambíguo sentimento de amor e ódio por uma cidade que esmaga seus talentos como um moinho, Árvores Abatidas expõe também uma série de críticas ao teatro vienense, o que impressionantemente serviu direitinho para o teatro daqui.

Público, atores, diretores, dramaturgos e críticos, todos os elos da cadeia teatral são detonados em Árvores Abatidas, aspecto da obra que foi especialmente destacado na montagem de Marcos Damaceno, inclusive com a citação de nomes de artistas conhecidos, como o diretor e dramaturgo Felipe Hirsch e a diretora e produtora Nena Inoue.

O enredo
No romance publicado em 1984, um escritor cinquentão – muito parecido com o próprio Thomas Bernhard – narra a experiência de ter ido a um jantar repleto de artistas na casa de um antigo casal de amigos, os Auersberger, que, naquele momento, ele não mais suporta.

O jantar, que conta com a presença de um ator veterano do Burgtheater (teatro nacional austríaco), torna-se um martírio para o escritor, ainda mais que, no mesmo dia, pela manhã, acontecera o enterro de sua amiga Joana, também íntima dos Auersberger e de outros convidados.

A adaptação
Narrada em primeira pessoa no livro, essa história ganhou na peça a forma de um monólogo interpretado pela atriz Rosana Stavis, que fez um papel análogo ao do personagem escritor.

Porém, em suas reflexões sobre seus ex-amigos, sobre si e sobre a cidade, o discurso do protagonista no romance de Bernhard é muito mais dispersivo e menos humorístico do que foi apresentado em cena.

Na sua interpretação, em boa parte do tempo, Rosana Stavis levou Árvores Abatidas para uma comédia escrachada, em que as repetições típicas do estilo de Bernhard foram convertidas em recursos cômicos (não muito risíveis para mim).

As insistentes referências feitas ao “ator que até faz telenovela” (“o ator do Burgtheater”, no original), por exemplo, viraram um bordão, realçado com um “plim, plim” saído do violino de Roger Vaz, músico responsável pela trilha sonora ao vivo.

Diante dessa atuação frenética de Rosana Stavis, tão logo a peça começou, confesso que tentei imaginar como ficaria a montagem com uma interpretação mais contida da atriz. O que felizmente vi concretizado nos momentos em que a personagem dela se recordava de Joana, a amiga falecida, e quando ela relembrava de algumas árias que costumava cantar com os Auersberger.

“Como é bonito ficar sentimental de vez em quando”, diz o narrador a certa altura no livro. Pois foi assim, bonito e sentimental, também o final da peça, com a personagem de Rosana declarando o seu amor à cidade e às pessoas que ela tanto dizia que odiava, para então deixar a casa dos Auersberger (o teatro em que estávamos) e ganhar as ruas.

*Publicado também no portal Digestivo Cultural

2008-08-28T15:01:00.014-03:00

Entrevista)))
“Expurgamos a nós mesmos”
Fotos: Franco Fuchs

Diretor de Árvores Abatidas, Marcos Damaceno (foto) fala sobre a repercussão da peça em Curitiba.

Na estréia de uma montagem já é possível saber se um trabalho tem ou não potencial de seguir adiante, conta o diretor Marcos Damaceno. Com Árvores Abatidas, o diretor logo sentiu que a peça teria uma continuidade.

Porém, novas apresentações dessa adaptação (até então inédita) do romance de Thomas Bernhard irão demorar um pouco, explica ele. De outubro a novembro, a sua companhia tem agendada reapresentações da peça Sonho de Outono, do norueguês Jon Fosse, em São Paulo e no Rio de Janeiro.

A idéia é que Árvores Abatidas retorne aos palcos no início de 2009, no próximo Festival de Teatro de Curitiba, avisa Damaceno.

Na entrevista a seguir, o diretor fala de aspectos polêmicos da primeira temporada de Árvores Abatidas e relata como foi a repercussão dessa “bomba” na cidade.

*

Francofonia - Como foi o encontro com o romance de Thomas Bernhard e o estalo de que ele poderia ser transformado em peça? A sua adaptação é mesmo inédita?
Marcos Damaceno - Pelo que pesquisei sim. Até que provem o contrário, é a primeira montagem do romance.

Eu tinha ouvido falar muito do Thomas Bernhard na faculdade, já conhecia o romance O Náufrago, e algumas pessoas haviam dito que o que eu fazia era parecido com o Thomas Bernhard.

Em 2004, estive em um encontro latino-americano de novos dramaturgos em Córdoba. E lá, um dramaturgo espanhol chamado Paco Sarzozo, que era o coordenador do evento, me disse que o que eu escrevia, pela musicalidade, pela construção das frases, era muito próximo ao Thomas Bernhard.

Na verdade, o Paco me indicou dois autores que eu acabei montando. O Thomas Bernhard e o Jon Fosse, que era um cara que estava começando a estourar em 2005.

Quando voltei para o Brasil, montei primeiro o Fosse [Sonho de Outono] e depois resolvi adaptar o Bernhard. Não optei por uma peça de teatro dele porque as suas peças costumam ter homens mais velhos e eu queria muito fazer um solo com a Rosana [Stavis, atriz, esposa de Marcos Damaceno]. Vi essa possibilidade através do Árvores Abatidas.

Francofonia - A montagem de Árvores Abatidas virou na maior parte do tempo uma comédia. Isso foi intencional?
Damaceno - Seguimos alguns caminhos nos primeiros ensaios até encontrarmos o tom geral do espetáculo. O primeiro mês foi só para achar esse tom. E quando vimos que estava ficando muito sério, afinal o protagonista está sempre criticando, falando mal dos outros, ficamos com medo dele ficar arrogante demais. Então buscamos o humor para tentarmos criar uma empatia maior entre a platéia e a narradora.

Francofonia - Esse humor não foi um tanto exagerado?
Damaceno -Temos que lembrar que o exagero é uma característica do próprio Thomas Bernhard. Exagero na linguagem, pela repetição de palavras e frases, e também pela caricatura que ele faz com os personagens quase estereotipados.

Isso causa bastante humor. Os personagens não têm um desempenho naturalista, uma voz naturalista. O Auersberger, por exemplo, é o bêbado. E se ele era para ser o bêbado, o deixamos ainda mais bêbado.

O estereótipo no teatro normalmente é algo depreciativo. “Ah, esse ator está meio estereotipado ou caricato...” Mas aqui buscamos justamente isso, seguindo o Thomas Bernhard, na nossa visão.

Francofonia - Na sua adaptação você deu um novo sentido para o título de Árvores Abatidas. Por quê?
Damaceno - Lendo o romance, você fica esperando o tempo por uma explicação sobre o título e quando ela chega – tudo bem que não sabemos como é no original em alemão –, parece que não é tão significativa.

O ator do Burgtheater fala rapidamente que ele queria entrar na floresta e ser ele a própria natureza. [“Bosque, floresta, árvores abatidas”, diz ele].

Então demos um outro significado para isso, porque ficava claro para nós, enquanto ensaiávamos, que a Joana era uma árvore abatida e as outras pessoas também eram como as árvores da cidade que, quando cresciam demais e começavam a ficar frondosas, eram podadas.

Francofonia - O protagonista de Árvores Abatidas fala muito mal dos artistas que não deixaram Viena. Ficar na cidade ou sair dela é uma questão que sempre passa pela cabeça de todo artista curitibano, não?
Damaceno - Não há mal nenhum em ficar aqui. Curitiba tem fama de ter bons atores, tem uma tradição teatral forte. Mas há sempre esse discurso de que é preciso ir para São Paulo e Rio de Janeiro porque essas cidades continuam sendo os principais centros culturais.

E tem aquela coisa. Se você é o melhor ator de São Paulo, você não é simplesmente o melhor ator de São Paulo. Você é o melhor ator do Brasil. Agora se você é o melhor ator de Curitiba, você é só o melhor ator de Curitiba.

Então todo mundo busca sair. Inclusive nós, que temos procurado ir com nossos espetáculos para São Paulo e Rio, justamente por essa amplitude que você dá para a sua carreira, essa visibilidade.

Francofonia - Será que essa situação não está mudando, de que um artista bom em Curitiba é apenas bom aqui? Na literatura, por exemplo. Há quem diga fora daqui que o maior contista brasileiro vivo é o Dalton Trevisan...
Damaceno - Talvez de tanto se falar que Curitiba é uma província, que Curitiba não se valoriza, sinto que existe agora um movimento contrário. Inclusive de as pessoas montarem mais autores locais, mesmo que sejam adaptações literárias.

Por exemplo, estão montando aqui no Teatro Novelas Curitibanas uma peça a partir de O Mez da Gripe, do Valêncio Xavier. E também se montam contos do Dalton Trevisan o tempo todo. Aliás, já até se fala que o Dalton é o maior dramaturgo curitibano.

Acho que as pessoas estão se preocupando mais com uma identidade curitibana, paranaense, ou sei lá, sulista. Até a minha companhia mesmo. Por mais que a gente tenha montado Thomas Bernhard, a discussão é toda sobre o nosso meio e a nossa cidade.

"E tem aquela coisa. Se você é o melhor ator de São Paulo, você não é simplesmente o melhor ator de São Paulo. Você é o melhor ator do Brasil. Agora se você é o melhor ator de Curitiba, você é só o melhor ator de Curitiba."

Francofonia - O subtítulo do romance Árvores Abatidas (na tradução de Lya Luft) é “uma provocação”. O Thomas Bernhard chegou a ser processado por provocar pessoas reais no livro, não?
Damaceno - Sim. O Thomas Bernhard realmente conviveu com as pessoas descritas no livro. Todas eram reais. A única coisa que ele fez foi alterar o nome do [Gerhard] Lampersberger, que ele colocou no romance como Auersberger.

A gente viu fotos do Lampersberger, fotos da Joana... O Lampersberger era um músico que compunha com o Bernhard. Eles faziam coisas para o palco juntos e depois romperam.

Quando o Thomas Bernhard lançou Árvores Abatidas, o Lampersbereger leu e falou: “espera aí, esse sou eu!” Não há dúvida. E como ele é esculhambado no romance, ele conseguiu proibir a venda do livro.

Depois de alguns anos é que Árvores Abatidas pôde ser publicado na Áustria. Mas aí o Bernhard, um sujeito difícil, escreveu um testamento no qual proibia a publicação e a encenação das suas obras em território austríaco, após a sua morte.

Isso aconteceu mesmo, por um tempo, depois que ele morreu. Mas um meio-irmão do Bernhard conseguiu dar um jeito de derrubar essa decisão judicial e hoje ele é publicado, montado e reverenciado em toda a Áustria.

Francofonia - Na peça, tal como o Bernhard, você cita nominalmente alguns artistas conhecidos. A escritora Jeannie, por exemplo, é às vezes chamada de Nena (em referência à diretora e produtora curitibana Nena Inoue). Em certo momento ela fala que o único dramaturgo bom é o Felipe (em referência ao diretor e dramaturgo Felipe Hirsch) e ambos, Jeannie-Nena e Felipe, terminam detonados pelo ator do Burgtheater. Como foi a reação das pessoas citadas?
Damaceno - Fizemos essas citações justamente para manter esse espírito provocador do Thomas Bernhard. Na verdade não colocamos tanto opiniões nossas. A gente adora o Felipe Hirsch, por exemplo. Assisti ao Não Sobre Amor e achei lindo, a melhor coisa que vi dele.

Mas a gente retrata o nosso meio. Falamos o que as pessoas falam. Em Curitiba existem essas relações de amor e ódio. O Felipe é um caso. Ele é daqui, mantém um escritório na cidade, e as peças dele não vêm para cá. Ele só fala mal de Curitiba, fala mal dos atores, que eles são vagabundos, preguiçosos. Isso até já virou uma guerra: o Felipe fala mal da classe artística e a classe artística fala mal do Felipe.

Francofonia - E quanto à Nena?
Damaceno - Eu tenho uma relação diplomática com ela. Mas ela também não veio na peça. A gente esperou, esperou, mas ela não veio. Parece que a Nena mandou algumas pessoas assistirem para depois contar para ela. Mas o que está lá é o que todo mundo acha da Nena e ela até sabe que todo mundo acha isso.

Francofonia - E como foi a reação das demais pessoas da classe artística?
Damaceno - Da classe teatral o comentário que mais ouvimos foi: “poxa, vocês são corajosos, hein?” Eles se deleitaram. Como diz o narrador no final de Árvores Abatidas, tudo o que todos sempre quiseram falar, mas nunca falam, o ator do Burgtheater falou.

E alguns se identificaram. A Carmen Jorge [diretora, coreógrafa e performer] disse: “nossa, a Joana [que não sabia se queria ser bailarina ou atriz e depois virou coreógrafa] sou eu!” A diferença é que a Carmen Jorge não se suicidou, mas enfim, ela levou na esportiva e não se ofendeu.

Agora muitos também ficaram numa posição cômoda de achar tudo engraçado, mas no final diziam que não era com eles.

Francofonia - Outro aspecto interessante da peça foi mostrar como a autofagia, que pensamos ser uma característica tipicamente curitibana, também aparece em outras cidades como Viena.
Damaceno - A autofagia não é uma peculiaridade só de Curitiba. Talvez nas megalópoles, com São Paulo, isso se dilua um pouco. Mas nas cidades que são do porte de Curitiba a autofagia é algo comum.

Numa leitura dramática que fizemos de Árvores Abatidas, uma menina que era de Belém depois me disse: “nossa, durante toda a leitura eu pensei que vocês estivessem falando de Belém!”

Então pessoas de outras cidades também vestiram a carapuça. Isso é bom, porque não queremos que a peça seja tão curitibana que só sirva para nós, até porque pretendemos viajar com esse espetáculo para outros lugares.

Francofonia - Thomas Bernhard, Jon Fosse, Sarah Kane. Pensando nesses autores que você já montou e também lembrando da peça Sobre Tempos Fechados que você escreveu, percebe-se que você tem um apreço por autores e personagens tristes, sorumbáticos, pessimistas, não?
Damaceno - As pessoas falam que montamos peças muitos pesadas, densas, difíceis. Mas essas peças me instigam, me atraem porque aprendo com elas.

Árvores Abatidas, por exemplo, foi uma reflexão para nós, sobre como se dão as relações entre as pessoas, principalmente as relações entre os artistas de uma cidade como Curitiba. A gente aprende muito. Aprende o que não cometer e como não se transformar nessas pessoas ressentidas. Sempre que se reúnem pessoas cai-se nessa amargura. Um falando mal do outro, essa mesquinharia que na verdade faz parte de tudo quanto é área.

E com Árvores Abatidas expurgamos a nós mesmos. Eu até falo: vamos falar mal de tudo o que tiver que falar. Vamos expurgar isso, para que a gente não guarde esses sentimentos que depois acabam dominando a nossa mente e não nos levam a lugar nenhum.

2008-08-09T00:47:00.005-03:00

Especial)))
O break no Itália
Em Curitiba, um dos locais mais importantes para o break (um dos quatro elementos do movimento hip hop) fica situado no espaço de um shopping
Foto: Franco Fuchs

Break rola desde o início dos anos 80 no Itália.

Meses atrás, o assunto ganhou destaque nos noticiários. No bairro Portão, jovens vestidos no estilo hip hop foram barrados no mais novo shopping da cidade: o Palladium.

Em compensação, praticamente ninguém lembrou que, no centro de Curitiba, outro grupo de jovens com características parecidas se reúne todo sábado à noite, sob a cobertura do Shopping Itália, sem a menor crise.

E isso acontece desde que o shopping foi inaugurado, em 1983, quando os primeiros b-boys (dançarinos de break) curitibanos, como Vilmar, “Aranha” e “Carioca”, elegeram o piso de granito do Itália como o melhor lugar para dançar.

“A jam session [sessão de improviso] do Itália é uma das mais antigas do Brasil e do mundo em atividade”, informa o b-boy Wagner “Baqueta” aos desavisados. Segundo ele, ao longo do tempo muitos redutos tradicionais do break foram se extinguindo, enquanto o espaço no Itália continua firme, atraindo b-boys e b-girls de todos os cantos, sejam eles da velha ou da nova geração.

Patrimônio do hip hop
Considerado, portanto, um verdadeiro patrimônio cultural do hip hop, o Itália é muito bem preservado por todos os b-boys que dele fazem uso. “É um ambiente familiar. Aqui não rola bebida e praticamente nem cigarro”, diz Baqueta, sendo que esse discurso não é só da boca para fora, como a reportagem testemunhou.

O mais interessante é que essa “abstinência”, ao invés de ser imposta, é algo natural para esses b-boys que levam a sério o que fazem e por isso não ousam comprometer suas performances sob os efeitos do álcool ou do tabaco.

Os b-boys revelam que também se esforçam para que nenhum estranho use outras drogas diante do Itália ou piche o espaço que eles tanto lutaram para conquistar.

Por conta disso, a relação que possuem com a direção do shopping é tranqüila. “Não temos nenhum acordo formal com esses jovens, mas mantemos um bom convívio com eles”, diz Silvio Chultiz, da imobiliária responsável pelo prédio do Itália, lembrando que nunca houve reclamação pela presença dos b-boys.

Unidos nessa simbiose, ganham o break, que mantém sua arte viva no coração da cidade, e o shopping, que vira uma espécie de atração turística, mesmo fechado no sábado à noite.

*Publicado no Jornal TiraGosto e na Revista Idéias de agosto

2008-08-09T00:41:00.004-03:00

Especial Break)))
Até acabar a pilha
Nas noites de sábado, o piso de granito do Itália vira palco para as batalhas de dança entre os b-boys
Foto: Franco Fuchs

Roda de break já virou atração turística.

Um sábado à noite no centro de Curitiba. Por volta das 19h, b-boys e b-girls de diversas partes da cidade começam a se reunir em frente ao Shopping Itália.

Entre um papo e outro, alguém então passa o boné e o pessoal faz uma vaquinha para a compra de oito pilhas grandes. Como não há uma tomada disponível no local, são essas pilhas que alimentarão um daqueles rádios portáteis, à moda antiga, que é trazido por algum b-boy de boa vontade.

(Sem existir uma organização formal que regule esses encontros, às vezes acontece de ninguém trazer o som. O que tira muito a graça da noite, mas não impede que os b-boys aproveitem para trocar idéias ou exibam mutuamente os movimentos que treinaram durante a semana).

Democracia na roda
Assim que a música começa a tocar, os b-boys se dispõem em círculo e, de instantes em instantes, um deles toma a iniciativa e vai para o centro da roda de break.

O b-boy começa fazendo o toprock, uma dança em pé na qual ele apresenta o seu estilo, e só depois desce para o footwork, em que ele dança com as mãos apoiadas no chão, agachado sobre os calcanhares. Depois de desenvolver passos variados, normalmente o dançarino termina sua performance com um freeze, isso é, “congelando” um movimento, ao que é imediatamente substituído por outro b-boy.

Como a reportagem pôde verificar, a roda de break é um espaço democrático, em que qualquer pessoa tem a oportunidade de entrar e dançar. Basta um mínimo de coragem ou cara-de-pau para não se intimidar com os olhares atentos de quem fica em volta. Independente de dançar bem ou mal, todo mundo é sempre incentivado com aplausos.

Batalha de b-boy
Diferente das improvisações descompromissadas que acontecem na roda e que são abertas a todos, quando dois b-boys ou duas crews (grupos organizados de b-boys) decidem instaurar uma “batalha”, a dança fica restrita a esses dois lados que vão duelar. E isso só termina quando alguém ou um grupo se dá por vencido (o que demora) ou por algum outro motivo externo, como quando acabam as pilhas do rádio, por exemplo.

“Nessa hora é como se o outro que está dançando fosse meu inimigo”, reconhece o b-boy Émerson “Piolho” sobre esses momentos de competição. Tais pelejas costumam ser tão catimbadas, que quem assiste a um “racha” pela primeira vez pode até ter a impressão de que uma briga de verdade vai estourar a qualquer momento.

Porém não é o que acontece. Os b-boys explicam que as poses de mau e a postura aguerrida de alguns são parte do jogo e, no geral, quando acaba a roda, tudo fica em paz.

Uma paz que significa, é bom frisar, camaradagem, ausência de violência, e não uma interrupção das batalhas. Embates futuros são sempre estimulados, seja para o “perdedor” tirar a desforra ou para o “vencedor” confirmar a sua supremacia no break. Isso faz os b-boys treinarem ainda mais, o que só eleva o nível de todos.

2008-08-09T00:34:00.001-03:00

Por dentro do break

Break, breakdance, breaking ou b-boying (os dançarinos mais puristas preferem os dois últimos termos às outras variantes) é a dança surgida em meados dos anos 70 nos Estados Unidos, dentro da cultura hip hop. É um dos seus quatro elementos, junto com as artes do DJ, do MC e do grafiteiro.

B-boy é o dançarino de break. O termo foi criado pelo DJ Kool Herc, o “pai” do hip hop. Herc chamava de “break-boys” ou “b-boys” aqueles que começavam a dançar quando ele repetia em seu toca-discos a parte instrumental de uma música, o chamado “break”.

Funk, soul, disco e até danças caribenhas influenciaram o break. Movimentos da ginástica olímpica, de kung fu e da capoeira foram igualmente incorporados pelos b-boys.

“Moinho de vento” (o b-boy gira deslizando com as costas no chão), “head spin” (giro de cabeça no chão) e “flare” (giro com as pernas abertas, como aquele feito no “cavalo” da ginástica olímpica) são alguns dos inúmeros movimentos do break.

O break geralmente é dançado ao som de funk americano, de rap com batidas aceleradas ou com mixagens conhecidas como breakbeats.

2008-08-08T23:54:00.008-03:00

Perfil)))
“Até meus 50 anos eu quero dançar break”
João Anselmo Moreira dos Santos, o “Aranha”, conta um pouco de sua história e da história do break em Curitiba
Foto: Franco Fuchs

Aranha: B-boy da velha escola

João Anselmo Moreira dos Santos, mais conhecido como “Aranha”, foi um dos primeiros b-boys e black powers da cidade no início dos anos 80. Mais de duas décadas se passaram e ele continua fiel as suas raízes. Dos pés (que ainda calçam um par de adidas cano alto) à cabeça (com sua indefectível cabeleira black).

João conta que a sua relação com o movimento hip hop começou em 1983, quando ele, que é parnanguara, veio morar em Curitiba após brigar com a sua madrasta. Na capital, como também não se acertou na casa de sua irmã mais velha, a única opção que lhe restou foi morar nas ruas. Tinha apenas 11 anos de idade.

Perambulando sem destino por aí (nessa época sobrevivia oferecendo pequenos trabalhos de casa em casa, muitas vezes em troca de comida), João conheceu alguns moleques que já dançavam break, como Vilmar, “Carioca”, “Celião” e Eddy. João não sabia dançar, mas queria andar com aqueles garotos. Acabou sendo acolhido por eles e logo estava dançando com esse grupo de b-boys diante do recém inaugurado Shopping Itália.

Por que dançar especificamente ali? João responde: “Além do piso ser bom para dançar, ali era o centro de tudo e havia um clima gringo no ar. Era a nossa Nova York”.

Já um b-boy formado, João ganharia o apelido de Aranha depois que tatuou um aracnídeo no braço, e também porque transformou o movimento de break conhecido como “aranha” (em que o dançarino coloca as pernas sobre os ombros) em sua marca registrada.

Estilo brasileiro
Quando o movimento hip hop estava apenas começando em Curitiba e muitos imaginavam que aquilo seria apenas uma moda passageira, João lembra que às vezes pensava: “Um dia essa minha loucura ainda vai ser a de várias pessoas”.

Estava certo. Em pleno século XXI, a cultura das ruas continua atraindo mais e mais jovens da periferia e até de classes mais abastadas. “Os filhos de papai hoje ouvem rap, escutam Racionais… Agora o que é do povo é nosso, eles pensam. Mas não é não”, diz João, indignado com uma banalização que assolou o hip hop.

João também não poupa críticas inclusive a uma parcela de b-boys que praticam o break atualmente. “Eu vejo esse break como uma dança estranha. Antigamente não tinha tanto esse lance de se jogar no chão, de dar cambalhota… São poucos hoje os que dançam realmente em cima [em pé]. Perdeu-se uma essência”, reclama.

Mas independente de todas as mudanças, João, aos 36 anos, faz questão de continuar dançando. “Até os meus 50 eu quero dançar break!”. E do seu jeito: “Não sou xerox de gringo nenhum. Meu estilo é bem brasileiro”.

Comemorando 25 anos de carreira em 2008, tendo participado de grupos como o West Side Breakers, Itália Força Break e Twister Rock Style, e dançado em shows do Sabotagem, Marcelo D2 e Art Popular, João diz que se sente realizado como b-boy, ainda que o break não traga o retorno financeiro que ele merece. Seu maior retorno é mesmo quando as pessoas o reconhecem e elogiam a sua dança.

2008-07-09T16:58:00.010-03:00

Artes cênicas)))
A duplicidade é um eterno enigma
Sem notícias de ti, mon cher é centrada num misterioso par de figuras andróginas

Fica em cartaz até o dia 13 de julho, na Casa Hoffmann, a peça Sem notícias de ti, mon cher, realizada pelos criadores-intérpretes Luis Carlos Zabel e Maíra Silvestre. O trabalho é resultado do programa de pesquisa em dança contemporânea que é desenvolvido no local.

Ao longo de aproximadamente 20 minutos, Luis e Maíra não dizem uma palavra, mas conseguem sugerir uma porção de idéias através da movimentação de seus corpos.

Os atores encarnam duas figuras praticamente idênticas e andróginas. Seus trajes extravagantes (vestem saias brancas plissadas e armadas, corpetes e uma espécie de camisa rendilhada negra, com ombreiras em formato de bolas) emprestam a eles uma aura de nobreza, que combina com as suas posturas corporais.

Com trejeitos que bem poderiam caber a um lorde inglês ou a uma gueixa japonesa, eles reproduzem cenas cotidianas, como uma pausa para um chá ou os momentos que antecedem o sono, e também desenvolvem certas ações que nos deixam com a pulga atrás da orelha, como quando ficam pulando num pé só ou quando se arrastam pelo chão, por exemplo.

E como os personagens de Lewis Carroll, Tweedledum e Tweedledee, eles permanecem sempre juntos, seja dividindo o chá, o tédio ou a insônia. É claro que, ao longo desse convívio, volta e meia surgem pequenos conflitos (a certa altura, eles se dão as mãos, porém cada um vai para um lado), mas fica evidente que eles são inseparáveis.

A todo momento o público é levado a questionar sobre quem são esses dois (seriam irmãos? marido e mulher? representam uma mesma pessoa?) e que tipo de relações eles têm (eles se amam? se odeiam? ou as duas coisas?).

Obra aberta, Sem notícias de ti, mon cher nos estimula a fazer as mais diversas leituras sobre o seu conteúdo, sem cair na chatice e na completa arbitrariedade que assolam muitos espetáculos experimentais por aí. Pela boa dinâmica entre as suas cenas e pela precisão demonstrada por esses jovens atores em suas performances, mesmo o espectador mais perplexo se mantém ligado até o fim da peça.

Serviço
Sem notícias de ti, mon cher. De quinta a sábado, às 20h, e domingo, às 19h. Até o dia 13 de julho. Entrada franca. Casa Hoffmann – Centro de Estudos do Movimento. Rua Claudino dos Santos, 58, Largo da Ordem. Tel.: 3321-3228.

2008-07-07T22:50:00.008-03:00

Cultura underground?)))
Bem-vindo ao museu de horrores!
Jornal TiraGosto visita o museu do IML em Curitiba. Além de corpos fatiados, múmias e calcinhas também fazem parte do acervo

A equipe do Jornal TiraGosto desce ao subsolo do Instituto Médico Legal de Curitiba. É lá, pertinho do necrotério, que se localiza o Museu do IML, que desde 1975 exerce uma importante função educativa para estudantes de ciências biológicas e criminais. Somos recebidos então por Joel Camargo, o curador do museu e que será o nosso guia nessa visita.

Antes de tudo, Joel deixa claro que filmagens e fotografias são terminantemente proibidas. Ele também avisa que a entrada de pessoas mais sensíveis é totalmente desaconselhável. Não foram poucos, segundo ele, os que ficaram chocados ou tiveram enjôos após verem o que estávamos prestes a testemunhar.

Mas como depois dessa advertência ninguém decide retroceder, Joel finalmente nos abre a porta desse inusitado universo. Um forte odor de formol invade nossas narinas.

Uma sala-museu
A primeira impressão que temos do lugar, infelizmente, é um tanto frustrante. Em nossa ingenuidade, esperávamos encontrar um espaço maior e que possuísse um clima bem mais tétrico e misterioso. Em vez disso, deparamo-nos com uma salinha em “L”, que lembra muito aquelas salas de ciências de colégio, com seus esqueletos pendurados e os tradicionais vidros com fetos e animais.

Porém é claro que a quantidade e a variedade de peças do museu supera muito a desses espaços amadores. O fato de as suas paredes estarem forradas com centenas de fotos de pessoas mortas e estraçalhadas é outro aspecto que diferencia instantaneamente o lugar.

O acervo
De início, Joel nos deixa livre para observarmos os recipientes repletos de cérebros, pulmões, corações e muitos outros órgãos. Até que, no alto de uma prateleira, a presença de duas santas ladeadas por crânios nos chama a atenção. “São santas de sua devoção?”, perguntamos a Joel. “Não. Isso foi encontrado num ritual de magia negra e depois trazido para cá”, responde ele.

Nosso guia agora nos exibe partes de corpos embalsamados e inclusive desafia um de nossos jornalistas a segurar uma cabeça mumificada. Perguntamos então a Joel sobre o que havia acontecido com uma perna, completamente disforme e craquenta, que jazia num balcão. “Essa perna mutilada era de um sujeito com elefantíase”, diz ele. “E isso aqui na pele é uma micose severa que acabou tomando a perna toda”.

Num outro lado da sala, pedimos que o curador nos esclareça sobre alguns animais que estão dentro de vidros, como uma cobra, por exemplo. “Uma mulher foi beber água na serra e pôs a boca direto na bica”, explica ele. “Acabou engolindo essa cobrinha”.

Fálicos e letais
Nosso guia agora nos apresenta a uma extensa coleção de objetos que foram introduzidos – de forma letal – em ânus e vaginas. Há uma abóbora, canos de PVC e até mesmo um limpador de pára-brisas, que foi utilizado para empalar um sujeito. Na parede, Joel aponta para uma radiografia em que se vê a mancha de uma garrafa de refrigerante que fora introduzida no reto de alguém.

Em outro expositor, Joel nos mostra diversos psicotrópicos e objetos utilizados por usuários de drogas, como cachimbos e seringas. Próximo desses artefatos, deparamos-nos com algo ainda mais curioso: uma coleção de calcinhas, que foi encontrada com um ladrão fetichista.

As múmias
Destaques do museu são certamente as múmias de três homens, que foram confeccionadas pelo próprio IML na década de 70. Periodicamente, Joel precisa prestar manutenção a esses corpos, com aplicações de álcool e glicerina para que eles não embolorem. Joel também faz questão de aparar cabelos e unhas, que mesmo nos mortos continuam a crescer.

Diante de nossa incredulidade quanto a isso, o curador nos mostra a barba de “Gianecchini” – apelido da múmia com mais pinta de galã. Segundo Joel, o cavanhaque de Giane havia sido cortado recentemente e logo novos fios voltaram a despontar. Nosso guia também pede para que demos uma boa olhada em “Paraibinha”, múmia deste bandido que havia matado várias pessoas com uma foice. De fato, como pudemos comprovar observando uma foto, Paraibinha mumificado está muito mais cabeludo do que quando falecera.

O medo
Trabalhando diariamente no meio de gente morta, teria Joel medo de fantasmas e assombrações? Buscaria ele refúgio em alguma religião? É o que perguntamos ao curador do museu ao fim de nossa visita. Revelando-se católico, Joel afirma que nunca teve problemas com os defuntos, pois sempre fez questão de tratá-los com respeito. E completa: “Eu sei que a gente não está sozinho. Mas até hoje eu nunca vi nada estranho e nem quero ver”.

Para Joel, do alto de seus 29 anos de experiência no IML, medo é preciso ter dos vivos. O curador recorda como, há trinta anos atrás, Curitiba era uma cidade muito mais pacata, onde se podia andar pelas ruas mesmo à noite, sem preocupações. “Vai hoje você passar pela praça Eufrásio Correa às três da manhã. É pedir pra ser assaltado!” Segundo Joel, os bandidos não se contentam mais em apenas roubar uma pessoa. “Por muito pouco eles te estupram, te matam, não estão nem aí. E há quem chame Curitiba de cidade sorriso”.

Diante de toda essa violência e da fragilidade da vida, nosso guia faz questão de nos lembrar de uma lição bastante simples e verdadeira: “A gente deve é agradecer sempre a Deus por estar vivo”.

Serviço
O Museu do IML oferece visitas guiadas, as quais precisam ser previamente agendadas e autorizadas. O museu funciona de segunda à sexta-feira, das 8 às 17 horas. Avenida Visconde de Guarapuava, 2652, subsolo do IMl. Tel.: 3281-5600.

* Publicada no Jornal TiraGosto

2008-06-20T11:38:00.013-03:00

Festival Internacional de Londrina)))

*Leia a matéria sobre o FILO na Revista Idéias de julho

Entrevista)))
A construção do sonho
Foto: Milton Dória

Eugenio Barba (foto) fala sobre o processo de criação do espetáculo Andersen’s Dream

Em entrevista coletiva na quarta feira (18), o diretor italiano radicado na Dinamarca, Eugenio Barba, 71 anos, líder do grupo Odin Teatret, contou um pouco sobre o processo de criação do espetáculo Andersen’s Dream, em cartaz no FILO nos dias 19, 20 e 21 no espaço Vila Cultural Kinoarte.

Segundo Eugenio, ao invés de partir de uma dramaturgia já pronta, as peças do Odin Teatret surgem através de alguns questionamentos propostos pelo diretor e de pesquisas sobre determinados temas.

No caso de Andersen’s Dream, o grupo pesquisava na época - isto é, por volta de 2004 - sobre a escravidão negra no período colonial (assunto que estava sendo levantado pela UNESCO naquele período)

Além disso, como em 2005 seriam celebrados os 200 anos de Hans Christian Andersen, Barba achou por bem aproveitar o mote do escritor dinamarquês – por questões inegavelmente financeiras, explica ele, que assim conseguiu subsídios para financiar seu novo projeto.

Eugenio revela que, apesar de Andersen ser um dos autores mais populares no mundo, principalmente por contos como A roupa nova do rei e O patinho feio, ele ainda não conhecia a fundo a obra de autor. Na infância, por exemplo, a mãe de Eugenio não costumava lhe contar contos de fada, mas sim histórias de origem greco-romana, como sobre o cerco de Tróia, por exemplo.

Porém, assim que começou a pesquisar sobre Andersen, o diretor conta que ficou fascinado com o que descobriu. Principalmente a vida difícil do escritor lhe chamou a atenção, pois Andersen veio de uma família muito pobre e precisou ralar muito até atingir a fama.

Por fim, o conceito de Andersen’s Dream tomaria forma quando Barba encontrou um texto presente em um diário de Andersen. Nele o autor descrevia um de seus sonhos, no qual era convidado a navegar tranquilamente com um rei em seu barco mas, em determinado momento, percebia que estava era em outra embarcação. Agora transformado em um escravo.

Era a ligação que faltava para unir o tema da escravidão com Hans Christian Andersen. Entretanto, como ressalta Barba, o conteúdo da peça não busca apresentar didaticamente aspectos históricos da escravidão ou então abordar diretamente a biografia de Andersen. Justamente, a peça parte desses temas para criar um clima onírico, em que tudo se mistura com uma linguagem poética, simbólica.

2008-06-18T18:43:00.008-03:00

Resenha)))
Sem medo do pastelão
Em Fragments, Peter Brook surpreende o público valorizando acima de tudo a veia cômica de Samuel Beckett

Act without words II, com Marcello Magni (carregando os sacos) e Khalifa Natour (dentro de um deles).

O FILO mal começou no dia 4 de junho e no mesmo dia os ingressos da peça Fragments simplesmente evaporaram. Natural para um espetáculo que é dirigido por ninguém menos do que uma lenda viva do teatro mundial, o inglês Peter Brook.

Felizmente, uma sessão extra dessa montagem construída a partir de textos curtos de Samuel Beckett foi organizada no dia 17 e foi a essa sessão que este resenhista compareceu.

Em um palco quase nu, sem cortinas e com pouquíssimos objetos cênicos, a peça começa com o texto de Rough for Theatre. Dos bastidores, com o palco iluminado, surgem os atores Marcello Magni e Khalifa Natour, que irão interpretar um aleijado e um cego, respectivamente, que se encontram numa esquina fria e cinzenta.

De início, a atuação dos atores é um pouco morna, sem muito impacto, mas aos poucos o público vai sendo envolvido à medida que os personagens revelam os seus dramas – a ponto de o aleijado perguntar ao cego por que ele não se deixa morrer, diante de uma vida tão miserável. Ao que este responde, roubando risos da platéia: “não sou infeliz o suficiente”.

A certa altura, os dois pobres diabos decidem se unir, juntando seus débeis corpos, de modo que um possa suprir a deficiência do outro. Um emprestaria a visão, o outro a locomoção. Mas é claro que a tentativa fracassa e os dois acabam travando uma briga patética. Tudo é cômico e triste ao mesmo tempo. Como a condição humana.

Após isso, o espetáculo adquire um clima bem mais sério e introspectivo quando passa para o fragmento Rockaby, monólogo apresentado pela atriz Hayley Vilatte. Em Rockaby a atriz narra a história de uma mulher solitária, que fica a olhar as janelas a sua frente, na esperança de que pelo menos uma delas se abra e alguém apareça. Hayley demonstra bastante concentração, transmite uma angústia impressionante da personagem, porém parte do público parecia deveras enfadado (o mesmo aconteceria mais tarde, quando Hayley interpretou o conto Neither) com o hermetismo do texto. Sem dúvida, a atriz foi responsável pelos momentos mais sérios da noite, mostrando o que Beckett tem de mais triste e amargo.

De Rockaby, o espetáculo passa para Act without words II, em que Marcello e Khalifa entram em cena novamente, para delírio do público - que ao final de Rough for Theatre já estava nas mãos deles.

Não houve quem não tenha se identificado com os tipos que eles interpretaram, os quais todo santo dia acordam, fazem suas abluções, comem, trabalham, voltam pra casa, rezam e dormem, enfim, tudo sempre igual, ad aeternum. A diferença é que o personagem de Khalifa parece feliz com essa vida metódica, regulada, e o de Marcello não.

Na sequência, o espetáculo retorna para um tom mais introspectivo na interpretação do já citado conto Neither, e termina com um trecho da peça Come and Go. O humor então volta a invadir a sala do Teatro Filo quando Hayley, Marcello e Khalifa se transformam nas três amigas (neste trecho pinçado por Brook elas já são três velhas caquéticas) inseparáveis e mexeriqueiras. O público ri à beça – principalmente por ver Marcello e Khalifa vestidos de mulher – e, no fim, retribui as muitas risadas com aplausos na mesma proporção.

2008-05-21T18:04:00.008-03:00

Crônica)))

O capoeira solitário no meio da praça

Tanto pode ser um velho mestre quanto um velho louco, penso eu. Ou as duas coisas. Quem sabe? O caso é que, em algumas segundas e quartas-feiras, por volta das 20h30, tenho visto um senhor, de uns 50 anos pra mais, jogando capoeira sozinho na praça Khalil Gibran.

Imaginem um senhor magrinho, de estatura mediana. Tem cabelo curto cortado à maquina e costuma estar vestido com uma camiseta velha, normalmente branca, e uma calça de moletom. Conseguem visualizar mais ou menos a figura?

Pena que, cada vez que eu o encontro na praça, só posso observá-lo por poucos minutos. É o tempo em que o capoeira permanece no meu campo de visão enquanto caminho do tubo do Passeio Público até o Centro de Línguas da UFPR, onde tenho aula nesse horário.

Infelizmente também, nesse período em que o flagro, só posso acompanhar o que imagino ser o seu aquecimento. Até hoje nunca o vi desferindo golpes ou cambalhotas mirabolantes. Quando o vejo ele está sempre a aplicar chutes trôpegos ou está entretido em estranhos alongamentos e flexões, como uma criança que brincasse consigo mesma.

Apesar disso, desde a primeira vez que vi esse senhor, confesso que fiquei pasmo. Como já disse, não pela audácia dos seus movimentos, mas pela seriedade que ele sempre demonstrou em suas performances.

Está sempre compenetrado. Determinado. E talvez é isso que cria uma aura de respeito sobre ele, uma aura capaz de inibir possíveis gracinhas que viriam de jovens gaiatos do Colégio Estadual que, volta e meia, passam por ali.

“Mexe comigo. Mexe comigo pra você ver!”, é o que o seu corpo parece nos advertir, em seu gingado ébrio. “Toma na fuça!”, avisa o velho mestre, com um golpe de olho.

2008-04-11T16:02:00.008-03:00

Entrevista)))
Ela é a mãe de “Jesus”
Ou melhor: criadora do personagem
Montgomery Marcelino Jesuíno de Jesus
Foto Alessandra Haro

Confira a entrevista com a dramaturga Léo Glück (foto), autora da polêmica peça Jesus vem de Hannover

No mês de fevereiro, inúmeros cartazes com a inscrição Jesus vem de Hannover começaram a surgir em paradas de ônibus pela cidade. Uma porção de gente ficou intrigada. Seria uma mensagem de alguma igreja neopentecostal?

Uma análise mais acurada mostrava que não. Era apenas o nome de uma peça da dramaturga Léo Glück, e que foi encenada, com a direção de Henrique Saidel, pela Companhia Silenciosa (grupo mantido por Léo, Henrique e mais Giorgia Conceição).

Desde a sua estréia no Teatro Novelas Curitibanas, Jesus... dividiria opiniões e seguiria causando polêmica ao se apresentar também na mostra Fringe do Festival de Curitiba.

Na entrevista a seguir, a dramaturga Léo Glück – que também atuou na peça – rebate críticas, esclarece alguns temas explorados na montagem e revela um pouco do seu processo criativo como escritora.

*

Francofonia – Dois jornalistas na mídia curitibana chamaram o espetáculo de vocês de amador. O que você tem a dizer a essas pessoas e sobre isso?
Léo Glück – É falta total de referência. Todos têm o direito de não gostar e até de odiar o espetáculo. Mas daí a não enxergar o básico, já é falta de fontes, sabe? Imagine: disseram que o figurino era improvisado! Eu não entendi uma colocação assim. Ficou parecendo birra.

Eu posso não gostar de algumas peças, mas consigo também reconhecer se elas têm qualidade técnica ou não. Por isso acho que esses comentários foram feitos por gente completamente despreparada. Mas o Nelson de Sá, gente que realmente importa, falou bem da peça no blog Cacilda [da Folha de S. Paulo]. Pelo menos ele é abalizado.

Francofonia – E como estão sendo as reações do público em relação à peça? [A entrevista aconteceu no período do Festival de Curitiba]
Glück – No Festival tem bem menos gente vendo porque a concorrência é grande e, às vezes, desleal. Mas muita gente adora e se diverte (leigos, em geral), enquanto outros saem odiando.

Francofonia – Você se sente uma incompreendida com os seus textos?
Glück – Sinto me incompreendida inúmeras vezes. Mas não me importo com isso. Um espetáculo (a arte, em geral) não serve para "explicar" nada. E se tem gente que tem isso como expectativa, que pena. Vão se frustrar cada vez mais.

Francofonia – Como surgiu o texto de Jesus vem de Hannover?
Glück – Faz uns dois anos e meio que escrevi a peça. Sentei na frente do computador, com tudo ligado: som, televisão, e a escrevi em algumas horas... Em cinco, acho.

Francofonia – Você chegou a mexer no texto depois? Costuma reescrever suas peças?
Glück - Não mexi em nada. Não gosto de mexer nos textos depois de "prontos". A não ser que seja uma necessidade específica da montagem. Mas Jesus... não sofreu nenhuma alteração.

Francofonia – Bem, mas de onde nasceu a idéia de criar esse controverso personagem-título, e por que fazê-lo vir especificamente de Hannover?
Glück - A idéia do título eu tive antes de escrever a peça, tomando café num bistrô. Gosto de anotar títulos que acho interessantes. Tenho várias peças inéditas que foram escritas assim, a partir do título, como The Mango Tree, Stoccarda, Linda Blair Entra Na Sala, Fellatio...

Francofonia – Você imaginava que esse título ia deixar as pessoas assim tão instigadas? E que ele seria uma espécie de pegadinha?
Glück – Não, mas da maneira que foi feito o "marketing" em torno do espetáculo, acabou causando isso. É pretensão das pessoas achar que o Jesus é Cristo. Porque ninguém pensa que pode ser outra coisa, que pode ser um sobrenome, como é, aliás.

Francofonia – E quanto aos nomes de Saddam e Napoleão que são mencionados na peça? Eles são quem pensamos?
Glück – Esses são! É ironia, na verdade. Megalomania.

Francofonia – Você pensou em discutir ideologias com a sua peça?
Glück – A ideologia da bandeira esfarrapada, talvez?

"Um espetáculo (a arte, em geral) não serve para 'explicar' nada. E se tem gente que tem isso como expectativa, que pena. Vão se frustrar cada vez mais."

Francofonia – Num primeiro momento, não consegui identificar muitas questões ideológicas sendo discutidas, como algumas pessoas identificaram. Particularmente, vi sim um monte de piadas...
Glück – São várias as questões ideológicas, em minha opinião (embora a minha opinião não seja em nada definitiva). Eu só não acredito que tomar partido seja a melhor maneira de se interpretar qualquer ideologia. E isso está em todos os nossos trabalhos. É realmente uma pena que você só enxergue piada ali. Sempre tentamos dar vez ao microcosmo para falar de assuntos mais "globais". Senão vira panfleto, engajado e "politicamente correto".

Francofonia – Você acha então que Jesus... chega a ser uma peça política e não uma peça trash sobre ciborgues?
Glück – Acho que esta é a peça mais política que já fizemos. Não é uma peça sobre ciborgues. Acho que se trata mais de uma alegoria sobre como estamos sendo invadidos por sistemas não-humanos. Você já foi ao banco e a máquina te disse: "Sistema fora do ar"?

Francofonia – É verdade que a peça aborda a questão da desumanização. Mas talvez essa e outras questões importantes fiquem um tanto ofuscadas pela quantidade de informação que vocês nos bombardeiam... Numa saída da peça, ouvi pessoas dizendo que estavam boquiabertas, perplexas com aquilo tudo.
Glück – Entendo... Mas não confunda 'quantidade de informação' com 'piada'...

Francofonia – Mas as piadas fazem parte dessa massa de informações. Ou não?
Glück – Mas nem chega a ser uma parte tão grande assim... E talvez o que você queira dizer com piada seja o invólucro com o qual a informação está embalada.

Francofonia – Outra coisa que ouvi de algumas pessoas é que a presença de inúmeras digressões absurdas na peça – à la Quentin Tarantino – também causa um certo incômodo. Afinal é todo um discurso que não leva a nada...
Glück – Não temos digressões a valer na vida? Por que não podemos ter na arte? Ou sua vida é dividida cartesianamente em atos? Muita coisa não leva a nada. Acho que Jesus... nem pretende levar ninguém a nada. Reflexão é exercício.

Francofonia – Talvez as pessoas sintam falta de encontrar algo mais profundo na peça...
Glück – Mas se elas não ouvem nada de profundo ali, que fujam loucas! Você acha que não tem? Há uma parte do texto, que é a minha preferida. Está na cena chamada "Desejos Glaciais". Se você não percebe o sentido disso, falhou em tudo...

Francofonia – É quando os aquecedores presentes no teatro são ligados?
Glück – Sim, sim... Calor humano artificial... Aquecimento global... “Seremos substituídos por robôs!” [diz uma das falas na cena]

Francofonia – E sobre a influência do futurismo (o movimento artístico europeu do início do séc. XX)? O futurismo valorizava a guerra, a máquina, a juventude, a velocidade... Isso tudo está muito presente na peça, não?
Glück – Sim, tem tudo isso... Fugacidade, efemeridade. E amor! O futurismo, junto com dadaísmo, é uma das nossas referências, com certeza. Mas esse futurismo também aparece com cara de "ideologia fracassada do passado" às vezes.

Francofonia – Você acabou de falar em “amor”, mas onde ele está na peça?
Glück – Não está. É sobre isso que falamos.

Francofonia – Há mais alguma coisa que você queira dizer sobre Jesus...? Você crê nele?
Glück – Acho que eu mesma não creio em Jesus nenhum!

Francofonia – Tem alguma religião?
Glück – Tenho um lado espiritual independente de religiões...

*Publicada na Revista Idéias nº78

2008-04-11T15:23:00.010-03:00

Dança de salão)))
Hoje tem "Noite de Dança Latina"
Show de tango é uma das atrações da noite

A primeira "Noite de Dança Latina" da temporada 2008 acontece hoje no Capri Eventos (Rodovia do Café, 3001). A festa começa às 22h e vai até as quatro da manhã ao som de ritmos como a salsa, o samba de gafieira, o tango e o zouk.

Promovida desde 1999 pelo Centro de Dança Latina Walmir Secchi, a "Noite de Dança Latina" é considerada o maior evento de dança de salão do Brasil, tendo reunido mais de 28 mil pessoas ao longo de suas edições.

Segundo Walmir Secchi, diretor do centro de dança que leva o seu nome, o objetivo da festa é "resgatar a dança a dois com aquele encanto de antigamente, porém com uma energia atual".

Serviço
Noite de Dança Latina. Sexta-feira (11), a partir das 22h00, no Capri Eventos. Rodovia do Café, 3001. Informações sobre ingressos e reserva de mesas pelo tel. 3335-4141, ou pelo site www.danca.com.br

2008-03-31T04:38:00.013-03:00

Festival de Curitiba)))
Artistas protestam contra a censura no Festival
No sábado (29), integrantes do grupo Heliogábalus realizaram uma manifestação em frente ao Memorial de Curitiba

Cena final da peça Scarroll (foto) foi censurada pela organização do Festiva de Curitiba.

19h30 de sábado (29), penúltimo dia do festival de teatro. Uma aglomeração se formou em frente ao Memorial de Curitiba. Trajando um capote listrado como uma zebra, acompanhado de cueca samba-canção e coturnos, o ator curitibano Ricardo Nolasco bradava aos quatro cantos do Largo da Ordem - amplificado por um barulhento megafone - o seu manifesto “Ninguém terá um fim mais heróico do que eu” (leia o na íntegra, abaixo).

Ricardo também se posicionava contra o ato de um suposto policial que apontou uma arma para os atores da peça O Abajur Lilás no dia 23, e protestava contra a censura que o grupo Heliogábalus, do qual faz parte, sofreu com a peça Scarroll.

Segundo Ricardo, a organização do Festival de Curitiba não deixou que a última cena da peça fosse encenada. Nela, entre outras coisas, Ricardo deveria sair da Casa Vermelha, onde a montagem acontecia, e ganhar a rua, vestindo um avental de cozinha e nada mais.

No protesto feito nessa gelada noite de sábado, Ricardo aproveitou igualmente para reclamar que a produção do festival não quis deixar o seu grupo utilizar a estrutura da Casa Vermelha como um todo. “Queriam que usássemos apenas um dos salões e que o espaço fosse usado como um palco frontal, como as outras companhias estavam fazendo. Só que não foi essa a proposta que a gente encaminhou e que o festival tinha aprovado”, disse Ricardo.

Queimando dinheiro
Durante o protesto, Ricardo pedia às pessoas “uma contribuição em nome de Jesus”, tal como um pastor de igreja. E para a surpresa de todos, depois que uma atriz passou pedindo dinheiro, surgiu um jovem de terno, que tirou R$ 60 do chapéu da atriz e pôs fogo nas notas. Com elas, acendeu um cigarro.

“Senhor Jesus Cristo! Eles queimaram dinheiro!”, espantou-se um rapaz cabeludo, que acompanhava a manifestação. Muitos se perguntaram se as “araras vermelhas” eram mesmo de verdade. Eram, como se mostrou depois. Porém, ao contrário de como ficou parecendo, as cédulas queimadas não vieram das contribuições (que talvez não tenham chegado a cinco reais), mas sim do jovem abonado que as incendiou. “Foi um ato simbólico para mostrar que participar do festival é queimar dinheiro”, explicou o incendiário, amigo do grupo Heliogábalus.

“Temos que pagar, como aluguel do espaço, R$ 60 reais por dia de apresentação, sendo que o festival e os impostos ainda ficam com 30% da nossa bilheteria”, disse Ricardo. Ele argumenta que, com as despesas que arcaram, o festival deveria ter oferecido uma estrutura melhor.

My heart will go on
Para encerrar a manifestação, Ricardo e mais uma atriz – que também estava sem calças – deram uma volta pelo Largo da Ordem ao som de uma versão eletrônica de “My heart will go on”, saída diretamente do megafone.

“Posso te falar uma coisa?”, ainda diria um velhinho para Ricardo, quando tudo terminou. “Você é chato pra caralho!”. O ator deu de ombros.

*

Leia o manifesto “Ninguém terá um fim mais heróico do que eu”, de Ricardo Nolasco.

“Não há dramaturgia somente de palavras. Não acreditamos nas palavras. E este é o nosso velho discurso. O nosso velho modismo de sempre. Já repetido um milhão de vezes. Talvez apenas algumas vezes a menos do que são repetidos os grandes textos. Os textos dos grandes autores. A verborragia do verdadeiro teatro. Os textos que realmente dão trabalho para serem feitos.

Pouco importa se desde Artaud já se grita contra a unilateralidade da palavra falada, e únicamente falada. Afinal, o teatro é e segue sendo a arte da palavra falada: e jamais da palavra realizada. Incompetência mesmo.

Por milênios já se fez este teatro que todos querem. É preciso informar mas há algum tempo já se clama por um outro. Por uma nova possibilidade. Estamos falando do mito. E só dele. E só nos interessamos por ele. O mito que desgasta, que tenta a todo custo se enquadrar, permanecer.

Porém os imortais já acabaram. Já padecem em seu paraíso. Será que alguém se importa com o que veio depois do Expressionismo? Falta você ser amado. Falta ser excitado. Faça voltar a escorrer algo desta tua boceta seca. Deste teu pau envilecido, envelhecido. O mais heróico dos homens é aquele que percebe que o tempo passou. Apenas deita em sua cova e sabe que é hora de morrer.”

2008-03-25T18:48:00.006-03:00

+ Festival de Curitiba
Fernando Bonassi com sotaque alemão
Vinda da Alemanha, Companhia de Tearte apresenta Prova Contrária, adaptação de um romance de Fernando Bonassi que trata das agruras de um casal que militou contra a ditadura

Em Prova Contrária, um homem retorna para sua mulher 20 anos depois de ter desaparecido.

Num momento em que as discussões a respeito da ditadura estão em evidência na mídia – seja pelo aniversário de quatro décadas do ano de 1968, quando foi instituído o Ato Institucional Número Cinco, ou pela minissérie Queridos Amigos, exibida pela rede Globo –, o enredo da peça Prova Contrária (Fringe), que acontece nos dias 26, 27 e 28, no Teatro José Maria Santos, torna-se ainda mais pertinente.

Um homem que participava de movimentos contra o regime militar, e por conta disso estava desaparecido desde 1974, retorna misteriosamente para sua esposa, 20 anos depois de seu sumiço. Isso acontece bem no dia em que a mulher comemora a compra de um apartamento adquirido graças à indenização recebida pela suposta morte do marido.

Outro aspecto interessante da peça – que é uma adaptação de um romance de Fernando Bonassi, publicado em 2003 –, é que a Companhia de Tearte, responsável pela montagem, reúne artistas do Brasil e da Alemanha.

Origem alemã
Oriunda da cidade de Passau (que fica no estado da Baviera, no sudeste da Alemanha), a Companhia de Tearte é dirigida pela professora brasileira Virginia Sambaquy-Wallner, que ministra aulas de português e também realiza seminários e peças a partir de autores brasileiros na Universidade de Passau.

Em 2007, o grupo encenou Morte e Vida Severina, e em 2008 foi a vez de Prova Contrária, que teve sua pré-estréia em janeiro, num teatro da cidade, com legendas em alemão.

“A recepção da montagem pelos alemães foi muito boa”, afirma Lucas Soares Barreto, ator brasileiro que faz o papel do homem desaparecido e é também responsável pela composição da trilha sonora da peça.

Segundo Lucas, quem for assistir a Prova Contrária verá “uma história de amor, política e solidão”. “E uma peça que trata principalmente do sofrimento dos familiares das vítimas da ditadura, que ficaram sem saber onde e como estavam seus entes queridos”, complementa a atriz alemã Verena Bräler, que faz o papel da esposa.

Os dois atores adiantam também que a montagem apresenta três finais possíveis, que colocam em xeque tanto os motivos da volta do marido desaparecido, como se esse retorno é de fato sonho ou realidade.

Serviço
Prova Contrária (adaptação do romance de Fernando Bonassi). Direção: Virginia Sambaquy-Wallner. Companhia de Tearte (Alemanha). Dias 26 às 21h; 27 às 12h e 28 às 18h, no Teatro José Maria Santos. Ingressos a R$ 14 e R$ 7 (meia).

*

Prova Contrária na Usina de Idéias

Dentro da programação da Usina de Idéias no Festival de Curitiba, a Companhia de Tearte promove um debate com a presença do escritor Fernando Bonassi, autor de Prova Contrária, do músico e encenador Flávio Stein, e dos professores Walter Lima Torres (UFPR), Paulo Venturelli (UFPR) e Susanne Hartwig (Universidade de Passau-Alemanha).

A mesa-redonda acontece no dia 27, às 18h, no espaço A FÁBRIKA (Reinaldino de Quadros, 33, acesso pelo Instituto Goethe). A entrada é gratuita.

Serviço
Mesa-redonda com o escritor Fernando Bonassi e especialistas em literatura e teatro. Dia 27, às 18h, no espaço A FÁBRIKA (Reinaldino de Quadros, 33, acesso pelo Instituto Goethe). Entrada gratuita.

2008-03-25T18:05:00.004-03:00

+ Teatro
+ Reportagem Especial
Quem escreve o nosso teatro?
Em Curitiba, a maioria dos diretores incorpora a função de dramaturgo

A figura emblemática do dramaturgo, como um Nelson Rodrigues, artista que apenas escrevia e não estava envolvido com outros processos de encenação, é coisa rara no meio teatral curitibano dos últimos tempos. Basta olhar nos anuários de teatro ou nos programas das peças para se perceber como, no geral, são os nossos diretores (que muitas vezes também atuam) que escrevem ou fazem adaptações de textos.

Diante desse quadro, este repórter indagou a artistas e estudiosos do teatro o motivo de existirem hoje tão poucos profissionais exclusivamente ligados à dramaturgia. Alguns dos reflexos em nossa cena local, gerados por essa fusão entre diretores e dramaturgos, também foram levantados.

Primeiramente, o professor do curso de especialização em Literatura Dramática e Teatro da Universidade Tecnológica Federal do Paraná (UTFPR), Ismael Sheffler, lembra que a falta de recursos financeiros é um dos fatores que faz as companhias reduzirem os seus membros. “Essa redução de pessoal acaba atingindo os dramaturgos também”, diz ele.

Tal argumento também é colocado por Jader Alves, diretor e professor do Teatro Lala Schneider: “O teatro se tornou uma área complicada para se sobreviver e por isso exige que as pessoas sejam mais versáteis”. Ele conta que muitas vezes não há como se pagar um dramaturgo, ou mesmo outro profissional, como um iluminador, por exemplo. “E é por isso que em Curitiba, não raro, há pessoas que dirigem, atuam, escrevem e ainda cuidam de outras funções. Se é difícil sobreviver fazendo teatro como um todo, sobreviver apenas escrevendo peças é quase impossível”.

Apesar dessa questão econômica, o professor Sheffler aponta casos em que o próprio diretor faz questão de escrever o texto a fim de imprimir a sua “voz” num espetáculo, tendência que se tornou forte a partir da segunda metade do século XX, quando o texto também passou a ter uma importância menor nas encenações.

Questão prática
Edson Bueno, outro exemplo de artista polivalente – por dirigir, atuar e escrever para o Grupo Delírio – arrisca que essa incorporação da função do dramaturgo pelo diretor é algo que passou a acontecer em Curitiba a partir da década de 70. “Até essa época existia ainda uma figura forte do dramaturgo. Mas isso foi mudando e um espetáculo hoje já surge da idéia de montagem”, diz ele. “Além disso, um diretor que possua uma companhia, por uma questão prática, prefere muitas vezes escrever um texto sob medida para os seus atores, ao invés de procurar o texto de uma outra pessoa”.

Entretanto, o ator, diretor e dramaturgo César Almeida, da companhia Rainha de 2 Cabeças, levanta um aspecto negativo sobre esse tipo de dramaturgia: “Quando você escreve pensando nos limites da sua companhia, isso influencia o desenvolvimento pleno da sua criatividade. Você acaba pensando sempre de forma modesta”. Segundo César, em países em que as verbas são mais abundantes para o teatro, os dramaturgos podem ousar muito mais. “O Robert Lepage [diretor e dramaturgo canadense], por exemplo, faz um trabalho maravilhoso. Mas porque ele tem a possibilidade de encenar as loucuras que ele inventa. A possibilidade de encenação dele é ilimitada”.

Faltam publicações
Outra questão que se pode levantar é que esse grande número de “direturgos” não costuma se importar tanto com a publicação dos seus textos, por naturalmente estarem mais preocupados com as suas encenações.

Fátima Ortiz é uma das poucas dramaturgas curitibanas que possui um livro publicado (Coleção 4 textos de teatro para crianças: Batimpaz; Pinha, Pinhão, Pinheiro; Era uma vez outra história; Ari Areia, um grãozinho apaixonado) junto com o marido Enéas Lour, também dramaturgo. Ela reconhece que “no geral, as pessoas escrevem pensando no seu grupo, na sua peça. Não pensam muito que um texto pode transcender a montagem e ficar registrado. Às vezes o dramaturgo nem chega a ter um texto bem acabado”, diz.

César Almeida é outra exceção na cidade por ter editado suas peças na antologia O Teatro da Rainha de 2 Cabeças. Segundo ele, uma publicação é válida “tanto como registro histórico, como para mostrar para outras pessoas que existe uma dramaturgia sendo feita aqui”. Depois que publicou seu livro, três companhias de outras cidades já montaram peças suas, conta César. “É aí que você vê como um livro é um veículo importante. Levar uma montagem para fora está cada vez mais difícil, já a sua dramaturgia pode ser capaz de chegar em outros lugares”, conclui.

Desinteresse das editoras
Os artistas e especialistas também são unânimes em lembrar como é difícil de se publicar teatro contemporâneo no Brasil. Questionada sobre a existência de editoras que façam isso, a professora da Universidade Federal do Paraná (UFPR), Marta Morais da Costa, especialista em dramaturgia brasileira, apenas dá risada. E depois explica: “O Serviço Nacional de Teatro (SNT), depois o Instituto Nacional de Teatro (Inacen), que o ex-presidente Collor extinguiu, publicavam teatro. Depois os autores ficaram nas mãos das editoras comerciais, que tradicionalmente publicam pouca poesia e nenhum teatro”.

Responsável pela produção editorial da Travessa dos Editores, Rubens Campana reconhece que a procura do público por peças ainda é baixa no Brasil e, portanto, há pouco interesse comercial em publicá-las. A própria Travessa dos Editores só possui uma única peça em seu catálogo – Céu de Lona, de Décio Pignatari. Porém, Rubens lembra que recebe pouquíssimos originais de dramaturgos e sugere que eles próprios se articulem para publicar seus trabalhos.

A utilização de leis de incentivo por meio da Fundação Cultural de Curitiba (como fizeram César Almeida e Fátima Ortiz com seus livros) ou de editais promovidos pela Fundação Nacional de Artes (Funarte) pode ser uma saída para que a dramaturgia curitibana seja preservada e não desapareça com o fechar das cortinas.

Alguns dos poucos dramaturgos que possuem peças editadas em Curitiba

César Almeida: O Teatro da Rainha de 2 Cabeças, 2004. Edição do autor, por meio de lei de incentivo.

Hugo Mengareli: O incrível retorno do cavaleiro solitário, 1996. Editora da UFPR.

Fátima Ortiz e Enéas Lour: Coleção 4 textos de teatro para crianças: Batimpaz; Pinha, Pinhão, Pinheiro; Era uma vez outra história; Ari Areia, um grãozinho apaixonado, 1998. Edição dos autores, por meio de lei de incentivo.

* Publicada no Caderno G da Gazeta do Povo 22/03/08

2008-03-25T17:56:00.003-03:00

+ Teatro
+ Reportagem Especial
Quando todos são “autores”
O processo de criação coletiva não é o mais utilizado em Curitiba, mas prova que é capaz de gerar bons resultados

Muito popular nos anos 60 e 70, o sistema de “criação coletiva” de um texto teatral hoje é utilizado em uma escala bem menor pelos grupos existentes em Curitiba. Mesmo assim, a peça vencedora do Prêmio Gralha Azul de melhor espetáculo em 2007 teve seu texto construído a partir da colaboração de uma equipe.

Segundo o diretor Roberto Innocente, diretor da premiada Aconteceu no Brasil enquanto o ônibus não vem, a peça surgiu das pesquisas do grupo A Arte da Comédia sobre a commedia dell’arte – gênero italiano surgido no século XVI, famoso pelo uso de máscaras.

Com o objetivo de montar um espetáculo que abordasse a realidade e os problemas brasileiros, todos os integrantes da Arte da Comédia passaram a trazer material teórico sobre o assunto. Depois, Roberto escreveu um roteiro, de acordo com ele “bem simples”, que foi utilizado como base para improvisações dos atores. “Daí é que surgiram tanto as piadas como as referências históricas da peça, e o texto então foi construído com os atores já em cena”, diz Roberto, que posteriormente apenas organizou e burilou o resultado final.

A diretora e dramaturga Sueli Araújo, que também utiliza um método parecido em sua companhia, a CiaSenhas de Teatro, ressalta, entretanto, que essa forma de criar um texto difere um pouco da que era empregada nas décadas de 60 e 70. “Antigamente, nesse teatro coletivo havia uma questão ideológica de se romper com as hierarquias. Todos faziam tudo e era uma posição contra um teatro burguês que existia”, afirma. “Hoje, ao invés de uma ‘criação coletiva’, é mais correto dizer que existe um ‘processo colaborativo’, em que os componentes de um grupo se articulam para criar um conceito juntos”, explica. “No período de preparação de uma montagem, um diretor levanta propostas que são discutidas por todos, assim como um ator interfere no texto do dramaturgo e este pode interferir na cena do ator. Porém, no fim, as funções de cada pessoa são bem delimitadas, ao contrário do que acontecia no passado”.

A “criação coletiva” na história
Na história do teatro, a criação coletiva já estava presente principalmente no gênero da commedia dell’arte, surgido na Itália do século XVI, visto que as peças eram construídas a partir das improvisações dos atores. Bem mais tarde, na década de 60 do século XX – também por circunstância dos movimentos contraculturais que eclodiam, valorizando a coletividade e a anarquia –, a criação coletiva começou a ser utilizada por grupos de vanguarda como o Living Theatre, nos Estados Unidos, e o Théâtre du Soleil, na França.

O Living Theatre, em especial, visitou o Brasil nos anos 70 e trouxe essa influência ao Teatro Oficina, do diretor José Celso Martinez Corrêa. Um pouco depois apareceram grupos como o carioca Asdrúbal Trouxe o Trombone (que revelaria gente como Regina Cazé e Evandro Mesquita) e o paulistano Pod Minoga (de onde sairia o ator Carlos Moreno, o eterno garoto propaganda da Bombril) que também fizeram uso da criação coletiva.

Em Curitiba, segundo a professora da Universidade Federal do Paraná, especialista em dramaturgia brasileira, Marta Morais da Costa, esse processo coletivo começou a ser empregado no final dos anos 60, por grupos experimentais que se apresentavam no Teatro de Bolso – pequeno teatro que ficava na praça Rui Barbosa – e pelo grupo Escala, do diretor Oraci Gemba.

2008-03-12T14:24:00.010-03:00

+ Premiação do teatro curitibano
Noite de Gralhas Azuis
“Aconteceu no Brasil enquanto o ônibus não vem” foi a grande vencedora da 28ª edição do Troféu Gralha Azul

Foto: Centro Cultural Teatro Guaíra

Raquel Rizzo e Zeca Cenóvicz: mestres de cerimônia na festa de ontem.

A commedia dell’arte bem à brasileira “Aconteceu no Brasil enquanto o ônibus não vem”, do diretor italiano Roberto Innocente, foi a grande vencedora da noite, ontem (11), na festa do Troféu Gralha Azul.

Neste evento que celebrou os melhores espetáculos e artistas do teatro curitibano em 2007, a peça “Aconteceu no Brasil...” levou os gralhas de Melhor Espetáculo, Melhor Direção, Melhor Atriz e Melhor Adereço, e mais o Troféu Epidauro, concedido pelo Consulado da Grécia.

O monólogo “Pessoalmente Fernando”, dirigido por Àldice Lopes, e a comédia “O Burguês fidalgo”, dirigida por Humberto Gomes, também estiveram entre os espetáculos mais premiados ontem no Auditório Salvador de Ferrante, levando três prêmios cada um.

A comissão julgadora desta edição do Troféu Gralha Azul foi composta por Regina Vogue, Margie Rauen, Bia Reiner, Jane D’avila e Hermes Patzsch.

Números
59 espetáculos se inscreveram ao prêmio
26 foram indicados
11 foram premiados

Origem do Troféu Gralha Azul
Criado em 1974 pelos artistas Yara Sarmento, Waldir Manfredini, Edson e Delcy D’Ávila, o prêmio é concedido anualmente aos destaques do teatro paranaense.

Desde 1983 a premiação é realizada pelo Centro Cultural Teatro Guaíra em co-promoção com o sindicato dos artistas, SATED/PR, e dos produtores teatrais, SEPED/PR.

Os agraciados recebem uma estatueta em metal concebida pelo artista plástico Ivens Fontoura e uma quantia em dinheiro que varia de acordo com a categoria.

Confira a lista dos vencedores do Troféu Gralha Azul de 2007:

Coreografia
Salete Ukachinski e André Meirelles - “Tanguapo ”

Texto Original ou Adaptado
Marcelo Munhoz - “Caninos Brancos”

Maquiagem
Cristóvão De Oliveira - “Butterfly”

Adereço
Roberto Innocente - “Aconteceu No Brasil Enquanto O Ônibus Não Vem”

Cenário
Márcio Innocenti - “Eu, Joana”

Figurino
Marcelo Salles - “O Burguês Fidalgo”

Sonoplastia
Cesarti - “Pessoalmente Fernando”

Iluminação
Waldo León - “O Sonho De Um Homem Ridículo”

Revelação - atriz/ator e criadores
Áldice Lopes - Direção de “Pessoalmente Fernando”

Ator coadjuvante
Luiz Bertazzo - “O Burguês Fidalgo”

Atriz coadjuvante
Fernanda Magnani - “O Burguês Fidalgo”

Ator
Rafael Camargo - “Pessoalmente Fernando”

Atriz
Martina Gallarza - “Aconteceu No Brasil Enquanto O Ônibus Não Vem”

Composição musical
Edith De Camargo e Marcelo Torrone - “Sobre Tempos Fechados”

Direção
Roberto Innocente - “Aconteceu No Brasil Enquanto O Ônibus Não Vem”

Espetáculo itinerante
"Uma Estória Da Nossa História" - Neiva Camargo Iovanovitchi Promoções Artísticas

Espetáculo para crianças
“O Olho D’Água” - Companhia Pé no Palco

Espetáculo
“Aconteceu No Brasil Enquanto O Ônibus Não Vem” - Ateliê De Criação Teatral

Técnico do ano*
Sérgio Richter

Prêmio especial*
Isidoro Diniz

Troféu Epidauro**
“Aconteceu No Brasil Enquanto O Ônibus Não Vem” - Ateliê De Criação Teatral

*Premiações especiais concedidas pelo Centro Cultural Teatro Guaíra
** Prêmio concedido pelo Consulado da Grécia

2008-03-12T11:10:00.002-03:00

+ Música
As clássicas dos irmãos Barnabé
Arrigo Barnabé e Patife Band, grupo de Paulo Barnabé, dividiram o palco do Teatro da Caixa nos últimos dias 6, 7, 8 e 9. Abaixo, a resenha do show que aconteceu no domingo.

Fundindo rock e punk com técnicas da música erudita, a Patife Band abriu o show de domingo, quase fundindo também, com sua sonoridade tão densa e agressiva, alguns tímpanos mais frágeis e desavisados.

Como os da senhora sentada ao meu lado, que de repente me interpelou: “Escute, e o Arrigo? Cadê ele?” Tive de explicar então que aquela era a banda do Paulo Barnabé, o sujeito que está tocando bateria, apontei, e que é irmão do Arrigo. O Arrigo mesmo só vai entrar no palco daqui a pouco, disse a ela.

Insatisfeita, a mulher me confidenciaria: “Essa música está me dando dor de cabeça! Quanto tempo isso ainda vai durar?”, queria saber. “Acho que uns 15 minutos”, arrisquei, ao que ela apenas suspirou e depois cochichou algo com uma colega que estava ao seu lado.

Após algum tempo, inutilmente eu ainda tentaria estimular minha pobre amiga informando que a letra do estranho punk rock que ouvíamos vinha do “Poema em linha reta”, de Fernando Pessoa: “Viu só? Rock também é poesia!” Mas ela tampouco deu a mínima para o meu comentário.

Depois dessa, Arrigo finalmente entrou em cena com seu piano elétrico, ao lado de Paulo Braga, no teclado. Cantou desde músicas mais descontraídas como “Clara Crocodilo”, “Diversões Eletrônicas” e “Orgasmo total” – que arrancaram risos da platéia –, como também proporcionou momentos mais líricos e introspectivos em “Lenda” e “Cidade Oculta”

Nas suas músicas apenas instrumentais, porém, uma parcela do público ficou visivelmente aporrinhada. E dentre a meia dúzia que deixou o teatro antes do término da apresentação, lá estava ela: a senhora impaciente!

Arrigo ainda tocaria uma música junto com a Patife Band e, por fim, foi o grupo de Paulo Barnabé que se encarregou do bis, com “Corredor Polonês”, o último petardo da noite.

2008-03-10T17:43:00.005-03:00

+Teatro
+ Reportagem Especial
Como anda a dramaturgia curitibana?
Artistas e especialistas apontam a existência de uma diversidade de linguagens e muita experimentação

É fato: na pós-modernidade, o texto dramático não é necessariamente o elemento mais importante de uma peça teatral, como lembra Ismael Sheffler, professor do curso de especialização em literatura dramática e teatro da Universidade Tecnológica Federal do Paraná (UTFPR). Mas, mesmo assim, é inegável que a existência de um bom texto ainda pode fazer uma grande diferença no resultado final de uma encenação, o que torna válido, portanto, refletir sobre a qualidade da dramaturgia que vem sendo feita na cidade.

O professor Ismael identifica algumas tendências: “Há um predomínio de textos de comédias em Curitiba, voltados principalmente a um teatro do tipo besteirol. Em parte, porque o público curitibano acaba pedindo isso. Por outro lado, há uma dramaturgia mais contemporânea, que faz muito uso da intertextualidade, e na qual o texto é apenas mais um elemento dentro da encenação. E há também um tipo de dramaturgia que fica num meio termo, com textos mais literários e em formatos mais convencionais”.

Para a atriz, diretora e dramaturga da CiaSenhas de Teatro, Sueli Araújo, a dramaturgia curitibana atravessa uma boa fase: “Vivemos um momento legal. Muitas pessoas se desvincularam da literatura e atores e diretores começaram a produzir seus próprios textos a partir das necessidades do teatro contemporâneo”, explica.

Edson Bueno, ator, diretor e dramaturgo do Grupo Delírio, também vê a nossa dramaturgia com bons olhos: “Há um florescimento da dramaturgia em Curitiba, que vem surgindo através dos alunos da FAP [Faculdade de Artes do Paraná]”, diz ele, citando como exemplo dessa geração a dramaturga Léo Glück, cuja peça Jesus vem de Hannover está em cartaz no Teatro Novelas Curitibanas.

Perigos do experimentalismo
Fátima Ortiz, diretora, atriz e dramaturga da companhia Pé no Palco, levanta algumas questões sobre o número considerável de textos experimentais que circulam na cidade. “O problema é que muita coisa fica apenas nesse experimental. Parece uma sucessão de idéias diversas, costuradas de forma muito frágil”, diz ela. “Muitas vezes falta unidade, e não é que eu esteja reclamando de uma falta de uma linearidade. Isso não é um problema. O que falta é uma trama dramatúrgica mesmo. Senão a peça fica parecendo um show de variedades”.

César Almeida, ator, diretor e dramaturgo da companhia Rainha de 2 Cabeças, também concorda com Fátima: “Tem muita gente fazendo um teatro experimental, mas fazendo para aprender a fazer, para desenvolver novas linguagens. Isso por um lado é bom, mas também pode ser ruim para o público quando a coisa não dá certo, quando são experimentos chatos”.

Para o professor Ismael Scheffler, uma crítica de teatro especializada poderia facilitar a relação do grande público com uma dramaturgia menos convencional: “O público comum tem mais dificuldade para aceitar esse tipo de texto mais ousado. Afinal, o brasileiro está mais acostumado a uma linguagem televisiva ou algo mais próximo da literatura. Ele espera ver um teatro clássico, dividido em atos, escrito de forma linear”, diz ele. “O que falta na cidade são críticos para formar esse público e introduzi-lo a uma dramaturgia contemporânea”, conclui.

***

Exemplos de dramaturgos jovens que despontam na cidade
Andrew Knoll, autor de Box’s.
Léo Glück, autora de Jesus vem de Hannover.
Luiz Fellipe Leprevost, autor de Tua passividade me embrutece.
Marcos Damaceno, autor de Sobre Tempos Fechados.

Alguns dos dramaturgos já consolidados na cena local
César Almeida, autor de Hamletrash.
Edson Bueno, autor de Capitu, Memória Editada.
João Luiz Fiani, autor de Nem Freud Explica.
Paulo Biscaia, autor de Morgue Story.
Sueli Araújo, autora de Bicho corre hoje.

Escritores locais que já escreveram para teatro
Cristovão Tezza, adaptou seu romance Trapo para o teatro.
Jamil Snege, autor de As Confissões de Jean Jacques Rousseau.
Manoel Carlos Karam, autor de O velório de Joaquim Silvério dos Reis.

2008-03-10T17:00:00.009-03:00

+ Teatro
+ Reportagem Especial
É possível formar dramaturgos?
Com a falta de cursos voltados à dramaturgia no Brasil, autores buscam formação por conta própria

Se no Brasil há diversos cursos de graduação e pós-graduação para atores e diretores, por outro lado não há cursos voltados para a profissionalização de dramaturgos, como vêm surgindo na Europa e nos Estados Unidos. Sendo assim, como se dá a formação desses artistas no país e, mais especificamente, em Curitiba?

“Os nossos dramaturgos, no geral, são amadores”, diz a professora da Universidade Federal do Paraná (UFPR), especialista em dramaturgia brasileira, Marta Morais da Costa. “Muitos nem estudam, não lêem. A coisa vem de dentro e sai como Deus quer. Ou não quer”, provoca.

Edson Bueno, ao contrário, se coloca no grupo de autores que fazem questão de estudar por conta própria: “Como autodidata, eu estudo muito o texto de teatro. Fico decupando as peças dos grandes autores e tento observar como eles conseguiram chegar a determinados resultados”, diz o diretor, ator e dramaturgo do Grupo Delírio.

“É preciso que um dramaturgo aja em prol da sua formação”, reforça Ismael Scheffler, professor da Universidade Tecnológica Federal do Paraná (UTFPR), do curso de especialização em literatura dramática e teatro. “Um artista, mesmo que se considere um intuitivo, constrói algo a partir da cultura em que está inserido. Sendo assim, tudo o que ele fizer para expandir essa cultura, expandir essa formação, será benéfico para ele”.

Segundo Ismael, um curso como o de especialização em dramaturgia promovido pela UTFPR, mesmo que não esteja centrado na produção de textos, e sim nos estudos, é válido para autores teatrais em potencial: “A dramaturgia precisa passar por um processo de reflexão”, defende.

Oficinas e bolsas para dramaturgos
Questionada sobre a possibilidade da Faculdade de Artes do Paraná (FAP) promover uma habilitação em dramaturgia, assim como acontece na Faculdade de Artes de Berlim, por exemplo, a atriz, diretora, dramaturga e professora de interpretação da FAP, Sueli Araújo, acredita que isso seja pouco provável. Segundo ela, a FAP ainda está reelaborando os currículos das habilitações existentes, que ainda remontam ao tempo da ditadura. “Mas é possível que surjam cursos de extensão em dramaturgia no futuro”, diz ela.

Fátima Ortiz, diretora, atriz e dramaturga da companhia Pé no Palco, constata que existem muitas pessoas interessadas em se aprimorar na dramaturgia, e conta que ela mesma é muito procurada por autores iniciantes que vêm lhe pedir conselhos. Fátima lembra que normalmente em festivais de teatro costumam acontecer alguns workshops voltados para a área, mas que isso ainda é insuficiente para atender todo mundo.

Nesse sentido, as oficinas de dramaturgia que a Fundação Cultural de Curitiba (FCC) vem promovendo tentam preencher essas lacunas. Beto Lanza, diretor de ação cultural da FCC, lembra também que desde o ano passado a fundação criou o edital Oraci Gemba (aberto novamente este ano), que oferece um auxílio financeiro para que dramaturgos desenvolvam seus projetos. Depois de criados os textos, são realizadas leituras dramáticas e as peças são registradas em uma antologia.

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Teatro Lala promove concurso de dramaturgia

Outra forma importante de estimular a produção dramatúrgica é através da realização de concursos. Este ano, por exemplo, o Teatro Lala Schneider oferece prêmios de R$ 1 mil para as melhores peças, nas categorias tragédia e comédia, que depois serão encenadas pela própria Fundação Teatro Lala Schneider.

“O objetivo do concurso é descobrir novos autores”, diz Jader Alves, um dos responsáveis pela organização do certame. “Às vezes as pessoas escrevem, mas se sentem envergonhadas para enviar seus textos às companhias, ou então não sabem como fazer isso. O concurso serve pra que as pessoas tirem seus textos da gaveta”, explica.

Sobre o concurso
As inscrições para o concurso começaram em janeiro e os dramaturgos ainda podem enviar suas peças até o dia 10 de março. Numa primeira fase, uma banca selecionará 10 textos com os quais serão realizadas leituras dramáticas. A partir disso serão escolhidos os dois trabalhos vencedores.

Segundo Jader Alves, até agora foram recebidos cerca de 15 textos, e a maioria deles escritos por pessoas desconhecidas no meio teatral – o que vem de encontro a uma das intenções do concurso. Sobre a qualidade das peças, Jader se diz satisfeito: “A maioria tem boas idéias. Só que, em algumas, você percebe a falta de conhecimento do autor sobre o funcionamento do teatro na prática – o que a gente chama de carpintaria teatral. Mas também não é nada que um diretor depois não possa dar um jeito.”

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Para autores teatrais:

Oficinas de dramaturgia
Promovidas pela Fundação Cultural de Curitiba, as oficinas acontecem quinzenalmente às quintas-feiras, das 19h às 23h, no Palacete Wolff (Praça Garibaldi, nº 7). Informações pelo tel.: 3321-3205.

Curso de especialização em literatura dramática e teatro
Promovido pela UTFPR, o curso tem duração de um ano e visa desenvolver o pensamento crítico sobre as articulações entre o discurso literário e o fazer artístico. Maiores informações através do site www.utfpr.edu.br

Edital Oraci Gemba – Fomento em Literatura Dramática
Promovido pela Fundação Cultural de Curitiba, seleciona seis dramaturgos curitibanos e oferece R$ 10 mil para que cada um desenvolva um projeto de peça. Os textos criados são registrados em uma antologia e também são realizadas leituras dramáticas a partir deles. Informações pelo site: http://www.fundacaoculturaldecuritiba.com.br/

Bolsas Funarte de estímulo à dramaturgia
A Fundação Nacional de Artes (Funarte) seleciona dois dramaturgos de cada região do país e oferece R$ 30 mil para cada um deles desenvolver um projeto de peça. Informações pelo site: http://www.funarte.gov.br